如何评价许嵩在《我的音乐你听吗》中的表现?
作为“导师”，他带着“许嵩式”的诚恳和审慎
首先，不得不提的是许嵩在节目中的“导师”角色。不同于一些过于强调点评技巧或个人风格的导师，许嵩的点评总是带着一种久违的、真诚的耐心。他不会轻易用华丽的词藻去赞美，也不会因为选手技巧上的瑕疵而全盘否定。相反，他更关注的是音乐的“内核”——创作者的情感表达、故事的讲述方式、旋律的流畅度和歌词的触动人心之处。
他的点评往往细致入微，比如他会对某句歌词的意象进行解读，会分析某个和弦进行为何能带来特定的情绪，甚至会点出选手在演唱中某个微小的颤音所传达的微妙情感。这种深入骨髓的解读，展现了他作为一个资深音乐人的专业素养，更体现了他对待音乐的尊重和严谨。他像一位经验丰富的匠人，不只是欣赏成品，更懂得其中打磨的痕迹。
更重要的是，许嵩的点评很少流露出“说教”的意味。他更像是在分享自己的理解，提供另一种看待音乐的角度。他会引用自己的创作经历，或者一些经典的音乐作品作为佐证，让选手在接受建议的同时，也能感受到音乐的广阔与多样。这种“以身作则”式的教导，更容易被年轻一代的音乐人所接受，也让观众在听他点评时，如同聆听一位资深朋友的倾心分享。
作为“观察者”，他看到了当下音乐的“众生相”
《我的音乐你听吗》汇聚了大量拥有创作才华的年轻音乐人，他们风格各异，表达方式也千差万别。许嵩在节目中的表现，让他有机会近距离地观察这些“新生代”的音乐。他看到了他们身上那种不受束缚的创造力，看到了他们对于音乐的热爱和执着。
同时，他也敏锐地捕捉到当下音乐创作中的一些趋势和困境。比如，他对一些过于追求“网感”或“流行元素”的歌曲，在表达上会显得有些保留。他更倾向于那些能够沉淀下来，能够讲好一个故事，能够引发深层思考的作品。这并非是对创新的排斥，而是他对音乐“生命力”的坚持。他似乎在提醒年轻一代，在追逐潮流的同时，也要坚守音乐本身能够打动人心的力量。
在节目中，他不止一次地提到“初心”和“表达”。他理解年轻人的探索欲，但也希望他们能在表达自我的同时，思考音乐能够带来的更深层次的连接。他的观察，是对当下音乐生态的一种“画像”，一个既有希望，也需引导的丰富图景。
作为“音乐人”，他用行动诠释着“不被定义”
许嵩在节目中，并没有刻意去模仿“导师”的某个范本，他始终保持着自己独特的“许嵩风格”。这种风格，并非僵化的标签，而是一种在他多年创作中逐渐形成的，融合了民谣的细腻、摇滚的力度、电子的实验感以及中国风的韵味。
他在节目中，偶尔也会即兴创作，或者对选手作品进行改编。这些时刻，是他音乐生命力的直接展现。你会发现，即使是在快节奏的节目制作下，他依然能保持创作的敏锐度，依然能用自己的音乐语言，对他人作品进行二次创作，并赋予新的生命。
更值得一提的是，许嵩在节目中展现出的“不被定义”的态度。他没有被贴上“古风歌手”或“网络歌手”的标签所束缚。他用自己的音乐不断突破，用自己的思考不断拓展。在《我的音乐你听吗》中，他展现的这种“在变化中不变”，以及“在不变中求变”的智慧，是他作为一名资深音乐人最宝贵的财富。他没有停留在过去的辉煌，也没有被当下的浮躁所裹挟，而是扎实地走在自己的音乐道路上。
总结：一位有“温度”的聆听者，一位有“深度”的思考者
总而言之，许嵩在《我的音乐你听吗》中的表现，是一次成功而有意义的展现。他不是那种高高在上的评价者，而是一位充满诚意的聆听者，一位深邃的思考者。他用自己的专业、真诚和独特的音乐理念，为节目带来了不同的色彩。
他让观众看到了一个成熟音乐人的姿态——懂得欣赏，懂得引导，更懂得如何在这个瞬息万变的音乐世界里，保持自己的清醒和坚持。他不仅仅是在听音乐，更是在“听”音乐背后的人，听他们的故事，听他们的梦想，听他们在这个时代的回响。而他的声音，也在这场“音乐倾听”中，变得更加丰富和动人。
网友意见
天天一帮松鼠玩儿自我胜利法，拼了命的上网到处寻找许嵩说的话是有道理的证据。每天我会收到很多@，告诉我许嵩评价音乐风格的是对的。
有时候不懂胡逼一张嘴，真懂写答案跑断腿。
所以我建议，许嵩不懂可以不评论，少说话。
为了不让一个问题下的回答都是粉丝吹自己爱豆牛逼，我说一点干货，以下内容是告诉许嵩歌迷音乐应该怎么听。
（一）我们为什么要判断一首歌的风格
判断一首歌的风格对于听音乐来说不是那么必要的事情。你觉得一首歌好听，你不用管他是古典或者金属，你只管他好听就行了，音乐风格的用处归根结底是聊音乐的时候用的。比如我说我今天带你去个音乐会，你问我什么音乐会，我说是个古典，或者是个爵士，或者是摇滚，你马上就会有一个心理预期你可能听到的东西是什么，这就是风格最基本的用处。
我们可以把这个场景细化，比如你要去Live House看演出，你一定会考虑风格。因为不是什么在Live House里面演出的乐队你都受得了。比如你想看的是
然后你一进去，结果是一个
所以，作为一个听音乐的人而言，你听的音乐越多，越需要了解风格。这种需要在唱片还需要花钱的时代尤其。因为你的钱是有限的，你需要买唱片的话你一定有一个预期是买到的唱片是自己喜欢的，能接受的。所以在专业的唱片店的货架上，一定是按照风格划分的，风格划分的越细，一般来说唱片店就越专业。
我们举个栗子，这是水果店的一个唱片货架。我们可以清楚看到这里放着的板子上写着，这个区域是Funk/Soul，为什么不把Funk和古典放在一起而和Soul放在一起，这说明他们从音乐风格上有着一定的相似性，一是做Funk的人可能也做Soul，二是喜欢买Funk的人也会买Soul。
在听音乐的时候需要风格的心理预期，同样在做音乐的时候也需要。往谁都看得见的地方说，这涉及到最后乐器的选择，往看不见的地方说，这关系到音乐的不同创作和制作思路。
你做一个流行音乐不能找一个重金属的制作人这个可以理解。即便是做一种风格，我们都需要进一步的了解在这种风格下的“小风格”，比如你要做摇滚的时候，你会去想我是做The Beatles一样风格的，还是做花儿乐队一样风格的，他们有着本质上的区别。
在风格之下，哪怕是一些可感不可言的特点，这是音乐制作工作的一部分。
就拿纯粹的流行音乐来说，曾轶可那可以说是非常典型的流行音乐了。我作为曾轶可专辑的监制，第一件事要和曾轶可商量，我们可以选的制作人是谁，那么这就需要对曾轶可自己的风格和潜在制作人所熟悉的风格做一个判断，因为制作音乐是一个技术问题，不可能一个制作人熟悉所有的风格。比如我不可能去找一个熟悉重金属的制作人去负责曾轶可专辑的制作。即使是在流行音乐制作人里去选择，我也可以去挑，比如说我并没有选择做电子音乐比较多的制作人。因为对于曾轶可的歌的翻唱来说，电子化不是一个很好的选择，除此之外，我还要去思考，在音乐的制作思路里，这个制作人的倾向是什么。
我们举一个非常典型的例子，就拿许嵩说，许嵩的音乐，是不具备强技术性的（这句话不是贬义，很多流行歌手都不具备强技术性，曾轶可也不具备）。那么强技术性的流行音乐是什么样的。举你们都听得懂的一个例子《我要我们在一起》，下面这个版本是李泉自己自弹自唱的版本。可以专注听一下钢琴的演奏。
再听范晓萱的编曲版本。
可以明显地听出来，这两个版本在演奏难度上是不一样的。李泉的钢琴演奏显然更难。如果你听李泉音乐多的话，你就会知道，李泉是一个有着明显乐器演奏倾向的音乐人。他不是一个像许嵩一样在电脑上做音乐起步的。他有非常扎实的乐器功底，这也就意味着他在做音乐的时候对乐器的表现力有着更好的要求。
在流行音乐一种风格里，都有着不同的倾向，更何况是不同的风格。所以归根结底，你可以把风格理解成听音乐的人，做音乐的人交流音乐的人为了更高的效率对音乐进行的一种分类。
（二）深刻理解一种风格有什么用
我们用爵士乐举例子。
Big Band Swing
Modal Jazz
Funk Jazz
Free Jazz
这四个都是爵士乐，他们处于不同时期的不同风格。他们在乐队配置和创作思路上都有着巨大的区别。我不管你了解不了解爵士乐，大概率你可能不了解，但是你都自己可以试试用你的语言怎么去描述这几种不同的风格。
我们举个例子，最后一首Sun Ra的这首《Space Is The Place》是一首不太一样的爵士乐，我们对于这样的爵士乐有一个比较小的风格分类叫做Space Age，不仅仅是因为Sun Ra在这样的音乐风格里讨论宇宙到底是什么。
比如David Bowie
这首著名的《Space Oddity》，这个风格就是Space Rock，你听他的配器很简单，吉他贝斯鼓，典型的摇滚乐配置，歌曲也是摇滚乐的结构。所以他就可以被叫做Space Rock。但是对于我们听到的Sun Ra的那首歌，他的音乐编配很复杂，显然不像摇滚乐这么简单，那就不能被称之为摇滚。相比像Pink Floyd，King Crimson那种严肃的音乐，Sun Ra的乐队又是一帮黑哥们儿在哪儿作妖，显然，也没那么严肃。所以你叫他艺术摇滚也不合适。
说到严肃，如果你只用Free Jazz去形容他的话，他同样不够严肃，因为这首歌也不是在纯粹追求音乐上的东西，我们再举个例子。什么是Free Jazz里面纯粹的音乐追求。
这张专辑叫《A Love Supreme》，至高无上的爱。你可以听一开始的这个Bass，你把a Love Supreme这三个单词读出声来。你再听听这个Bass，你就知道，这首歌的所有Sax的演奏，建立在这三个单词发音的音调上。最后John Coltrane的念唱也很好的印证了这一点。相比于这样的非常严肃地Free Jazz，Sun Ra的追求显然缥缈的多。
因为这种音乐写作领域的特殊性和最后呈现的特殊性，我们用Space Age两个词，代替我上面说的一大堆话。我说这些话的目的就是为了告诉大家，对于音乐风格的深刻理解，其实是对音乐音乐的深刻理解。你了解音乐风格了解的越细，你就越知道这种风格下特别自我，不同于其他风格的特点到底是什么。
所以，在我面试编辑的时候，让他们写出一百种音乐风格，不是开玩笑的。如果你能写出一百种，并且自信的写出来，并且经得住我得拷问，你对音乐的了解一定是相对深刻的。
（三）我们该如何判断一首歌里有没有风格元素。
风格元素的判断是一个相对有客观标准的，不是所有人都擅长这件事儿。就拿Sapce Age这样的小风格来说，除非你是像我一样干这个的，或者是专注研究这类风格的音乐，不然你根本没有必要去知道这些。
我之所以用Space Age举例，就是因为这是一种非常小的，甚至可以被称之为“元素”的小风格。人们为了归类和谈论一种以前没有出现过的音乐，所以才用一些常在音乐里出现的名词把他们拼凑起来成为一个新的音乐风格。
说回Funk，当我们谈论Funk的时候，我们在谈论什么。
这是一个对Funk特别标准的解释，而且是简单的再简单不过的解释。如果连这个都不满足，那么就不能叫Funk。
这好像今天你做什么菜都放盐。川菜放盐，鲁菜放盐，法餐放盐。你不能吃法餐尝到了咸味儿就说这菜有川菜元素。
这说明什么呢？
这说明你对食物的理解层次极低，大概率除了川菜没吃过啥，更重要的是不知道有啥。所以你觉得咸味儿就是菜系上的共通。
对于音乐的理解也是一样的。当你对Funk没什么理解的时候，你很容易产生误解。
我什么都不说，说多了你们也不懂，用你的身体跟着这首歌去晃，体会你们晃的感觉。
再跟着这首许嵩说是Funk的晃一下。你感觉有什么区别么？你看看上面那个回答怎么解释Funk的，说Funk是一个适合抖腿的音乐，你大概能理解了吧。
我想说，这个视频，特别适合许嵩。
找不到重拍 https://www.zhihu.com/video/1419611965614886912我不知道，一个用鼓机做出来的点儿是怎么被许嵩和那群所谓的专业音乐人听出来Funk的。如果这Bass，这吉他也叫Funk的话，你问问James Brown答应不答应。
（四）为什么许嵩会犯这样风格认知的错误
我曾经谈过许嵩音乐的问题，我拿《九月清晨》举例，说了他音乐做的不细。对很多应该注意到的音色没有注意到。我也曾经多次在公共场合用很好的设备放过这首歌，让大家自己去听什么叫更好的音色。
如果一个人音乐做的不细，很大程度是因为他对音乐了解的不细，这两件事儿是可以相互印证的。如果你听音乐听到了一定程度，自己在谈论某个风格的时候，一定会把握住那个风格最典型的特点，我记得很早以前很多许嵩歌迷给我发许嵩的采访，说自己什么风格都尝试过了，诚然他可以这么说，但是在我看来，那叫什么风格都糟蹋过了。
从一句话，可以看出来，许嵩的瓶颈就在那儿，他不在音乐上真的磕。只去在现在的这条路上磕，他一定是被卡主的，不信走着瞧嘛。比如《呼吸之野》这张唱片，制作有了提高，音响上的细节都注意到了。但是真的在音乐性上和创作上有大进步么？显然没有，但是在我看来，有一些进步就比一点不进步强。一个音乐人不可能一秒钟解决所有问题。但是他应该意识到，他的问题是从哪儿来的。
许嵩不深刻。他的创作不深刻，他对音乐的理解也不深刻。我早就说过很多次了，这种肤浅会停留在他这个人身上，时不时的以某种方式出来犯一些错误让大家看见，就比如他认为这首歌里有Funk的元素，即便是一大堆歌迷在这儿找证据，也确实没什么好找的。
我之所以不想和歌迷就这首歌到底是不是Funk较劲，是因为实在我说再多，这群人也听不懂，你们只需要知道，为什么我们会谈论风格。风格到底有什么根本的作用就得了，你们要是能够有意识的在听音乐的时候留意自己听音乐的风格，我就算造福一方百姓了。
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