在钢琴艺考中音乐学院的教授更喜欢乐感好的学生还是技术强的学生?
在钢琴艺考中，音乐学院的教授们更看重学生的“乐感”还是“技术”，这是一个常常被考生和家长们讨论的话题。要说得详细些，就得深入分析一下教授们在评判时考量的维度，以及两者之间微妙的平衡关系。
技术是基础，但乐感是灵魂
简单来说，没有扎实的技术，再好的乐感也难以完全展现。 你可以想象一下，一个对音乐理解深刻、情感饱满的学生，如果手指僵硬、音阶不稳、和弦模糊，他弹奏出的音乐就会像是隔着一层纱，无法触及听众的内心。教授们需要看到的是一个有潜力、能够驾驭复杂作品的学生，而这首先需要建立在可靠的技术功底上。
技术方面的考量通常包括：
音阶、琶音的准确性和流畅度： 这是最基本的要求，需要清晰、连贯、稳定的音律。
手指的独立性和灵活性： 能够清晰地弹奏出复杂的复调声部、快速的跑动，以及对力度变化的精确控制。
触键的质感： 能够根据音乐表达的需要，运用不同的触键方式（如跳音、连奏、断奏、重音等），弹出丰富的声音色彩。
踏板的运用： 能够恰当地使用延音踏板来连接乐句、营造空间感或突出重点。
对乐谱的解读能力： 包括音符、节奏、速度、表情记号、指法等各个方面的准确呈现。
然而，技术本身是为音乐服务的。 教授们并非在寻找一个“机器手”，而是希望通过技术去塑造一个有生命力的音乐形象。这就牵扯到了“乐感”。
乐感，是音乐学院教授们更倾向于挖掘和培养的关键特质。
乐感，这个词听起来有些虚幻，但它体现在音乐的方方面面，是让音乐“活起来”的秘密。它包含了对音乐的深层理解、情感的共鸣和艺术的品味。
乐感方面的考量通常包括：
对音乐线条的把握： 乐句是否流畅、有方向感？高潮和低谷是否自然过渡？
对音乐情绪的理解与表达： 作品想要传达的是喜悦、悲伤、愤怒还是宁静？学生能否通过音色、力度、节奏的变化来准确传达这些情绪？
音乐节奏的灵活性与表现力： 这不是指简单的照谱演奏，而是指在不破坏整体框架的前提下，通过微妙的渐慢、渐快（rubato）来增加音乐的呼吸感和表情。
对音色的敏感度与运用： 能否根据不同的乐曲风格和段落，调制出不同的音色（如温暖、明亮、柔和、辉煌等）？
音乐的呼吸与停顿： 音乐的停顿和休止符不仅仅是时间的空白，更是为了让乐句得以喘息、让情感得以沉淀。乐感好的学生会在这方面做得更自然、更富于表现力。
对音乐整体结构的理解： 是否能够把握作品的整体性，清楚地知道自己在音乐的哪个部分，以及如何将各个声部有机地连接起来？
个性和创造性： 在符合音乐本体要求的前提下，是否能展现出自己独特的音乐理解和处理方式？这是一种对音乐的“再创造”。
教授们在考场上的“天平”倾向何方？
大多数情况下，教授们在初试阶段会更看重技术作为筛选的门槛。 如果技术不过关，很多高难度作品是无法进行的，更谈不上乐感的展现。
但是，当技术达到一定水平后，乐感就成为了决定性的因素。 很多技术上无可挑剔但听起来“干涩”的学生，可能会在与技术不错但充满感染力的学生PK时落败。
举个例子： 两个学生都弹奏肖邦的夜曲。
学生A： 技术非常扎实，音符准确无误，节奏稳定，旋律线条清晰。听起来像是一次完美的“背诵”和“执行”。
学生B： 技术也很不错，但可能在某个地方出现微小的瑕疵（比如某个和弦的清晰度略有不足）。然而，他能够用充满诗意的触键，将旋律弹奏得如歌如泣，对乐句的起伏处理得恰到好处，踏板运用得如梦似幻，让整首曲子充满了情感的流动。
在这种情况下，音乐学院的教授们很可能会更青睐学生B。因为学生B展现了对音乐的“感觉”和“理解”，他是在“说话”，而不是在“报数据”。
为什么乐感如此重要？
音乐学院培养的是未来的音乐家、演奏家，甚至是教育家。未来的音乐家需要能够通过音乐与人交流，传递情感，触动人心。技术是工具，而乐感是思想和灵魂。一个只有技术的演奏者，就像一个漂亮的空壳，而一个有乐感的演奏者，则能赋予音乐生命。
教授们在选拔学生时，也在寻找那些他们能够“教出东西”的学生。如果一个学生天生具有良好的乐感，即便技术上稍有不足，他们也更有信心通过指导和训练，帮助这个学生将技术提升到与乐感相匹配的高度。相反，一个技术超群但缺乏乐感、难以培养情感表达能力的学生，即使技术再好，也可能被认为“上限不高”或“难以塑造”。
总结一下：
技术是必要条件： 没有过硬的技术，你连门都无法进入。
乐感是关键加分项，甚至是决定性因素： 当技术达到一定水平后，乐感的优劣成为区分高下、决定录取的关键。
理想状态是技术与乐感并存： 最理想的学生是技术扎实，并且乐感出众，能够将二者完美地融合在一起。
所以，在备考过程中，考生们千万不要忽视任何一方。扎实地训练基本功，同时也要积极地去感受音乐、理解音乐、热爱音乐，努力让自己的演奏充满感染力和艺术生命力。这才是在激烈的艺考中脱颖而出的王道。
技术是基础，但乐感是灵魂
简单来说，没有扎实的技术，再好的乐感也难以完全展现。 你可以想象一下，一个对音乐理解深刻、情感饱满的学生，如果手指僵硬、音阶不稳、和弦模糊，他弹奏出的音乐就会像是隔着一层纱，无法触及听众的内心。教授们需要看到的是一个有潜力、能够驾驭复杂作品的学生，而这首先需要建立在可靠的技术功底上。
技术方面的考量通常包括：
音阶、琶音的准确性和流畅度： 这是最基本的要求，需要清晰、连贯、稳定的音律。
手指的独立性和灵活性： 能够清晰地弹奏出复杂的复调声部、快速的跑动，以及对力度变化的精确控制。
触键的质感： 能够根据音乐表达的需要，运用不同的触键方式（如跳音、连奏、断奏、重音等），弹出丰富的声音色彩。
踏板的运用： 能够恰当地使用延音踏板来连接乐句、营造空间感或突出重点。
对乐谱的解读能力： 包括音符、节奏、速度、表情记号、指法等各个方面的准确呈现。
然而，技术本身是为音乐服务的。 教授们并非在寻找一个“机器手”，而是希望通过技术去塑造一个有生命力的音乐形象。这就牵扯到了“乐感”。
乐感，是音乐学院教授们更倾向于挖掘和培养的关键特质。
乐感，这个词听起来有些虚幻，但它体现在音乐的方方面面，是让音乐“活起来”的秘密。它包含了对音乐的深层理解、情感的共鸣和艺术的品味。
乐感方面的考量通常包括：
对音乐线条的把握： 乐句是否流畅、有方向感？高潮和低谷是否自然过渡？
对音乐情绪的理解与表达： 作品想要传达的是喜悦、悲伤、愤怒还是宁静？学生能否通过音色、力度、节奏的变化来准确传达这些情绪？
音乐节奏的灵活性与表现力： 这不是指简单的照谱演奏，而是指在不破坏整体框架的前提下，通过微妙的渐慢、渐快（rubato）来增加音乐的呼吸感和表情。
对音色的敏感度与运用： 能否根据不同的乐曲风格和段落，调制出不同的音色（如温暖、明亮、柔和、辉煌等）？
音乐的呼吸与停顿： 音乐的停顿和休止符不仅仅是时间的空白，更是为了让乐句得以喘息、让情感得以沉淀。乐感好的学生会在这方面做得更自然、更富于表现力。
对音乐整体结构的理解： 是否能够把握作品的整体性，清楚地知道自己在音乐的哪个部分，以及如何将各个声部有机地连接起来？
个性和创造性： 在符合音乐本体要求的前提下，是否能展现出自己独特的音乐理解和处理方式？这是一种对音乐的“再创造”。
教授们在考场上的“天平”倾向何方？
大多数情况下，教授们在初试阶段会更看重技术作为筛选的门槛。 如果技术不过关，很多高难度作品是无法进行的，更谈不上乐感的展现。
但是，当技术达到一定水平后，乐感就成为了决定性的因素。 很多技术上无可挑剔但听起来“干涩”的学生，可能会在与技术不错但充满感染力的学生PK时落败。
举个例子： 两个学生都弹奏肖邦的夜曲。
学生A： 技术非常扎实，音符准确无误，节奏稳定，旋律线条清晰。听起来像是一次完美的“背诵”和“执行”。
学生B： 技术也很不错，但可能在某个地方出现微小的瑕疵（比如某个和弦的清晰度略有不足）。然而，他能够用充满诗意的触键，将旋律弹奏得如歌如泣，对乐句的起伏处理得恰到好处，踏板运用得如梦似幻，让整首曲子充满了情感的流动。
在这种情况下，音乐学院的教授们很可能会更青睐学生B。因为学生B展现了对音乐的“感觉”和“理解”，他是在“说话”，而不是在“报数据”。
为什么乐感如此重要？
音乐学院培养的是未来的音乐家、演奏家，甚至是教育家。未来的音乐家需要能够通过音乐与人交流，传递情感，触动人心。技术是工具，而乐感是思想和灵魂。一个只有技术的演奏者，就像一个漂亮的空壳，而一个有乐感的演奏者，则能赋予音乐生命。
教授们在选拔学生时，也在寻找那些他们能够“教出东西”的学生。如果一个学生天生具有良好的乐感，即便技术上稍有不足，他们也更有信心通过指导和训练，帮助这个学生将技术提升到与乐感相匹配的高度。相反，一个技术超群但缺乏乐感、难以培养情感表达能力的学生，即使技术再好，也可能被认为“上限不高”或“难以塑造”。
总结一下：
技术是必要条件： 没有过硬的技术，你连门都无法进入。
乐感是关键加分项，甚至是决定性因素： 当技术达到一定水平后，乐感的优劣成为区分高下、决定录取的关键。
理想状态是技术与乐感并存： 最理想的学生是技术扎实，并且乐感出众，能够将二者完美地融合在一起。
所以，在备考过程中，考生们千万不要忽视任何一方。扎实地训练基本功，同时也要积极地去感受音乐、理解音乐、热爱音乐，努力让自己的演奏充满感染力和艺术生命力。这才是在激烈的艺考中脱颖而出的王道。
网友意见
一堆错音和错误节奏中是听不出乐感的。
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