在交响乐团演出的时候，一定要忠于乐谱吗？
这个问题嘛，其实就像问“吃饭一定要吃饱吗？”一样，答案并非简单的“是”或“否”。在交响乐团的演出中，忠于乐谱是绝对的核心，是指导一切的根本原则，但“忠于”这个词，它本身就带有一点玩味的空间。
打个比方，乐谱就像一张精美的蓝图，它详细地规定了建筑的每一根梁柱、每一个房间的布局、每一扇窗户的位置。没有这张蓝图，建筑师和施工队就不知道该如何下手，出来的东西很可能四不像。对于交响乐团来说，乐谱就是这张蓝图，它告诉你什么乐器在什么时候演奏什么音高、什么节奏、什么力度、什么表情。指挥家和乐手们必须严格遵循它，才能呈现出作曲家最初设想的声音世界。
为什么一定要忠于乐谱？
首先，这是对作曲家思想的尊重。作曲家花费了毕生的心血，将脑海中的音乐构思、情感表达，一丝不苟地写进了乐谱。每一条连线、每一个渐强渐弱、每一个装饰音，都是他精心斟酌的结果。如果演奏者随意更改，那就是对作曲家劳动成果的否定，是对他艺术灵魂的漠视。我们听音乐，本质上是在聆听作曲家的声音，而不是指挥家或某个演奏员的即兴发挥。
其次，这是保证音乐统一性和完整性的基础。交响乐是许多个声部、许多种乐器协同合作的产物。乐谱就像是乐队成员之间沟通的通用语言。如果每个人都按照自己的想法来，那只会是一片混乱。只有遵循统一的乐谱，才能确保各个声部和谐地交织在一起，形成一个完整、有机的整体。试想一下，如果小提琴觉得某个地方的音符听起来不顺耳就随意改几个，铜管觉得某个节奏太快想放慢一点，那么这支乐曲还有可能呈现出作曲家希望的那个精妙的音响效果吗？
再者，这是对观众的承诺。大多数观众走进音乐厅，期待的是听到他们熟悉的、被记录在乐谱上的音乐。他们有的是因为喜爱某个作品的录音而前来，有的则是抱着对经典作品的敬畏而来。如果乐团在演出中随意篡改，那么它就不再是观众所期待的那部作品了。这种“不忠诚”可能会让观众感到失望甚至被欺骗。
但是，“忠于”就意味着一丝不苟，寸步不让吗？
这就来到刚才说的那个“玩味的空间”了。在严格遵守乐谱的大前提下，音乐的诠释本身就充满了艺术家的个人色彩，而这种色彩的注入，就是在“忠于”的基础上的“提升”或“活化”。
表情记号和力度变化： 乐谱上写着“forte”（强），但强到什么程度？是粗暴的强，还是饱满而辉煌的强？“piano”（弱），是细腻的弱，还是神秘的弱？这些细微的差别，都需要指挥和乐手通过对音乐的理解去把握和呈现。即使是相同的力度标记，在不同的音乐段落、不同的情绪背景下，演奏出来也会有不同的味道。这是经验和情感的体现，是在乐谱允许的框架内的创造。
速度的微调（Tempo Rubato）： 在某些风格和作品中，作曲家会允许或鼓励演奏者在速度上进行一些自然的起伏变化，比如在表达深情时稍微放慢一些，在情绪激动时稍微加快一点，但总体速度感不变。这就像在讲话时，我们不会用完全一致的语速，而是会根据内容和情绪进行自然的停顿和节奏调整。这种技巧如果运用得当，能让音乐更具呼吸感和生命力。当然，这种“自由”是有限度的，绝对不能破坏整体的结构和节奏的稳定性。
对装饰音的处理： 很多老作品的乐谱上会标注一些装饰音，比如颤音、倚音等。但这些装饰音的时值和奏法，在不同时期、不同演奏家那里都有不同的处理方式。是长颤音还是短颤音？是提前奏还是同步奏？这些都需要演奏者根据自己对音乐风格的理解来决定，但基本音值和作用不能因此而改变。
乐器音色的运用： 即使是同一件乐器，不同的演奏者能发出的音色也千差万别。是更明亮、更尖锐的音色，还是更柔和、更圆润的音色？指挥会根据乐曲的整体风格和段落的情绪，引导乐手去调整他们的音色运用，以达到最佳的听觉效果。这同样是在乐谱所规定的音高和节奏上的进一步雕琢。
历史演奏实践的传承： 随着音乐史的发展，对于一些古老作品的演奏方式也在不断演变。比如巴洛克时期的音乐，在和声、节奏、乐器使用上都有其独特的风格。现代乐团在演奏这些作品时，会参考历史演奏的理论和实践，尝试去还原当时的音响效果，这其中也包含了对乐谱的理解和诠释。
所以，总结一下，交响乐团演出的时候，“忠于乐谱”是那个最最坚实的基础，是不可逾越的红线。乐谱是作曲家的精神遗产，是音乐作品的生命线。但这份“忠于”，不是僵死的复制，而是充满了理解、洞察和艺术判断的活态传承。指挥家和乐手们要在乐谱所构建的框架内，用他们的技巧、情感和经验，将二维的符号转化为三维的、鲜活的音乐。
可以说，最高明的演奏，就是让观众感觉不到“修改”，而是觉得“就是这样”，好像音乐本身就应该以这样的方式被呈现出来。这种“忠于”，是技艺与灵魂的结合，是在尊重原作的基础上，赋予音乐第二次生命的过程。
打个比方，乐谱就像一张精美的蓝图，它详细地规定了建筑的每一根梁柱、每一个房间的布局、每一扇窗户的位置。没有这张蓝图，建筑师和施工队就不知道该如何下手，出来的东西很可能四不像。对于交响乐团来说，乐谱就是这张蓝图，它告诉你什么乐器在什么时候演奏什么音高、什么节奏、什么力度、什么表情。指挥家和乐手们必须严格遵循它，才能呈现出作曲家最初设想的声音世界。
为什么一定要忠于乐谱？
首先，这是对作曲家思想的尊重。作曲家花费了毕生的心血，将脑海中的音乐构思、情感表达，一丝不苟地写进了乐谱。每一条连线、每一个渐强渐弱、每一个装饰音，都是他精心斟酌的结果。如果演奏者随意更改，那就是对作曲家劳动成果的否定，是对他艺术灵魂的漠视。我们听音乐，本质上是在聆听作曲家的声音，而不是指挥家或某个演奏员的即兴发挥。
其次，这是保证音乐统一性和完整性的基础。交响乐是许多个声部、许多种乐器协同合作的产物。乐谱就像是乐队成员之间沟通的通用语言。如果每个人都按照自己的想法来，那只会是一片混乱。只有遵循统一的乐谱，才能确保各个声部和谐地交织在一起，形成一个完整、有机的整体。试想一下，如果小提琴觉得某个地方的音符听起来不顺耳就随意改几个，铜管觉得某个节奏太快想放慢一点，那么这支乐曲还有可能呈现出作曲家希望的那个精妙的音响效果吗？
再者，这是对观众的承诺。大多数观众走进音乐厅，期待的是听到他们熟悉的、被记录在乐谱上的音乐。他们有的是因为喜爱某个作品的录音而前来，有的则是抱着对经典作品的敬畏而来。如果乐团在演出中随意篡改，那么它就不再是观众所期待的那部作品了。这种“不忠诚”可能会让观众感到失望甚至被欺骗。
但是，“忠于”就意味着一丝不苟，寸步不让吗？
这就来到刚才说的那个“玩味的空间”了。在严格遵守乐谱的大前提下，音乐的诠释本身就充满了艺术家的个人色彩，而这种色彩的注入，就是在“忠于”的基础上的“提升”或“活化”。
表情记号和力度变化： 乐谱上写着“forte”（强），但强到什么程度？是粗暴的强，还是饱满而辉煌的强？“piano”（弱），是细腻的弱，还是神秘的弱？这些细微的差别，都需要指挥和乐手通过对音乐的理解去把握和呈现。即使是相同的力度标记，在不同的音乐段落、不同的情绪背景下，演奏出来也会有不同的味道。这是经验和情感的体现，是在乐谱允许的框架内的创造。
速度的微调（Tempo Rubato）： 在某些风格和作品中，作曲家会允许或鼓励演奏者在速度上进行一些自然的起伏变化，比如在表达深情时稍微放慢一些，在情绪激动时稍微加快一点，但总体速度感不变。这就像在讲话时，我们不会用完全一致的语速，而是会根据内容和情绪进行自然的停顿和节奏调整。这种技巧如果运用得当，能让音乐更具呼吸感和生命力。当然，这种“自由”是有限度的，绝对不能破坏整体的结构和节奏的稳定性。
对装饰音的处理： 很多老作品的乐谱上会标注一些装饰音，比如颤音、倚音等。但这些装饰音的时值和奏法，在不同时期、不同演奏家那里都有不同的处理方式。是长颤音还是短颤音？是提前奏还是同步奏？这些都需要演奏者根据自己对音乐风格的理解来决定，但基本音值和作用不能因此而改变。
乐器音色的运用： 即使是同一件乐器，不同的演奏者能发出的音色也千差万别。是更明亮、更尖锐的音色，还是更柔和、更圆润的音色？指挥会根据乐曲的整体风格和段落的情绪，引导乐手去调整他们的音色运用，以达到最佳的听觉效果。这同样是在乐谱所规定的音高和节奏上的进一步雕琢。
历史演奏实践的传承： 随着音乐史的发展，对于一些古老作品的演奏方式也在不断演变。比如巴洛克时期的音乐，在和声、节奏、乐器使用上都有其独特的风格。现代乐团在演奏这些作品时，会参考历史演奏的理论和实践，尝试去还原当时的音响效果，这其中也包含了对乐谱的理解和诠释。
所以，总结一下，交响乐团演出的时候，“忠于乐谱”是那个最最坚实的基础，是不可逾越的红线。乐谱是作曲家的精神遗产，是音乐作品的生命线。但这份“忠于”，不是僵死的复制，而是充满了理解、洞察和艺术判断的活态传承。指挥家和乐手们要在乐谱所构建的框架内，用他们的技巧、情感和经验，将二维的符号转化为三维的、鲜活的音乐。
可以说，最高明的演奏，就是让观众感觉不到“修改”，而是觉得“就是这样”，好像音乐本身就应该以这样的方式被呈现出来。这种“忠于”，是技艺与灵魂的结合，是在尊重原作的基础上，赋予音乐第二次生命的过程。
网友意见
要忠于出钱请你的人！
如果是作曲或出版社出钱，一定要忠于原谱！
如果是演出方或演艺单位付工资，一定要忠于演出方或演艺单位！
如果是普通听众买票听，一定要忠于听众！
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