绘画瓶颈期了，如何都画不出体积感该怎么办?
画不出体积感，感觉整个画面都飘在纸上，或者像一张扁平的剪纸？别担心，这绝对是所有画画的人都会遇到的一个坎儿。 我自己也经常卡在这里，那种感觉就像是脑子和手之间断了联系，怎么调个光影都觉得不对劲。
我最近也在琢磨这个问题，感觉这跟我们对“体积”的理解，以及我们在绘画时捕捉和表达“体积”的技巧上，都有关系。 咱们一起来捋一捋，希望能有点帮助。
首先，我们得弄明白，到底啥叫“体积感”？
在我看来，体积感最核心的就是让二维的平面（你的画布、纸张）上的图像，看起来像是有厚度、有深度、有形状的三维物体。 它不是简单地画个轮廓，而是要让观众能感觉到这个东西是“实体”的，是立在空间里的。
那为什么会画不出体积感呢？常见的原因有几个，咱们一一剖析剖析：
1. 对物体本身的理解不够深入：
只画了“外形”，没画“结构”： 很多时候我们画一个球，就只是画一个圆，然后随便加点高光和阴影。 但一个球的体积感，其实是从它的“面”到“面”的过渡，是光线照射后，面向光源的面亮、背向光源的面暗，中间还有一个受光面到背光面之间平滑的色彩变化。 如果你对物体结构的理解不透彻，比如一个苹果，你只看到它表面的光滑，但它里面是有果肉、果核的，外形也不是完美的球体，它有凹陷，有蒂，这些细节都会影响到它的体积感。
对物体形态的观察不够细致： 我们看到的物体，其实都是光影共同作用的结果。 如果你只盯着“颜色”看，或者只关注“线条”，而忽略了光线是如何抚摸、包裹这个物体的，体积感自然就出不来。
2. 光影处理上的误区：
光影“平”： 这是最常见的问题。 不是简单地分出明暗两块，而是要在“亮部”内部有“亮部的层次”，在“暗部”内部也有“暗部的变化”。 比如一个球，从最亮的高光，到亮部，到灰部，到暗部，再到反光，这是一个渐变的过程。 如果你的明暗关系太跳跃，或者整个暗部都是一个死黑，那怎么会有体积感呢？
高光和阴影“不准确”： 高光的位置、形状、强度，都跟光源有直接关系。 阴影的形状、边缘（是锐利的还是模糊的），也同样如此。 如果高光点错了，或者阴影的形状、边缘跟实际不符，整个体积感都会“塌”。
忽略了“环境色”和“反光”： 很多时候，我们忽略了物体周围的环境对它自身颜色的影响（环境色），以及物体底部接触的地面或者其他物体反射过来的光线（反光）。 反光能让暗部不再是死黑一片，并且能勾勒出物体底部的边缘，这对于表现体积感至关重要。 很多时候，你的暗部太“实”，就是因为少了这些微妙的色彩变化。
3. 构图和透视上的问题：
透视运用不当： 即使你画得再细致，如果物体的透视关系处理错了，它看起来就不会是“正”的，体积感也会受到影响。 比如一个方形盒子，在透视里，它的边线应该是汇聚的，而不是平行的。
画面“挤”： 如果你的物体都贴在画面边缘，或者画面元素之间没有留出适当的空间感，整个画面会显得很“扁”。
4. 绘画工具和技法的局限：
笔触“太硬”或“太散”： 不同的绘画工具和技法，表达体积感的方式也不同。 用铅笔，你需要通过笔触的叠压和软硬变化来表现。 用油画，你可以通过厚涂、薄涂、晕染来表现。 如果你的笔触太粗糙、太跳跃，或者过于均匀、死板，都可能影响体积感的呈现。
好了，知道了原因，咱们就来聊聊怎么“破局”！
我总结了一些自己实践过，或者看别人做得很好的方法，希望能给你点启发：
一、 从“理解”入手，建立对物体结构的认知：
1. 拆解物体： 想象一下，你要画的物体，如果把它分解成最基本的几何形体（球体、立方体、圆柱体、圆锥体）是什么样的？ 即使是复杂如人，我们也可以把它想象成由各种大小不一的几何形体组合而成。 比如头部是球体，鼻子是圆锥体，身体是圆柱体等等。
2. 理解“表面”和“体块”： 别只看到物体表面的细节，要关注它背后是怎么构成的。 试着去想象，如果我把这个物体切开，里面是什么样的？ 它的“骨架”是什么？ 它的“体积”是怎么被“表皮”包裹起来的？
3. 画“结构线”： 在你心里或者在草稿阶段，试着去画出物体内部的结构线，或者沿着物体最基本的“转折”去画线。 就像给物体打个“草稿”，勾勒出它的“骨骼”。
二、 玩转光影，让光线“雕刻”你的物体：
1. 找准光源： 这是最关键的一步。 永远问自己：“光是从哪个方向来的？” 光源的方向决定了高光、亮部、灰部、暗部、投影以及反光的位置和形态。
2. 画“灰部”： 很多新手容易忽略“灰部”的过渡。 灰部是连接亮部和暗部的桥梁，它决定了物体的“圆润度”和“光滑度”。 试着用更细腻的笔触或颜色，去表现从亮部到暗部之间那个微妙的色彩变化。 想象光线是如何“滑过”物体的，那个“滑过”的过程，就是灰部。
3. 画“反光”： 反光是让暗部“活”过来的救星！ 别把暗部画成死黑，观察一下，物体下面是不是有什么东西？ 那个东西反射的光，就会照在物体的暗部，让暗部也带上一点色彩，并且勾勒出物体的边缘。 即使是光滑的桌面，也会有微弱的反光。
4. “切面”练习： 找一些简单的几何体，比如方形、球体、圆柱体，用单一光源去照亮它们。 然后，只画出它们的光影关系，练习如何通过明暗的变化来表现它们是“圆的”、“方的”还是“立体的”。
5. 对比练习： 找两张画，一张画得很有体积感，一张画得比较平。 分析它们在光影处理上的区别。 是高光更亮更突出？ 是暗部有反光？ 是明暗过渡更柔和？
三、 运用透视，让你的物体“站”起来：
1. 找地平线： 无论画什么，都要有一个“地平线”的概念。 你的物体要么在地平线之上，要么在地平线之下，要么正好在地平线上。
2. 消失点： 学习一点透视知识。 明白物体上面的平行线在远处会汇聚到消失点。 这样画出来的物体，才不会显得“扭曲”。
3. 画“底面”： 很多人画立方体，只画了上面和侧面，忽略了底面。 即使物体在你的画面中被遮挡了，在心里也要有它底面的感觉，这样才能让它看起来是“立”在空间里的。
四、 技巧提升，让你的笔触更有“力量”：
1. 用笔的“方向”： 试着让你的笔触顺着物体的“形体”去走。 比如画一个球，你的笔触可以沿着球面的弧度去画。 这样可以更好地引导观众的视线，感受到物体的“圆”。
2. 笔触的“软硬”： 在高光和边缘处，笔触可以细腻、光滑。 在受光面和背光面，笔触可以稍微粗糙、堆叠，来表现材质和光影的厚度。
3. “叠色”和“晕染”： 如果你用的是彩铅、油画或者马克笔，可以尝试用不同颜色和深浅的颜色进行叠压和晕染，来制造更丰富的明暗层次。
4. “擦”和“揉”： 在铅笔画中，适当地用纸巾、棉签或者手指去擦拭、揉和，可以创造出非常细腻的过渡，表现出柔和的光影。
五、 大量参考和临摹，学习大师的“秘密武器”：
1. 找“油画”作品： 油画的表现力非常强，特别是在光影和体积感的处理上。 找一些古典油画或者写实风格的油画作品，仔细观察它们是如何处理高光、暗部、反光，以及如何通过笔触来塑造体积的。
2. 找“速写”作品： 很多大师的速写，虽然简单，但却能抓到物体的本质，表现出很强的体积感。 看看他们是怎么用几根简单的线条就画出物体的“体量”。
3. 有目的地临摹： 不要盲目临摹，而是有目的地去分析和临摹，重点是学习对方是如何表现体积感的。 比如，这次临摹就专门研究光影，下次就研究结构。
最后，给你几个“心理建设”的小建议：
耐心，耐心，再耐心： 画不出体积感不是一天两天就能解决的问题，这是一个循序渐进的过程。 不要因为一两次的失败就气馁。
多练习，多犯错： 只有不断地画，不断地尝试，你才能找到最适合自己的方法。 犯错是学习的必经之路。
从简单的物体开始： 不要一开始就挑战高难度。 从简单的几何体、水果、杯子开始练习，先把最基本的体积感画出来，再慢慢挑战更复杂的物体。
用“加法”思考，而不是“减法”： 很多时候，画不出体积感是因为你“漏掉”了某些东西，比如反光、环境色、细腻的过渡。 试着去“加上”这些元素。
放松心态，享受过程： 画画本身是一件快乐的事情，别让“瓶颈期”变成一种压力。 把它当作一个学习和探索的机会。
我最近也还在摸索中，有时候突然就会“开窍”一点，但有时候又会回到原点。 这种起伏很正常，重要的是不要放弃，保持好奇心和学习的热情。
希望这些啰里八嗦的经验能给你一点点帮助。 如果你还有什么具体的问题，或者有什么练习上的困惑，都可以再聊聊。 咱们一起摸索！ 加油！
我最近也在琢磨这个问题，感觉这跟我们对“体积”的理解，以及我们在绘画时捕捉和表达“体积”的技巧上，都有关系。 咱们一起来捋一捋，希望能有点帮助。
首先，我们得弄明白，到底啥叫“体积感”？
在我看来，体积感最核心的就是让二维的平面（你的画布、纸张）上的图像，看起来像是有厚度、有深度、有形状的三维物体。 它不是简单地画个轮廓，而是要让观众能感觉到这个东西是“实体”的，是立在空间里的。
那为什么会画不出体积感呢？常见的原因有几个，咱们一一剖析剖析：
1. 对物体本身的理解不够深入：
只画了“外形”，没画“结构”： 很多时候我们画一个球，就只是画一个圆，然后随便加点高光和阴影。 但一个球的体积感，其实是从它的“面”到“面”的过渡，是光线照射后，面向光源的面亮、背向光源的面暗，中间还有一个受光面到背光面之间平滑的色彩变化。 如果你对物体结构的理解不透彻，比如一个苹果，你只看到它表面的光滑，但它里面是有果肉、果核的，外形也不是完美的球体，它有凹陷，有蒂，这些细节都会影响到它的体积感。
对物体形态的观察不够细致： 我们看到的物体，其实都是光影共同作用的结果。 如果你只盯着“颜色”看，或者只关注“线条”，而忽略了光线是如何抚摸、包裹这个物体的，体积感自然就出不来。
2. 光影处理上的误区：
光影“平”： 这是最常见的问题。 不是简单地分出明暗两块，而是要在“亮部”内部有“亮部的层次”，在“暗部”内部也有“暗部的变化”。 比如一个球，从最亮的高光，到亮部，到灰部，到暗部，再到反光，这是一个渐变的过程。 如果你的明暗关系太跳跃，或者整个暗部都是一个死黑，那怎么会有体积感呢？
高光和阴影“不准确”： 高光的位置、形状、强度，都跟光源有直接关系。 阴影的形状、边缘（是锐利的还是模糊的），也同样如此。 如果高光点错了，或者阴影的形状、边缘跟实际不符，整个体积感都会“塌”。
忽略了“环境色”和“反光”： 很多时候，我们忽略了物体周围的环境对它自身颜色的影响（环境色），以及物体底部接触的地面或者其他物体反射过来的光线（反光）。 反光能让暗部不再是死黑一片，并且能勾勒出物体底部的边缘，这对于表现体积感至关重要。 很多时候，你的暗部太“实”，就是因为少了这些微妙的色彩变化。
3. 构图和透视上的问题：
透视运用不当： 即使你画得再细致，如果物体的透视关系处理错了，它看起来就不会是“正”的，体积感也会受到影响。 比如一个方形盒子，在透视里，它的边线应该是汇聚的，而不是平行的。
画面“挤”： 如果你的物体都贴在画面边缘，或者画面元素之间没有留出适当的空间感，整个画面会显得很“扁”。
4. 绘画工具和技法的局限：
笔触“太硬”或“太散”： 不同的绘画工具和技法，表达体积感的方式也不同。 用铅笔，你需要通过笔触的叠压和软硬变化来表现。 用油画，你可以通过厚涂、薄涂、晕染来表现。 如果你的笔触太粗糙、太跳跃，或者过于均匀、死板，都可能影响体积感的呈现。
好了，知道了原因，咱们就来聊聊怎么“破局”！
我总结了一些自己实践过，或者看别人做得很好的方法，希望能给你点启发：
一、 从“理解”入手，建立对物体结构的认知：
1. 拆解物体： 想象一下，你要画的物体，如果把它分解成最基本的几何形体（球体、立方体、圆柱体、圆锥体）是什么样的？ 即使是复杂如人，我们也可以把它想象成由各种大小不一的几何形体组合而成。 比如头部是球体，鼻子是圆锥体，身体是圆柱体等等。
2. 理解“表面”和“体块”： 别只看到物体表面的细节，要关注它背后是怎么构成的。 试着去想象，如果我把这个物体切开，里面是什么样的？ 它的“骨架”是什么？ 它的“体积”是怎么被“表皮”包裹起来的？
3. 画“结构线”： 在你心里或者在草稿阶段，试着去画出物体内部的结构线，或者沿着物体最基本的“转折”去画线。 就像给物体打个“草稿”，勾勒出它的“骨骼”。
二、 玩转光影，让光线“雕刻”你的物体：
1. 找准光源： 这是最关键的一步。 永远问自己：“光是从哪个方向来的？” 光源的方向决定了高光、亮部、灰部、暗部、投影以及反光的位置和形态。
2. 画“灰部”： 很多新手容易忽略“灰部”的过渡。 灰部是连接亮部和暗部的桥梁，它决定了物体的“圆润度”和“光滑度”。 试着用更细腻的笔触或颜色，去表现从亮部到暗部之间那个微妙的色彩变化。 想象光线是如何“滑过”物体的，那个“滑过”的过程，就是灰部。
3. 画“反光”： 反光是让暗部“活”过来的救星！ 别把暗部画成死黑，观察一下，物体下面是不是有什么东西？ 那个东西反射的光，就会照在物体的暗部，让暗部也带上一点色彩，并且勾勒出物体的边缘。 即使是光滑的桌面，也会有微弱的反光。
4. “切面”练习： 找一些简单的几何体，比如方形、球体、圆柱体，用单一光源去照亮它们。 然后，只画出它们的光影关系，练习如何通过明暗的变化来表现它们是“圆的”、“方的”还是“立体的”。
5. 对比练习： 找两张画，一张画得很有体积感，一张画得比较平。 分析它们在光影处理上的区别。 是高光更亮更突出？ 是暗部有反光？ 是明暗过渡更柔和？
三、 运用透视，让你的物体“站”起来：
1. 找地平线： 无论画什么，都要有一个“地平线”的概念。 你的物体要么在地平线之上，要么在地平线之下，要么正好在地平线上。
2. 消失点： 学习一点透视知识。 明白物体上面的平行线在远处会汇聚到消失点。 这样画出来的物体，才不会显得“扭曲”。
3. 画“底面”： 很多人画立方体，只画了上面和侧面，忽略了底面。 即使物体在你的画面中被遮挡了，在心里也要有它底面的感觉，这样才能让它看起来是“立”在空间里的。
四、 技巧提升，让你的笔触更有“力量”：
1. 用笔的“方向”： 试着让你的笔触顺着物体的“形体”去走。 比如画一个球，你的笔触可以沿着球面的弧度去画。 这样可以更好地引导观众的视线，感受到物体的“圆”。
2. 笔触的“软硬”： 在高光和边缘处，笔触可以细腻、光滑。 在受光面和背光面，笔触可以稍微粗糙、堆叠，来表现材质和光影的厚度。
3. “叠色”和“晕染”： 如果你用的是彩铅、油画或者马克笔，可以尝试用不同颜色和深浅的颜色进行叠压和晕染，来制造更丰富的明暗层次。
4. “擦”和“揉”： 在铅笔画中，适当地用纸巾、棉签或者手指去擦拭、揉和，可以创造出非常细腻的过渡，表现出柔和的光影。
五、 大量参考和临摹，学习大师的“秘密武器”：
1. 找“油画”作品： 油画的表现力非常强，特别是在光影和体积感的处理上。 找一些古典油画或者写实风格的油画作品，仔细观察它们是如何处理高光、暗部、反光，以及如何通过笔触来塑造体积的。
2. 找“速写”作品： 很多大师的速写，虽然简单，但却能抓到物体的本质，表现出很强的体积感。 看看他们是怎么用几根简单的线条就画出物体的“体量”。
3. 有目的地临摹： 不要盲目临摹，而是有目的地去分析和临摹，重点是学习对方是如何表现体积感的。 比如，这次临摹就专门研究光影，下次就研究结构。
最后，给你几个“心理建设”的小建议：
耐心，耐心，再耐心： 画不出体积感不是一天两天就能解决的问题，这是一个循序渐进的过程。 不要因为一两次的失败就气馁。
多练习，多犯错： 只有不断地画，不断地尝试，你才能找到最适合自己的方法。 犯错是学习的必经之路。
从简单的物体开始： 不要一开始就挑战高难度。 从简单的几何体、水果、杯子开始练习，先把最基本的体积感画出来，再慢慢挑战更复杂的物体。
用“加法”思考，而不是“减法”： 很多时候，画不出体积感是因为你“漏掉”了某些东西，比如反光、环境色、细腻的过渡。 试着去“加上”这些元素。
放松心态，享受过程： 画画本身是一件快乐的事情，别让“瓶颈期”变成一种压力。 把它当作一个学习和探索的机会。
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希望这些啰里八嗦的经验能给你一点点帮助。 如果你还有什么具体的问题，或者有什么练习上的困惑，都可以再聊聊。 咱们一起摸索！ 加油！
网友意见
这大概就是跳过了素描的后遗症，
就现在的一些绘画套路和教学者和学习者，总是跳过黑白灰和圆柱方锥的教学理解，，
但是只要是画画就绝对跳不出素描体系，
把你现在干的事情倒回去，从素描开始，至少要从了解什么是黑白灰什么是体积开始。
大佬们讲的比我清楚在此不长篇大论，但大致可以分解亮面暗面和明暗交界线和闭塞和高光，
不要妄想跳过黑白灰关系，不要妄想跳过素描体系，黑白灰是体积感来源的关键。
找你心怡的大佬，至少找到五张你喜欢的想模仿的画，把饱和度降到底，或者新建图层，倒满白色，调整为颜色模式，垫在最上面，
重点观察一下大佬是如何安排黑白灰结构和明暗的，再回来，用你的图对比一下，
接下来就是问题了，你的图的重点就是，对块面这件事理解不够透彻， 以及信息量太少。
对比大佬的画，可以很清楚的看到，你的图，差不多都是灰色的纯色块，鲜少有对块面的刻画和对光影认知。
这个时候又来了 ，时刻记着，——不会画，就要学会找参考!
不会画，就不要硬画，要学会使用参考和学习借鉴(没有让你抄)
(一些新手总会有奇奇怪怪的心理洁癖，觉得找参考就输了找参考图就不是自己的图了什么的，不是的，找参考是为了让你丰富自己脑内的图像素材库，找参考是为了让你明白你到底会画什么，不会画什么，而，不会画，就要去学!!学从何来?就要去模仿!!就要做到去理解这件事是怎么来的!!)
k大b站有个视频，两个小时还是三个小时，名字我忘了应该是叫绘画地图什么什么，里面有一段是专门讲‘如何从照片中提取图形’的csi画法。
虽然你问得是有关体积感不够的问题，但我觉得这个应该对你更有用 。
而，体积感这件事，来源，就来自于素描关系，就来自于轮廓和剪影构成的二分光影。
试着按照k大说的，做一定的图形提取后的明暗光影二分法的练习，效果就会好起来。
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