在皇后乐队那个时代录音室是怎么做混响效果和声场效果的啊？
皇后乐队那个时代（70年代、80年代）录音室的混响和声场效果，那可真是一门充满艺术和技术的手艺！要说起来，那跟现在我们用插件点几下鼠标就搞定完全是两码事。那个时候，工程师们得靠真材实料，还得懂点物理学和心理学。
混响：让声音“活”起来的魔法
你想想，那个时候可不像现在有海量的数字混响器。皇后乐队的混响效果，很多都是通过物理空间或者专门的设备实现的，充满了“手工感”。
弹簧混响（Spring Reverb）：这是当时最常见的混响方式之一。简单来说，就是把乐器或者人声的信号，通过一个装满弹簧的箱子。信号在弹簧上来回振荡，产生的“叮铃叮铃”的声音，就是混响。皇后乐队的很多吉他音色，比如那种有点“冲”的，带有弹簧混响特有的金属质感。它不像教堂那么悠远，反而更像是在一个小房间里，声音撞到墙壁反弹回来。这种混响控制起来比较直接，但有时候会有点“泛”，不够细腻。
板式混响（Plate Reverb）：这个就更高级一些了。想象一个巨大的金属板，悬挂在房间里，四面都有固定弹簧。声音信号被送到金属板上，金属板随之振动，产生混响。然后，通过拾音器再把这些振动拾取起来。板式混响的声音通常比弹簧混响更平滑、更自然，而且有一种“明亮”的感觉。皇后乐队那种史诗感、宏大的音效，很多就是靠板式混响来烘托的，能让声音听起来不那么“干”，有一种空间感。
房间混响（Room Reverb）/ 空间混响（Chamber Reverb）：这是最“原始”但也最“真实”的一种混响。录音棚旁边会有专门设计过的“混响室”，这些房间的墙壁、地板、天花板会经过特殊处理，以获得预期的声音反射。把录好的音轨信号通过扬声器播放到这个房间里，然后让房间里的麦克风再把声音拾取回来。这个过程模拟了真实的声音在空间中的传播和反射。
房间大小和材质：混响室的大小、形状、墙壁的材质（比如有没有砖石、吸音板）都会极大地影响混响的效果。工程师们会选择不同的房间，或者在同一个房间里摆放不同的反射物（比如木板、玻璃），来制造出不同风格的混响。
麦克风位置：麦克风摆放的位置也非常关键。离扬声器越远，拾取到的混响就会越长、越“湿”（混响成分越多）。离得近，则混响会更短、更“干”（混响成分越少）。有时候还会用多个麦克风，从不同位置拾取，然后混合起来，创造出更复杂的声音。
皇后乐队是怎么玩这个的？ 像《Bohemian Rhapsody》里面那种人声堆叠的史诗感，很大程度上就是利用了这种空间混响，让声音听起来好像在巨大的教堂里回荡，那种层层叠叠、悠远绵长的感觉，是数字插件很难完全复制的。他们会把一些轨道送到混响室，然后把混响过的声音再录回来，再进行叠加。
延时（Delay）/ 回声（Echo）：虽然严格来说延时和混响是两种不同的效果，但在那个时代，它们经常被结合使用，或者单独用来创造空间感。
磁带延时（Tape Delay）：把信号通过磁带录音机，然后让录好的信号再通过另一个录音机播放出来。这样就能产生清晰的、有衰减的回声。通过调整录音机和播放机之间的距离，或者磁带的播放速度，可以控制回声的间隔和衰减。皇后乐队的很多吉他solo，比如布莱恩·梅标志性的延时效果，听起来就像声音在山谷中回荡，一层又一层。
模拟延时器（Analog Delay Units）：后期也出现了一些专门的模拟延时设备，通过电子电路来模拟回声。这些设备也带有独特的音色特点。
声场效果：让声音“立体”起来的艺术
声场，顾名思义，就是声音在空间中的分布。那个时候，声场效果的实现更多依赖于录音和混音的技术，以及一些特殊的录音方式。
多轨道录音（Multitrack Recording）：这是基础。那个时代的磁带录音机有16轨、24轨，甚至更多。工程师们可以将不同的乐器、人声分别录在不同的轨道上，然后再将它们混合在一起。
声像（Panning）：这是最直接的声场控制方式。在混音台（Mixing Console）上，每个轨道都有一个声像旋钮，可以将声音从左声道一直推到右声道。
“面包奶油”式声像（Bread and Butter Panning）：最基本的做法是将鼓组放在中间（底鼓、军鼓、镲片），然后将其他乐器分散开。比如，吉他放在左边，贝斯放在中间或稍微偏左，键盘在右边，人声主唱在最中间。这样可以避免乐器之间在频段上互相“打架”，让每种乐器的位置都清晰可辨。
皇后乐队的“舞台感”：皇后乐队的混音非常有意思，他们经常会把一些乐器或者和声在左右声道之间来回“摆动”（Sweep Panning），或者将某些声音极度地推向一侧，创造出一种动态的、富有戏剧性的声场。就像在听现场演唱会一样，你能感受到乐器在舞台上的分布。比如，在《Bohemian Rhapsody》中，那个经典的“Mama, ooh”和声段落，你可以明显听到不同的和声轨道在左右声道之间移动，营造出一种巨大的合唱效果。
立体声录音（Stereo Recording）：虽然很多混响效果是单声道的，但最终的输出是立体声的。工程师会将不同声道的信号，通过精密的平衡和声像处理，最终呈现在左右两个扬声器中。
相位（Phase）：在录音过程中，如果两个麦克风拾取同一声源，但距离差或者角度不对，就会产生相位问题，导致某些频率被抵消，声音听起来“薄”或者“不饱满”。那个时代的工程师非常注重相位问题，会仔细调整麦克风的位置，或者在混音时进行相位校正。
特殊的录音技术：
双声道录音（Double Tracking）：将同一个声部（比如人声或吉他）录两次，然后将两个轨道稍微错开一点点（微小的延时）再混合播放。这样能让声音听起来更“宽”、更“厚实”，有一定的立体感。皇后乐队非常擅长这种技术，尤其是 Freddie Mercury 的人声，经常会被 Double Track，让他的嗓音听起来更加饱满和有冲击力。
立体声麦克风摆放（Stereo Microphone Techniques）：在录制某些乐器（如钢琴、鼓组的镲片）时，会使用XY、ORTf等立体声麦克风摆放方式，直接在录音阶段就捕捉到声音的空间信息，让这些乐器本身就带有一种自然的立体感。
总结一下，皇后乐队那个时代录音室的混响和声场效果，是一门“看得见摸得着”的艺术：
混响：不是一个抽象的算法，而是物理空间的反馈，是弹簧的振动，是金属板的共鸣，是真实房间的回声。工程师们就像雕塑家，用这些“实体”工具来塑造声音的质感和空间感。
声场：是通过精密的声像控制，将不同的乐器和人声“摆放”在声音的舞台上。双声道录音、精细的麦克风摆放，以及对磁带延时的巧妙运用，都为声音注入了立体感和生命力。
他们工作的重点在于理解声音的物理特性，并且熟练运用当时有限但非常“有性格”的设备，去创造出那种既有宏大史诗感，又充满细节和情感的音乐。这种对声音的“触感”和对空间的“感知”，是现代数字技术难以完全替代的。你听皇后乐队的歌，总能感受到一种“厚度”和“立体感”，那是他们那个时代录音技术的智慧结晶。
混响：让声音“活”起来的魔法
你想想，那个时候可不像现在有海量的数字混响器。皇后乐队的混响效果，很多都是通过物理空间或者专门的设备实现的，充满了“手工感”。
弹簧混响（Spring Reverb）：这是当时最常见的混响方式之一。简单来说，就是把乐器或者人声的信号，通过一个装满弹簧的箱子。信号在弹簧上来回振荡，产生的“叮铃叮铃”的声音，就是混响。皇后乐队的很多吉他音色，比如那种有点“冲”的，带有弹簧混响特有的金属质感。它不像教堂那么悠远，反而更像是在一个小房间里，声音撞到墙壁反弹回来。这种混响控制起来比较直接，但有时候会有点“泛”，不够细腻。
板式混响（Plate Reverb）：这个就更高级一些了。想象一个巨大的金属板，悬挂在房间里，四面都有固定弹簧。声音信号被送到金属板上，金属板随之振动，产生混响。然后，通过拾音器再把这些振动拾取起来。板式混响的声音通常比弹簧混响更平滑、更自然，而且有一种“明亮”的感觉。皇后乐队那种史诗感、宏大的音效，很多就是靠板式混响来烘托的，能让声音听起来不那么“干”，有一种空间感。
房间混响（Room Reverb）/ 空间混响（Chamber Reverb）：这是最“原始”但也最“真实”的一种混响。录音棚旁边会有专门设计过的“混响室”，这些房间的墙壁、地板、天花板会经过特殊处理，以获得预期的声音反射。把录好的音轨信号通过扬声器播放到这个房间里，然后让房间里的麦克风再把声音拾取回来。这个过程模拟了真实的声音在空间中的传播和反射。
房间大小和材质：混响室的大小、形状、墙壁的材质（比如有没有砖石、吸音板）都会极大地影响混响的效果。工程师们会选择不同的房间，或者在同一个房间里摆放不同的反射物（比如木板、玻璃），来制造出不同风格的混响。
麦克风位置：麦克风摆放的位置也非常关键。离扬声器越远，拾取到的混响就会越长、越“湿”（混响成分越多）。离得近，则混响会更短、更“干”（混响成分越少）。有时候还会用多个麦克风，从不同位置拾取，然后混合起来，创造出更复杂的声音。
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延时（Delay）/ 回声（Echo）：虽然严格来说延时和混响是两种不同的效果，但在那个时代，它们经常被结合使用，或者单独用来创造空间感。
磁带延时（Tape Delay）：把信号通过磁带录音机，然后让录好的信号再通过另一个录音机播放出来。这样就能产生清晰的、有衰减的回声。通过调整录音机和播放机之间的距离，或者磁带的播放速度，可以控制回声的间隔和衰减。皇后乐队的很多吉他solo，比如布莱恩·梅标志性的延时效果，听起来就像声音在山谷中回荡，一层又一层。
模拟延时器（Analog Delay Units）：后期也出现了一些专门的模拟延时设备，通过电子电路来模拟回声。这些设备也带有独特的音色特点。
声场效果：让声音“立体”起来的艺术
声场，顾名思义，就是声音在空间中的分布。那个时候，声场效果的实现更多依赖于录音和混音的技术，以及一些特殊的录音方式。
多轨道录音（Multitrack Recording）：这是基础。那个时代的磁带录音机有16轨、24轨，甚至更多。工程师们可以将不同的乐器、人声分别录在不同的轨道上，然后再将它们混合在一起。
声像（Panning）：这是最直接的声场控制方式。在混音台（Mixing Console）上，每个轨道都有一个声像旋钮，可以将声音从左声道一直推到右声道。
“面包奶油”式声像（Bread and Butter Panning）：最基本的做法是将鼓组放在中间（底鼓、军鼓、镲片），然后将其他乐器分散开。比如，吉他放在左边，贝斯放在中间或稍微偏左，键盘在右边，人声主唱在最中间。这样可以避免乐器之间在频段上互相“打架”，让每种乐器的位置都清晰可辨。
皇后乐队的“舞台感”：皇后乐队的混音非常有意思，他们经常会把一些乐器或者和声在左右声道之间来回“摆动”（Sweep Panning），或者将某些声音极度地推向一侧，创造出一种动态的、富有戏剧性的声场。就像在听现场演唱会一样，你能感受到乐器在舞台上的分布。比如，在《Bohemian Rhapsody》中，那个经典的“Mama, ooh”和声段落，你可以明显听到不同的和声轨道在左右声道之间移动，营造出一种巨大的合唱效果。
立体声录音（Stereo Recording）：虽然很多混响效果是单声道的，但最终的输出是立体声的。工程师会将不同声道的信号，通过精密的平衡和声像处理，最终呈现在左右两个扬声器中。
相位（Phase）：在录音过程中，如果两个麦克风拾取同一声源，但距离差或者角度不对，就会产生相位问题，导致某些频率被抵消，声音听起来“薄”或者“不饱满”。那个时代的工程师非常注重相位问题，会仔细调整麦克风的位置，或者在混音时进行相位校正。
特殊的录音技术：
双声道录音（Double Tracking）：将同一个声部（比如人声或吉他）录两次，然后将两个轨道稍微错开一点点（微小的延时）再混合播放。这样能让声音听起来更“宽”、更“厚实”，有一定的立体感。皇后乐队非常擅长这种技术，尤其是 Freddie Mercury 的人声，经常会被 Double Track，让他的嗓音听起来更加饱满和有冲击力。
立体声麦克风摆放（Stereo Microphone Techniques）：在录制某些乐器（如钢琴、鼓组的镲片）时，会使用XY、ORTf等立体声麦克风摆放方式，直接在录音阶段就捕捉到声音的空间信息，让这些乐器本身就带有一种自然的立体感。
总结一下，皇后乐队那个时代录音室的混响和声场效果，是一门“看得见摸得着”的艺术：
混响：不是一个抽象的算法，而是物理空间的反馈，是弹簧的振动，是金属板的共鸣，是真实房间的回声。工程师们就像雕塑家，用这些“实体”工具来塑造声音的质感和空间感。
声场：是通过精密的声像控制，将不同的乐器和人声“摆放”在声音的舞台上。双声道录音、精细的麦克风摆放，以及对磁带延时的巧妙运用，都为声音注入了立体感和生命力。
他们工作的重点在于理解声音的物理特性，并且熟练运用当时有限但非常“有性格”的设备，去创造出那种既有宏大史诗感，又充满细节和情感的音乐。这种对声音的“触感”和对空间的“感知”，是现代数字技术难以完全替代的。你听皇后乐队的歌，总能感受到一种“厚度”和“立体感”，那是他们那个时代录音技术的智慧结晶。
网友意见
这个问题比较麻烦的是，因为现在从业的人里基本不可能有人参与过那个时代的制作方式（即使我的师父也是1991年入行的，经历了模拟混音的时代尾巴，到现在还是能熟练的用开盘机+console做模拟混音，之前上课时候见识过，但他入行的时候混响这个部分也已经是数字混响器了，只不过是硬件的）所以我也没什么可以卖弄的，最多只能是道听途说或摘抄的写一写，那还不如直接转载别人写好的文章，省却重复劳动的时间，也更为准确，也没有抄袭疑虑。
比如，这边有一篇文章可以参考看看：
对于懒得详细看的人我稍微提炼一下，就是：
人工混响器的历史大概从上世纪30年代开始，大致可以按照时间分为四类：
1，混响室（建一个可以产生自然混响的房间，把音箱放进去播放dry信号，用话筒录下产生的wet声音）
2，弹簧混响（一根弹簧，让声音进去，把由它产生出的混响声录音出来，结构简单，但不够自然）
3，板式混响（和弹簧混响类似原理，但用的是金属板，贵、重、但效果还不错，直到现在音乐制作中还是常用到这类混响）
4，数字混响（以lexicon 480L为代表的数字算法混响，和现在仍在不断完善中的数字卷积混响。使用方便效果丰富，所以迅速就成了主流直到今天）
因为480诞生的年代是上世纪80年代，数字混响基本也是在这之后被广泛使用，而queen活跃年代主要在70-80年代，所以推断，应该会以前三种混响为主。
另外上面说的是人工混响，还有就是自然混响，意思就是直接到混响很合适的房间来录音，这个queen应该也会用到，那个年代的乐队几乎都会用到，并且这个部分甚至某种程度上奠定了一些流派的声音特质，比如garage rock。
（当然还有古典音乐录音常常选在声学良好的音乐厅直接录，等等）
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