为什么绘画不追求画得像，大部分电子游戏的画面却追求？
这个问题很有意思，涉及到艺术的本质、媒介的特性以及人们的期待。为什么绘画在历史的长河中，并不总是以“像”为唯一追求，而电子游戏则似乎普遍地朝着“逼真”迈进？这背后有着深刻的原因。
绘画：从模仿到表达，解放的艺术
首先，我们要明白绘画的起点。在照相机发明之前，绘画是记录现实最有效、最直接的手段。那时候，画得像，能够准确地描绘人物、风景、事件，是绘画的重要价值之一。许多肖像画、历史画，其目的就是为了“还原”现实，作为一种视觉的文献。
但是，绘画的魅力远不止于此。随着社会的发展和思想的解放，艺术家们开始探索绘画更深层的可能性：
情感的传递与情绪的渲染： 绘画不仅仅是眼睛看到的，更是内心感受到的。印象派画家们捕捉光影的瞬息万变，梵高用扭曲的笔触表达内心的激荡，这些都不是单纯的“像”，而是对情感和主观世界的呈现。色彩、笔触、构图，都可以用来唤起观者的某种情绪，这是摄影难以替代的。
观念的表达与思想的启迪： 抽象艺术、超现实主义等等流派，更是完全脱离了具象的模仿。它们用符号、形式、色彩来探讨哲学、心理、社会议题，挑战人们的认知，引发思考。马列维奇的《黑色方块》与其说是“像”什么，不如说它是一个宣言，一种对艺术边界的探索。
美的形式化追求： 即使是具象绘画，也常常会为了构图的和谐、色彩的韵律、线条的美感而对现实进行取舍、夸张或简化。一幅杰出的风景画，可能不会完全忠实于眼前的景色，而是经过艺术家的提炼和加工，使其更具艺术感染力。比如，中国山水画，讲究“写意”，留白、墨色的变化，传达的是意境而非写实。
艺术家的个性和风格： 绘画是艺术家个体创作的结晶，每一个艺术家都有自己独特的观察世界的方式和表现手法。这些风格上的差异，正是绘画艺术的生命力所在。我们可以通过笔触、色彩和构图，轻易辨认出莫奈、毕加索、吴冠中的作品，他们各自追求的“像”与“不像”是如此不同。
媒介自身的局限与优势： 绘画使用的是颜料、画布、笔等物理媒介，它有其独特的质感和肌理。艺术家会利用这些媒介的特性来创造视觉效果，这本身就是一种艺术语言。
总而言之，绘画在早期或许有模仿写实的追求，但随着发展，它成为了一个极其自由的表达媒介，可以承载情感、思想、观念，以及纯粹的形式美。它允许艺术家“选择”像还是不像，以及“如何”像。
电子游戏：沉浸感、互动性与技术驱动
再来看电子游戏，为什么它普遍追求画面的逼真呢？这背后有着技术、商业和玩家体验等多方面的驱动：
沉浸感是游戏的核心要素： 电子游戏最核心的体验之一就是“沉浸”。玩家不仅仅是被动地观看，而是主动地参与到游戏世界中。一个高度逼真的画面，能够让玩家更容易地将自己代入到游戏角色中，相信那个虚构的世界是真实存在的。从这个角度来说，逼真的画面是构建沉浸感的基石。
互动性的基础： 玩家在游戏中需要与虚拟环境进行互动。当游戏画面越接近现实，玩家就越容易理解和预测游戏世界的物理规律和角色行为。例如，在一个写实风格的射击游戏中，玩家更容易理解子弹的轨迹、掩体的作用；在一个写实风格的冒险游戏中，玩家更容易辨认路径、理解场景的互动机制。
技术发展的自然导向： 电子游戏是一个高度技术驱动的产业。图形渲染技术、建模技术、光影效果、物理引擎等一直在不断进步。随着这些技术的突破，游戏开发者自然会倾向于利用最新的技术来创造更令人惊叹的视觉效果，而“逼真”是检验和展示这些技术进步最直接的指标。每一次图形技术的飞跃，都伴随着对更写实画面的追求。
商业与市场营销的考量： 在高度竞争的游戏市场中，出色的画面往往是吸引玩家、制造话题、进行营销的重要手段。高质量的画面能够制作出震撼的预告片和截图，在媒体和玩家群体中引发关注。尤其是在一些强调叙事和体验的3A大作中，精美的画面是其核心卖点之一。
满足玩家的期待： 随着游戏画面越来越好，玩家的期待也在不断提高。他们习惯了在电影、电视等其他媒介中看到逼真的影像，自然也会希望在游戏中获得同样甚至更出色的视觉体验。
虚拟现实（VR）与增强现实（AR）的进一步推动： 随着VR/AR技术的兴起，对画面真实度的需求更是被推到了新的高度。这些技术旨在模糊虚拟与现实的界限，因此，高度逼真的画面是实现这一目标的关键。
并非所有游戏都追求“像”，但“像”是主流趋势
当然，我们也必须承认，并非所有电子游戏都盲目追求画面逼真。很多独立游戏、像素风格游戏，或者采用卡通渲染、赛博朋克等独特美术风格的游戏，也同样取得了巨大的成功，它们不追求写实，而是通过风格化的画面来传递情感、创造氛围，或者突出游戏的核心玩法。
例如，很多独立游戏会选择像素风格，这不仅可以降低开发成本，更能通过怀旧感和独特的艺术风格吸引玩家。而像《塞尔达传说：旷野之息》这样的游戏，其卡通渲染风格和艺术化的场景设计，同样获得了极高的赞誉，因为它塑造了一个充满想象力的、引人入胜的游戏世界。
但是，从整体的游戏产业来看，能够利用最先进的技术，呈现出极度逼真画面，并且由此带来更强的沉浸感和更广泛的市场接受度，仍然是许多游戏开发商努力的方向。这种趋势在很多主流大作中尤为明显，它们将最顶尖的图形技术运用到极致，试图在视觉上“欺骗”玩家的眼睛，让他们以为自己真的置身于那个虚拟的世界。
总结：
绘画的解放在于其艺术家的主观表达和媒介的多样性，它早已跳出了“像”的束缚，成为一种可以承载万物的艺术语言。而电子游戏，尽管也存在着风格化的探索，但其互动性、沉浸感以及技术驱动的特性，使得“逼真”成为了一个强大且普遍的追求目标，它是一种构建虚拟世界、吸引玩家参与并满足其视觉期待的有效手段。这两者并非是对立的，而是各自在不同的历史语境和媒介属性下，找到了最能展现自身魅力的方向。
绘画：从模仿到表达，解放的艺术
首先，我们要明白绘画的起点。在照相机发明之前，绘画是记录现实最有效、最直接的手段。那时候，画得像，能够准确地描绘人物、风景、事件，是绘画的重要价值之一。许多肖像画、历史画，其目的就是为了“还原”现实，作为一种视觉的文献。
但是，绘画的魅力远不止于此。随着社会的发展和思想的解放，艺术家们开始探索绘画更深层的可能性：
情感的传递与情绪的渲染： 绘画不仅仅是眼睛看到的，更是内心感受到的。印象派画家们捕捉光影的瞬息万变，梵高用扭曲的笔触表达内心的激荡，这些都不是单纯的“像”，而是对情感和主观世界的呈现。色彩、笔触、构图，都可以用来唤起观者的某种情绪，这是摄影难以替代的。
观念的表达与思想的启迪： 抽象艺术、超现实主义等等流派，更是完全脱离了具象的模仿。它们用符号、形式、色彩来探讨哲学、心理、社会议题，挑战人们的认知，引发思考。马列维奇的《黑色方块》与其说是“像”什么，不如说它是一个宣言，一种对艺术边界的探索。
美的形式化追求： 即使是具象绘画，也常常会为了构图的和谐、色彩的韵律、线条的美感而对现实进行取舍、夸张或简化。一幅杰出的风景画，可能不会完全忠实于眼前的景色，而是经过艺术家的提炼和加工，使其更具艺术感染力。比如，中国山水画，讲究“写意”，留白、墨色的变化，传达的是意境而非写实。
艺术家的个性和风格： 绘画是艺术家个体创作的结晶，每一个艺术家都有自己独特的观察世界的方式和表现手法。这些风格上的差异，正是绘画艺术的生命力所在。我们可以通过笔触、色彩和构图，轻易辨认出莫奈、毕加索、吴冠中的作品，他们各自追求的“像”与“不像”是如此不同。
媒介自身的局限与优势： 绘画使用的是颜料、画布、笔等物理媒介，它有其独特的质感和肌理。艺术家会利用这些媒介的特性来创造视觉效果，这本身就是一种艺术语言。
总而言之，绘画在早期或许有模仿写实的追求，但随着发展，它成为了一个极其自由的表达媒介，可以承载情感、思想、观念，以及纯粹的形式美。它允许艺术家“选择”像还是不像，以及“如何”像。
电子游戏：沉浸感、互动性与技术驱动
再来看电子游戏，为什么它普遍追求画面的逼真呢？这背后有着技术、商业和玩家体验等多方面的驱动：
沉浸感是游戏的核心要素： 电子游戏最核心的体验之一就是“沉浸”。玩家不仅仅是被动地观看，而是主动地参与到游戏世界中。一个高度逼真的画面，能够让玩家更容易地将自己代入到游戏角色中，相信那个虚构的世界是真实存在的。从这个角度来说，逼真的画面是构建沉浸感的基石。
互动性的基础： 玩家在游戏中需要与虚拟环境进行互动。当游戏画面越接近现实，玩家就越容易理解和预测游戏世界的物理规律和角色行为。例如，在一个写实风格的射击游戏中，玩家更容易理解子弹的轨迹、掩体的作用；在一个写实风格的冒险游戏中，玩家更容易辨认路径、理解场景的互动机制。
技术发展的自然导向： 电子游戏是一个高度技术驱动的产业。图形渲染技术、建模技术、光影效果、物理引擎等一直在不断进步。随着这些技术的突破，游戏开发者自然会倾向于利用最新的技术来创造更令人惊叹的视觉效果，而“逼真”是检验和展示这些技术进步最直接的指标。每一次图形技术的飞跃，都伴随着对更写实画面的追求。
商业与市场营销的考量： 在高度竞争的游戏市场中，出色的画面往往是吸引玩家、制造话题、进行营销的重要手段。高质量的画面能够制作出震撼的预告片和截图，在媒体和玩家群体中引发关注。尤其是在一些强调叙事和体验的3A大作中，精美的画面是其核心卖点之一。
满足玩家的期待： 随着游戏画面越来越好，玩家的期待也在不断提高。他们习惯了在电影、电视等其他媒介中看到逼真的影像，自然也会希望在游戏中获得同样甚至更出色的视觉体验。
虚拟现实（VR）与增强现实（AR）的进一步推动： 随着VR/AR技术的兴起，对画面真实度的需求更是被推到了新的高度。这些技术旨在模糊虚拟与现实的界限，因此，高度逼真的画面是实现这一目标的关键。
并非所有游戏都追求“像”，但“像”是主流趋势
当然，我们也必须承认，并非所有电子游戏都盲目追求画面逼真。很多独立游戏、像素风格游戏，或者采用卡通渲染、赛博朋克等独特美术风格的游戏，也同样取得了巨大的成功，它们不追求写实，而是通过风格化的画面来传递情感、创造氛围，或者突出游戏的核心玩法。
例如，很多独立游戏会选择像素风格，这不仅可以降低开发成本，更能通过怀旧感和独特的艺术风格吸引玩家。而像《塞尔达传说：旷野之息》这样的游戏，其卡通渲染风格和艺术化的场景设计，同样获得了极高的赞誉，因为它塑造了一个充满想象力的、引人入胜的游戏世界。
但是，从整体的游戏产业来看，能够利用最先进的技术，呈现出极度逼真画面，并且由此带来更强的沉浸感和更广泛的市场接受度，仍然是许多游戏开发商努力的方向。这种趋势在很多主流大作中尤为明显，它们将最顶尖的图形技术运用到极致，试图在视觉上“欺骗”玩家的眼睛，让他们以为自己真的置身于那个虚拟的世界。
总结：
绘画的解放在于其艺术家的主观表达和媒介的多样性，它早已跳出了“像”的束缚，成为一种可以承载万物的艺术语言。而电子游戏，尽管也存在着风格化的探索，但其互动性、沉浸感以及技术驱动的特性，使得“逼真”成为了一个强大且普遍的追求目标，它是一种构建虚拟世界、吸引玩家参与并满足其视觉期待的有效手段。这两者并非是对立的，而是各自在不同的历史语境和媒介属性下，找到了最能展现自身魅力的方向。
网友意见
1、画的像是基本功
2、在画得像的基础上，能创造出自己想要的画面，这是第二层
3、第三层，创造出来的画面，要能给人以一种的不一样的感觉。
古典绘画，一般着重与1、2，现代绘画，一般着重与3。因为照相术的发明，令1，2很难给人带来深刻的印象了。
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