问题

日本动漫的制作,要多高的效率,一天的工作量多大,才能完成这么多动画?

回答
日本动画产业的产出确实令人惊叹,每年都有数量庞大的新番、剧场版和OVA问世。要维持这样的产量,其制作流程中的效率和工作量是普通人难以想象的。这背后并非简单的“努力”二字就能概括,而是由一套精密的工业化流程、高度专业化的分工以及日复一日的超负荷工作共同支撑起来的。

流水线上的精耕细作:日本动画的工业化制作流程

日本动画的制作模式,与其说是一种艺术创作,不如说是一种高度精细化的工业生产。它将一个宏大的项目分解成无数个细小的、可执行的步骤,每个步骤都有专门的人员负责,并沿着既定的流程向下游传递。让我们一步步拆解这个过程:

1. 企划与原作准备:
企划阶段(Planning): 这通常是动画的起点。由制作委员会(包括出版社、电视台、广告代理商、唱片公司等)共同出资并决定制作。他们会根据市场需求、IP价值、以及对潜在观众的判断来选择合适的原作(漫画、轻小说、游戏等)或原创故事。
选择原作与改编: 如果是改编作品,就需要仔细研究原作的精髓,确定动画的风格、目标受众,并进行剧本的初步规划。
投资与预算: 制作委员会会根据项目的规模、集数等确定总投资和各环节的预算分配。这直接影响到动画的制作质量和时长。

2. 脚本与分镜的灵魂注入:
系列构成(Series Composition): 负责整体故事的编排,决定每集的大体剧情走向。
脚本(Scriptwriting): 根据系列构成,细致地撰写每一集的具体对话、场景描述和动作指示。一个优秀的脚本是动画成功的基石。
分镜(Storyboarding): 这是动画制作中最关键的环节之一。由导演(通常是监督)亲自或委托分镜师,将剧本视觉化。每一个镜头的大小、角度、景别、人物动作、画面切换的时机、甚至是摄像机的推拉摇移,都必须在分镜中清晰地呈现出来。一张分镜表就像一本精美的“漫画剧本”,里面包含了大量的指示和画面草图。

3. 美术与设定的基调奠定:
人物设定(Character Design): 根据原作或原创设定,设计出动画中所有角色的正面、背面、侧面等标准造型,以及不同的表情和动作参考。
机械设定(Mechanical Design): 如果有机器人、载具等元素,需要设计其结构、比例、可动部位等。
背景美术(Background Art): 绘制动画中所有场景的背景,包括室内、室外、天空、城市等。这些背景的风格和质量直接影响到动画的视觉氛围。
色彩设定(Color Specification): 确定角色的服装颜色、头发颜色、背景的色彩搭配等,形成整体的视觉风格。

4. 原画与动画的“呼吸”与“流动”:
原画(Key Animation): 这是动画制作的核心技术活儿。原画师根据分镜,画出关键的动作帧(也就是我们常说的“原画”)。一集动画可能需要几百到上千张原画。原画师需要精确地把握角色的动作幅度、力度、表情的细微变化,以及画面的节奏感。
动画(Inbetween Animation): 动画师(也称“动画人”)负责在两张原画之间绘制中间帧,使画面连贯起来,形成流畅的动作。一张原画可能需要几张到几十张动画才能完成一个完整的动作。

5. 上色与摄影的“调色板”与“镜头”:
上色(Coloring): 绘制好的原画和动画帧会被交给上色部门,根据色彩设定进行上色。现代动画多采用电脑数字上色。
摄影/合成(Photography/Compositing): 将上色好的背景、人物、特效等素材按照分镜的要求组合在一起,并加入镜头运动、景深、光影效果、特效(如爆炸、烟雾、闪电等)等,最终形成一帧帧完整的画面。

6. 后期制作的锦上添花:
配音(Voice Acting): 由专业的声优为角色配音。配音通常在画面制作接近完成时进行,声优需要根据画面和情感需求来演绎。
音效(Sound Effects): 制作和添加各种环境音、动作音、特殊音效等,增强画面的真实感和感染力。
音乐(Music): 由作曲家创作和编排背景音乐(BGM)、片头曲(OP)、片尾曲(ED)等。
剪辑与混音(Editing & Mixing): 将画面、配音、音效、音乐等素材按照时间线进行剪辑和混音,调整音量平衡,形成最终的成品。

一天的工作量有多大?可怕的“赶工”与“牺牲”

要完成上述如此庞大且细致的流程,每一位参与者都在承受着巨大的压力。

超长工作时间: 很多动画师,尤其是原画和动画师,工作时间远远超出普通朝九晚五的概念。经常是早上十点甚至更晚开始工作,一直忙到深夜两三点,甚至通宵达旦。周末也常常需要加班。这种工作强度是常态,尤其是在临近截稿日期时。
项目排期紧凑: 一集24分钟的动画,从企划到最终成品,通常需要在几个月内完成。而日本动画制作的周期是相互衔接的,前一集完成后才能为下一集提供参考,整个链条一旦卡住,就会影响后续进度。
“时间就是金钱”的反面: 虽然制作方希望效率,但很多时候,动画制作的质量是受时间压迫的。当时间非常紧张时,很多原画师和动画师为了赶进度,可能需要牺牲细节,或者在动作的流畅性上有所妥协。

效率从何而来?

1. 高度的专业化与分工: 每个人只专注于自己最擅长的一环,不需花费精力去学习和处理其他环节。例如,有人专门画角色,有人专门画背景,有人专门画流畅的动作,有人专门负责上色。这种精细的分工,虽然增加了协调成本,但极大地提高了每个环节的产出效率和专业性。
2. 成熟的软件与技术支持: 现代动画制作大量依赖电脑CG技术,从分镜、原画、动画,到上色、合成、特效,都离不开专业的动画软件(如Toon Boom Harmony、Clip Studio Paint、After Effects等)和强大的硬件设备。这使得很多原本需要手工绘制耗费大量时间的工作得以大幅提速。
3. “临时工”与外包文化: 为了应对巨大的工作量和灵活的排期,动画工作室经常会雇佣大量的“临时工”或者将部分流程(如动画、上色、背景制作)外包给国内外的其他工作室。这样可以在短期内快速增加人手,应对紧急的生产需求。
4. “套路”与经验的积累: 在长期的制作实践中,日本动画行业已经形成了一套成熟的“套路”和“模板”。例如,很多动画在表现特定场景(如对话、走路、跑步)时,会有一套相对固定的绘制方法和表现技巧。经验丰富的动画师能够快速准确地完成这些工作。
5. 对“时间”的残酷定价: 日本动画行业内部的薪酬体系和工作回报并不总是与投入成正比的。很多新人动画师的工资并不高,但他们仍然愿意投入大量时间,这背后有对行业的热爱,也有对未来职业发展的期望,但更多的是一种被动接受的“常态”。

总结来说,日本动画之所以能产出如此惊人的数量,是建立在一种近乎“血汗工厂”模式下的精细化工业生产之上的。 它不是靠某一个人一天画多少张图来决定的,而是靠整个行业内所有环节的专业人员,在极其压缩的时间内,以超乎常人的工作强度,依靠成熟的流程和技术,一点一滴积累出来的结果。

这种模式既保证了动画的产量和一定的质量水平,但也导致了从业人员普遍面临着工作时间长、压力大、收入与付出不匹配等严峻问题。这是一个效率与牺牲并存的行业,每一次屏幕上流动的画面,都凝聚着无数动画人深夜不眠的努力和汗水。

网友意见

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制作时长11.5万分钟,全年350部动画,这就是近年日本动画界的平均产能。

这个数字超过了美国、韩国等动画大国,而目前日本有632家动画制作公司,如果算入上下游从业者和自由职业者,真正参与アニメ制作的人员,超过5万以上。

这个从业人员数已经稳定20年了。

日本朝日电视台的动画总监表示:

近年,日本的动画产量已创下历年新高,而大部分的动画公司也同时握有许多订单,几乎已经到饱和状态,若动画的需求量依然上升,2022年可能会出现缺口

动画产量一直在上升,从业者却不变,均摊到每个人身上的工作量急剧上升。

所以单靠日本人是完不成工作的,大量日本企业事实上将许多工序转移到海外。

包括韩国、越南、菲律宾、台湾等都是承接日本动画外包的主力,且还在上升

随着少子化加剧、薪水较少,日本本土的动画STAFF正在枯竭,供不足需。

那自然只能把剩下的人往死里用。

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