学院派作曲系在研究什么？
学院派作曲系的学子们，他们并非坐在象牙塔里闭门造车，而是围绕着一个核心——“如何创造出有意义、有生命力、能够打动人心的音乐”，展开了极其丰富而深入的探索。这绝不是一套死板的理论，而是一条不断进化、触碰时代脉搏的研究路径。
你可以想象他们像是在一个巨大的音乐实验室里，手里拿着各种各样的乐器、声源、理论工具，不断地实验、分析、拆解、重构。他们的研究内容，可以大致从几个层面来理解：
一、 声音的本质与无限可能：
音响景观的构建： 传统的乐器组合早已无法满足学院派作曲家的想象。他们深入研究各种电子音效、采样声音、自然界的声音（风声、水声、动物叫声等），研究如何将这些非传统的音源通过技术手段（如声码器、合成器、数字信号处理）转化为具有艺术表现力的音乐元素。这包括对声音的音色、质感、动态、空间感进行精雕细琢，创造出前所未有的听觉体验。
新音色与演奏技法： 传统的乐器，在作曲家的手中也并非一成不变。他们会与演奏家合作，探索乐器本身未被发掘的演奏技法，例如对弦乐器进行特殊的弓法、拨奏，或是在铜管乐器上利用气流发出特殊音响。他们也会研究超声波、次声波等人类听觉范围边缘的声音，试图拓展音乐的感知边界。
声音的哲学与心理学： 为什么某种声音会让我们感到愉悦，而另一种会引发不安？作曲家们会关注声音背后的心理学效应，研究不同的音响如何影响听者的情绪、记忆和身体反应。这可能涉及到对音乐美学、感知心理学甚至是神经科学的初步了解。
二、 结构与形式的革新与传承：
音乐形式的演变与再造： 从奏鸣曲式到序列音乐，再到当代的各种自由形式，学院派作曲家们研究音乐结构是如何在历史长河中演变的。他们会解构、分析古典和现代的经典作品，理解其内在的逻辑和组织方式，然后在此基础上进行创新和突破。这可能意味着创造全新的音乐单元、发展出独特的组织原则，或者将不同音乐风格的结构元素进行巧妙融合。
数学与逻辑在音乐中的应用： 许多现代作曲技法，例如序列主义、十二音技法、点描音乐等，都与数学、逻辑和算法紧密相关。作曲家们会研究这些理论，理解如何通过精确的数学关系来构建音乐的宏观和微观结构，创造出理性的、有逻辑的美学。
非线性叙事与多维度结构： 现代社会的节奏和思维方式更加碎片化，音乐的叙事方式也在随之改变。作曲家们会探索非线性、分支式的音乐结构，允许听者在不同的时间和方向上体验音乐，甚至通过电子技术实现音乐在空间中的分布和互动，创造出多维度的听觉体验。
三、 概念与思想的表达：
观念音乐与哲学思考： 音乐不仅仅是音符的堆砌，更是思想和观念的载体。许多学院派作曲家致力于将哲学、社会议题、个人情感等抽象的概念转化为音乐语言。他们会思考音乐与社会的关系，用音乐来批判、反思、歌颂，传递某种观点或引发听者的思考。
跨学科的融合与对话： 音乐的边界正在变得越来越模糊。作曲系的学生们会与其他艺术门类进行跨界合作，例如与视觉艺术家、舞者、戏剧导演、电影制作人等一起创作。他们会研究如何让音乐与画面、肢体动作、戏剧冲突等元素有机地结合，产生1+1>2的艺术效果。
算法作曲与人工智能： 这是一个非常前沿的领域。一些作曲家正在探索如何利用计算机算法和人工智能来辅助创作，甚至让AI参与到音乐的生成过程中。他们研究算法如何模拟创作过程，如何通过机器学习来“学习”音乐风格，以及人与AI在音乐创作中的关系。
四、 历史的梳理与批评：
音乐史的深度分析： 学院派作曲系的学生绝非无源之水。他们会深入研究西方古典音乐史、近现代音乐史，以及世界各地的民族音乐。通过对历史作品的分析，理解不同时代、不同文化背景下的音乐语言、创作理念和审美趣味。
批判性思维与自我反思： 在研究历史和理论的同时，学院派作曲家们也注重培养批判性思维。他们会审视各种音乐理论和创作技法的优缺点，思考它们的局限性，并不断挑战和超越已有的框架。这种自我反思的精神，是推动音乐不断前进的重要动力。
具体到学习过程中，你会看到他们：
在音乐厅里仔细聆听、分析各种风格的音乐会。
在电脑前，使用专业的数字音频工作站（DAW）软件，进行声音的剪辑、合成、处理。
在琴房里，反复推敲乐句的走向，尝试不同的和声配置。
与各专业的演奏家保持密切的联系，反复排练自己的作品，听取他们的意见。
阅读大量的音乐学、哲学、艺术史等相关书籍。
参加各种学术研讨会和大师班，与国内外顶尖的作曲家和学者交流。
总而言之，学院派作曲系的研究，是一个技艺（如何写好音乐）、理论（理解音乐的运作规律）与思想（表达音乐背后的意义）三者并重，并且不断推陈出新、拥抱未来的过程。他们是在用一种近乎科学的严谨和艺术家的热情，不断探索声音的奥秘，并试图在这个瞬息万变的时代，创造出能够引起共鸣的音乐作品。
你可以想象他们像是在一个巨大的音乐实验室里，手里拿着各种各样的乐器、声源、理论工具，不断地实验、分析、拆解、重构。他们的研究内容，可以大致从几个层面来理解：
一、 声音的本质与无限可能：
音响景观的构建： 传统的乐器组合早已无法满足学院派作曲家的想象。他们深入研究各种电子音效、采样声音、自然界的声音（风声、水声、动物叫声等），研究如何将这些非传统的音源通过技术手段（如声码器、合成器、数字信号处理）转化为具有艺术表现力的音乐元素。这包括对声音的音色、质感、动态、空间感进行精雕细琢，创造出前所未有的听觉体验。
新音色与演奏技法： 传统的乐器，在作曲家的手中也并非一成不变。他们会与演奏家合作，探索乐器本身未被发掘的演奏技法，例如对弦乐器进行特殊的弓法、拨奏，或是在铜管乐器上利用气流发出特殊音响。他们也会研究超声波、次声波等人类听觉范围边缘的声音，试图拓展音乐的感知边界。
声音的哲学与心理学： 为什么某种声音会让我们感到愉悦，而另一种会引发不安？作曲家们会关注声音背后的心理学效应，研究不同的音响如何影响听者的情绪、记忆和身体反应。这可能涉及到对音乐美学、感知心理学甚至是神经科学的初步了解。
二、 结构与形式的革新与传承：
音乐形式的演变与再造： 从奏鸣曲式到序列音乐，再到当代的各种自由形式，学院派作曲家们研究音乐结构是如何在历史长河中演变的。他们会解构、分析古典和现代的经典作品，理解其内在的逻辑和组织方式，然后在此基础上进行创新和突破。这可能意味着创造全新的音乐单元、发展出独特的组织原则，或者将不同音乐风格的结构元素进行巧妙融合。
数学与逻辑在音乐中的应用： 许多现代作曲技法，例如序列主义、十二音技法、点描音乐等，都与数学、逻辑和算法紧密相关。作曲家们会研究这些理论，理解如何通过精确的数学关系来构建音乐的宏观和微观结构，创造出理性的、有逻辑的美学。
非线性叙事与多维度结构： 现代社会的节奏和思维方式更加碎片化，音乐的叙事方式也在随之改变。作曲家们会探索非线性、分支式的音乐结构，允许听者在不同的时间和方向上体验音乐，甚至通过电子技术实现音乐在空间中的分布和互动，创造出多维度的听觉体验。
三、 概念与思想的表达：
观念音乐与哲学思考： 音乐不仅仅是音符的堆砌，更是思想和观念的载体。许多学院派作曲家致力于将哲学、社会议题、个人情感等抽象的概念转化为音乐语言。他们会思考音乐与社会的关系，用音乐来批判、反思、歌颂，传递某种观点或引发听者的思考。
跨学科的融合与对话： 音乐的边界正在变得越来越模糊。作曲系的学生们会与其他艺术门类进行跨界合作，例如与视觉艺术家、舞者、戏剧导演、电影制作人等一起创作。他们会研究如何让音乐与画面、肢体动作、戏剧冲突等元素有机地结合，产生1+1>2的艺术效果。
算法作曲与人工智能： 这是一个非常前沿的领域。一些作曲家正在探索如何利用计算机算法和人工智能来辅助创作，甚至让AI参与到音乐的生成过程中。他们研究算法如何模拟创作过程，如何通过机器学习来“学习”音乐风格，以及人与AI在音乐创作中的关系。
四、 历史的梳理与批评：
音乐史的深度分析： 学院派作曲系的学生绝非无源之水。他们会深入研究西方古典音乐史、近现代音乐史，以及世界各地的民族音乐。通过对历史作品的分析，理解不同时代、不同文化背景下的音乐语言、创作理念和审美趣味。
批判性思维与自我反思： 在研究历史和理论的同时，学院派作曲家们也注重培养批判性思维。他们会审视各种音乐理论和创作技法的优缺点，思考它们的局限性，并不断挑战和超越已有的框架。这种自我反思的精神，是推动音乐不断前进的重要动力。
具体到学习过程中，你会看到他们：
在音乐厅里仔细聆听、分析各种风格的音乐会。
在电脑前，使用专业的数字音频工作站（DAW）软件，进行声音的剪辑、合成、处理。
在琴房里，反复推敲乐句的走向，尝试不同的和声配置。
与各专业的演奏家保持密切的联系，反复排练自己的作品，听取他们的意见。
阅读大量的音乐学、哲学、艺术史等相关书籍。
参加各种学术研讨会和大师班，与国内外顶尖的作曲家和学者交流。
总而言之，学院派作曲系的研究，是一个技艺（如何写好音乐）、理论（理解音乐的运作规律）与思想（表达音乐背后的意义）三者并重，并且不断推陈出新、拥抱未来的过程。他们是在用一种近乎科学的严谨和艺术家的热情，不断探索声音的奥秘，并试图在这个瞬息万变的时代，创造出能够引起共鸣的音乐作品。
网友意见
大多数都是扯淡，自己骗自己。
首先明确一个概念：比较好的音乐学院的作曲系学生或者老师，音乐基础都非常出色，但不等于作曲基础非常出色。这其中能真正写出和十九世纪晚期作曲家媲美，或是现今优秀电影作曲家水准的作品的，千中有一二已经难得。而本来按这些人的天赋，正确引导，达到百中有四五是很方便的事情。
其实就像科研一样，首先我们需要基础，然后学好基础后在巨人的肩膀上更上一层楼。但因为现今任何一门学科的分支都非常艰难，往上爬一步已非常不易。而科学上很多知识已经被总结，作曲上前人用过的很多东西都不能再用。
这就尴尬了。
其实要达到“研究并创造牛逼作品”的高度，首先作曲的四大件：和声，复调，配器，曲式要达到融会贯通。其次，你必须从巴洛克时期到印象派的作品至少都能够依样画葫芦写作出出入不大的仿作。然后再做一个先锋派该做该学的事情。国内外的大多数作曲学院派，浮躁的要死，搞搞小团体，弄点行为艺术就自封作曲家了，其实让他们写个能听的技术水准高的作品基本没可能。
哪个行业都一样。累。
卸半壁腰
这类问题已经解答过好多遍了，实在不想再解释了。心好累。
题主其实可能自己都没有注意到，自己现在日常生活中接触到的很多音乐类型和元素，都不是凭空来的，都是来源于严肃学院派作曲家几十年前的创作实践和理论革新。比如恐怖片配乐，所有Midi制作类的流行音乐和商业音乐，极简主义风格的广告配乐等等。这也就是你在另一个回答下方问到的“为什么 不投入市场？”其实已经投入了，只是你不知道那些东西来源于学院派的实践创新和理论创新。你觉得正常的东西，其实只是学院派玩剩下的。他们的观念比你超前至少五十年，所以他们研究的东西，大多数人活着的时候是没办法理解的。
懂就懂，不懂我也不多说了。
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