问题

在当代,坚持西方传统造型是否有前途?

回答
在我看来,谈论“西方传统造型”是否有前途,首先需要厘清几个关键点。我们说的“西方传统造型”是指什么?是文艺复兴时期那种严谨的解剖学、透视法和理想化美的追求?还是古典主义的对称、秩序和宏伟?抑或是浪漫主义的激情、情感和对自然的讴歌?还是更早期的古希腊、古罗马那种对人体和比例的极致探索?

如果我们将“西方传统造型”理解为一套固定的、不可动摇的艺术法则,那么它的前途可能确实堪忧。因为艺术的生命力恰恰在于其演变和创新,在于对时代精神和人类体验的响应。任何一种僵化的艺术形式,都可能因为脱离现实而失去活力。

但是,如果我们将“西方传统造型”理解为一种方法论,一种经过数百年沉淀下来的审美智慧和技艺宝库,那么它的前途,在我看来,仍然是光明甚至可以说是至关重要的。

为什么这么说?

首先,“传统”本身就蕴含着深刻的价值。 西方传统造型,如其名,是经过时间筛选和洗礼的产物。它不仅仅是一套技法,更是一种思维方式,一种观察世界、理解人性的角度。比如对人体结构的精确把握,不仅仅是技术上的挑战,更是一种对生命本身的尊重和探索。透视法的运用,是人类理性思维对空间和秩序的理解的体现。理想化美的追求,则触及了人类对于和谐、完美和超越性的渴望。这些并非过时的陈旧观念,而是人类共通的对美的本能追求的显现。

其次,当代艺术并非全然抛弃传统。 很多当代艺术家,即便他们的作品看起来与传统相去甚远,但追根溯源,他们依然可能在某些层面上受益于传统。比如抽象艺术,虽然放弃了具象的模仿,但其对形式、色彩、线条的内在逻辑和纯粹性的探索,某种程度上也是对古典主义和现代主义早期对纯粹形式追求的延续。观念艺术,虽然强调思想和概念,但其对媒介的选择和呈现方式,也并非完全脱离造型的语境。

更重要的是,“返璞归真”和“深度挖掘”是当代艺术的重要趋势。 在一个充斥着信息碎片和快速消费的时代,人们反而越来越渴望那些能够提供深度体验、引发沉思的作品。而西方传统造型所蕴含的严谨、耐心和对细节的关注,恰恰是实现这种深度体验的基石。

举几个具体的例子来说明:

具象绘画与素描的生命力: 尽管观念艺术和抽象艺术占据了很大一部分话语权,但我们依然看到许多艺术家在坚持具象绘画和素描创作。他们并非简单地重复古典技法,而是在此基础上融入当代人的情感、视角和对现实的观察。例如,一些当代肖像画家,他们依然运用精湛的油画技巧,但笔下的模特却是当下社会中形形色色的人物,他们的眼神、表情传递的是现代人的孤独、焦虑或希望。这种在传统技法下的时代精神的注入,赋予了作品新的生命力。甚至一些雕塑家,他们依然追求人体比例的和谐,但他们的表现手法和材质选择却带有鲜明的当代印记。
对经典主题的现代性解读: 许多当代艺术家仍然选择经典的题材,如神话故事、历史事件或圣经场景,但他们会用现代的视角、隐喻和反思来重新演绎。这并不是对传统的简单复制,而是通过传统的外壳来探讨当代社会中的人性和道德困境。比如,一位当代艺术家可能会以古希腊神话为灵感,但将故事设置在现代都市的背景下,揭示权力、欲望在当代社会中的新表现形式。
作为基础训练的重要性: 即便不直接创作传统风格的作品,西方传统造型的训练对于任何一位艺术家来说,都是极为宝贵的。对素描、色彩、解剖学、构图的系统学习,能够帮助艺术家建立扎实的功底,培养敏锐的观察力和对形式的深刻理解。这种基础训练就像是建造高楼大厦的地基,没有它,再怎么天马行空的创意也可能只是空中楼阁。许多当代艺术家在创作观念性作品时,其对画面结构和视觉传达的敏感度,很多时候也来源于早期的传统训练。
材料和技术的融合创新: 传统造型并非只局限于油画、石雕等传统媒介。当代的艺术家可以将这些传统造型的方法论,与新的材料、新的技术相结合。例如,利用3D打印技术来制作复杂的、符合经典比例的雕塑;或者在数字绘画中运用古典油画的光影和肌理效果。这种融合并非抛弃传统,而是让传统以更具现代感的方式焕发活力。

当然,我们也必须承认,“西方传统造型”也面临着挑战和需要反思的地方。

欧洲中心论的局限性: 过去,西方传统造型在很大程度上带有欧洲中心主义的色彩,忽略了东方或其他文明的艺术传统。当代艺术需要更加多元和包容,吸收不同文化的养分。
对“美”的定义的多元化: 当代社会对于“美”的定义已经非常多元,不再局限于西方古典意义上的理想化和谐。接受并探索更多元的“美”,是艺术家和艺术评论界都需要思考的问题。
如何避免刻板和僵化: 坚持传统造型,最怕的就是变成一种刻板的模仿,失去个性和创造力。如何将传统技艺和思想与当下时代的精神相结合,是关键所在。

总而言之,我认为,坚持西方传统造型,或者说,学习和借鉴西方传统造型所蕴含的智慧和技艺,在当代仍然非常有前途。

它不是一个需要被全盘否定或全盘接受的僵化概念,而是一个可以被转化、被激活、被融入到新的语境中的宝贵资源。它能够为当代艺术家提供深厚的根基和丰富的滋养,帮助他们创造出既有深度又有广度,既有技术高度又有人文关怀的作品。前途不在于“守旧”,而在于“创新性地传承”和“批判性地借鉴”。那些能够真正理解和消化传统,并将其与时代精神、个人思考相结合的艺术家,他们的作品必将拥有长久的生命力和深远的意义。

就像一位优秀的音乐家,即使演奏现代派作品,也需要扎实的古典音乐基础;一位出色的厨师,即使创作分子料理,也离不开对经典烹饪技巧的掌握。艺术的道理,亦是如此。传统造型,与其说是一种风格,不如说是一种通往更深刻艺术表达的必经之路,一条依然值得探索和挖掘的道路。

网友意见

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二更:

评论区蛮好的,题主的评论没有激怒我,可能是因为太好玩了吧。其实评论区还是正能量满满的,大家都知道抄袭和致敬之间的区别。我觉得绝大多数人都能理解,因为每个人都曾经创作过什么东西,不管是文案、企划案还是其他工作上要用的东西,只要是自己原创的东西被别人剽窃或抄袭了,大家都会有所察觉。因此,大家也都知道什么是原创的意义。


不过评论区有人说我这样直接指出题主的错误太傲慢了,或者说这种冷嘲热讽太不友好了。但其实我想说,就这种“创作”要是还有人怜悯地承认这是原创,那这种“原创”就会越来越多,我们就看不到好的作品。在专业上,没有什么好同情的,也没有什么好让步的,专业问题就是对和不对,没有模棱两可的态度。


所以,为了题主好,昨天我说了错在哪儿,今天来讲该往哪儿学,我讲一幅古典美术中最出名的致敬作品。

波提切利的《阿佩莱斯的诽谤》

这是波提切利在1495年完成的名作《诽谤》。今天我们习惯叫它《诽谤》,但在以前它也被称为《阿佩莱斯的诽谤》。阿佩莱斯是古希腊的著名画家,而为什么这幅画会出现阿佩莱斯的名字,是因为波提切利在画这件作品时,借鉴了阿佩莱斯的同名作品。


这是一种怎样的借鉴呢?首先,阿佩莱斯的《诽谤》已经不存于世了,波提切利是在文艺复兴艺术理论家阿尔伯蒂的《论绘画》以及古希腊作家琉善的读画诗(Ekphrasis)中,到了阿佩莱斯的《诽谤》。读画诗是一种描述画面的传统文体,一般不会事无巨细地介绍,而是先大略说个整体的感觉,画中的场景和人物,再特写一些重要细节,如肖像的眉宇,人物的动作,最后也会说说这幅画创作时的场景。波提切利就是从文字记载中,重新描绘、或者说重新向世人展现了这幅古希腊名作《诽谤》。


在后世人看来,波提切利与其说是借鉴阿佩莱斯的作品,不如说是致敬。但不能说这是波提切利的原创,又是为什么呢?其实很简单,波提切利实际上借鉴了阿佩莱斯的绘画创意,也就是用人物的造型和动作,来呈现诸多概念:善良、无知、嫉妒、邪恶、虚伪、正义等等抽象概念之间的关系,而这些关系都在诽谤的故事主干下铺陈开来。阿佩莱斯在描绘时用诽谤这个主题,波提切利也用这个主题,所以在创意上,后者借鉴或致敬了前者。


在这幅画刚画好的时候,就有人说波提切利重现了阿佩莱斯的名作,他的功绩让人尊敬。当时的很多学者都把这幅画和阿佩莱斯做比较,但事实上波提切利在画面语言上一点儿都没有直接临摹或借鉴阿佩莱斯,毕竟那幅画早就不在了。那波提切利会生气吗?会认为人们把自己的原创说成借鉴是一种诽谤吗?不会的。如果能与古希腊大师阿佩莱斯齐名,对波提切利来说是无上的荣耀。


致敬这个行为,应该是完全用自己的艺术语言重现或部分重现过去艺术作品中的一个侧面或一种感觉。致敬并不是照搬抄袭,而是在已有的样式上重新踏出一条路。希望题主能理解吧。


原答案:

谢邀。

所有美术学生都应该明白一点,就算再蹩脚的大学教授,他们都有一个神通,就是能记住大量图像。优秀的教授更是如此,我现在单位的老板有着几十万件收藏,主要是版画,他都能很快地报出每件作品的作者,大致年代和标题。只是他见过的,他都好像都能记住那画。所以抄袭在这些人眼里就是一目了然的事情。


那就先谈谈题主的抄袭吧。有知友已经大略说过了,事实上,有点艺术修养的人都能看出题主抄袭了。我们一张张来说吧。

第一张

题主的这张画和大卫在1805年完成的《跨越阿尔卑斯山圣伯纳隘道的拿破仑》中作品几乎一样,石头、马、人物造型还有披风的造型完全一致。石头上写堂吉柯德,也和原作里写波拿巴的形式一样。但是令人搞不懂的是,堂吉柯德拿着一把弯刀。嗯,其实所有堂吉柯德的作品里,他拿的一般都是比武用的长矛。

第二张

这张抄袭的是丢勒在1502年创作的版画《骑手》,不过可惜的是,题主的作品省掉了很多内容,没有背景,没有羽毛,也没有一旁的树桩。但可气的是,题主的排线都是一五一十抄丢勒的。我认为这应该算作一幅比较好的临摹习作。

第三、第五张

在画这两张时,可见题主已经摆脱了临摹,有抄袭和借鉴的嫌疑。抄袭的是什么年?是丢勒在1513年完成的版画《骑士、死亡和恶魔》,坐姿和头盔是很相像的。不过左上那张图的坐姿有问题,就这么坐法,骑士不掉下去才怪。左下图的羊也有问题,感觉是一匹马镶了个羊头,而且特别变扭的是这个羊还羞羞哒的低着头,快把自己的脖子都要折断了。

然后是魔兽世界时间。题主左上那幅的盾牌用了洛伦丹的纹章,脚下骑的狮子是Golden King。题主你游戏玩太多了,代入感太强了。

上面写的两行字也蛮好玩的,一个是Valor(勇猛),一个是humility(谦逊),且不说在丢勒的时代,Valor这个来自于古法语、晚期拉丁语的英语词还没有勇猛的意思,仅指强壮,题主用的字体也不对。题主用的无衬线字体是19世纪发明。另外,我好像没见过在三角楣上就刻一个单词的建筑。

第四张

画这张鹿的时候(因为有两个角),题主拿了一张马的骨骼图做参考,然而这张骨骼图还有问题。首先说为什么是马,因为你嘴巴上面突出来一个尖角,这是马的鼻骨,鹿是没有这块突出来的鼻骨的。再说为什么参考图错了,我们在肩胛骨上方可以看见一块狼牙样子的脊椎骨,这是马的第一块脊椎骨,但是George Stubbs在画的时候明显画大了,题主可能也跟着画大了。我十分怀疑题主是照着George Stubbs的这张马匹骨骼版画来画的原因,是四肢、颈椎、肩胛骨的造型和投影是那么接近,感觉没有什么差别。不要说马的骨骼都一样,所以画出来就一样,如果是自己观察马的骨架,肯定有一些地方会和别人画的有点差别,而这里骨面的所有转折都是那么相似。

第五张

乍一看这件雕塑,大家都觉得这好优美啊,这姿势好眼熟啊。没错这就是大卫,一摸一样的大卫。不过我看了细节图更是吓了一大跳。原来这就是给大卫罩一个头盔啊!脸都是大卫的脸啊!

看见大眼眸子了吗?是不是一样爱心形状的,是不是一样大!嘴唇和下巴是不是也一样,哇~然而我突然有了一个不好的想法,我感觉是不是有可能这个雕塑的很大一部分是翻模了大卫全身石膏像,因为他的上肢肌肉几乎和国内卖的石膏像一样,只不过凹凸感淡了一些,这一般都是翻模造成的。

我们看乳晕的造型,前锯肌的造型还有腹肌弯折时的转折,锁骨的造型,这几乎一样啊。综上所述,题主要么是抄袭了大卫像,要么是直接翻模了一大部分的大卫像。


下面是快问快答环节:


Q:坚持西方传统造型是否有前途?

A:我就直说了,就你这样的坚持方法,前途小于等于0。


Q:为什么观众不喜欢我的作品,而去看互动作品?

A:互动作品吸引人很正常,因为好玩,而你的作品不吸引人是因为你作品没有任何联系啊,你就几张毫不相干的画,东拼西凑的图像和一尊不明所以的大卫铜像,人们看什么?看一眼就走了呗。


Q:应不应该放弃现在的道路,向时代妥协?

A:不用向时代妥协,先向法律妥协,你用洛伦丹纹章说是自己的作品,这是有法律问题的,你这是抄袭啊。再说应不应该放弃现在的道路,我觉得早该放弃了,这么大了还都在临摹,没有自己的创作,真的不值得骄傲。建议买本新华字典,看看什么是创作的意思,或者推荐你牛津词源学字典,查查create的语义流变过程。


Q:该不该独辟蹊径?

A:先别着急辟蹊径,还是上面那句老话,先理解什么是“独”。要是做当代艺术也这样搞,那还是没走出去。


Q:为什么不登抄袭的艺术?

A:我觉得知乎上的人已经够扒皮了,不需要抄袭的艺术来喷,人可能也觉得喷你没价值。那你问我为啥这么积极喷你,嗯,因为我很久没写答案了,手痒痒。


以上,我还想提醒所有美术学子,讨论西方传统艺术有没有前途时,先搞明白什么是西方、什么是传统、什么是艺术,以及什么是创作,再来说你该怎么走。我就不说喜欢艺术的人关注我的公众号“几册”,或搜索“Jiceart”就能发现更多有趣的艺术小知识了,因为这篇答案不符合我一贯的文风。

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