普通观众如何判断一部动画的layout水平？
首先，咱们得明白，Layout是啥？
简单来说，Layout就是动画制作中的一个中间环节，你可以理解为画面的“骨架”或者“蓝图”。它决定了每个场景里物体和人物会怎么摆放，镜头会从哪个角度看，画面会怎么动。它就像导演在纸上画草图，告诉原画师和动画师：“这里是A角色，他站在那里；那里是B景物，它离A角色多远；我们是从这个角度拍他。” 最终呈现出来的画面效果，很大程度上就取决于Layout的扎实与否。
普通观众怎么看Layout水平？可以从这几个方面入手，别怕，很简单！
第一招：看画面“稳不稳”，有没有“空间感”。
你有没有过这样的感觉？有些动画的画面看起来特别“虚”，或者有点“挤”？这可能就是Layout没做好。
稳定的透视感： 你可以留意一下画面中的建筑、地面、道具等等。它们有没有看起来是立体的，有远有近？地面是不是真的看起来像地面，而不是一块平铺的“纸”？那些线条有没有按照透视的规律自然延伸？如果一个场景里的所有东西都感觉像是贴在同一平面上，那就说明Layout在空间感这块儿有点吃力。
景深效果： 好的Layout会让你感觉到画面有“前后”。比如，角色站在前景，后面是模糊的背景，或者有近处的物体挡住了一部分远处的景物。这种景深能让画面看起来更真实、更有层次。如果整个画面都“一览无余”，没有远近虚实的区别，那就显得比较平。
构图的平衡： 即使没有学过构图，你也能感觉到画面是舒服还是别扭。画面中的元素（人物、道具、背景）有没有“压着”你，或者画面一边太重一边太轻？比如，一个角色站在画面中间，周围的背景元素就能起到一个平衡的作用。如果一个角色孤零零地被丢在一边，周围空荡荡的，或者画面一边挤满了东西，另一边什么都没有，那可能就是构图失衡了。
第二招：看镜头“转不转”，有没有“带入感”。
Layout很大程度上决定了镜头如何运动，以及我们是通过怎样的视角去看这个故事的。
镜头运动的流畅度： 有些动画的镜头切换或者运动会让你觉得很生硬，就像是在“推”或者“拉”一个纸片一样。好的Layout会让镜头运动得非常自然，比如一个跟拍镜头，会让你感觉自己真的在跟随着角色移动；一个旋转镜头，会让你觉得是在环顾四周。
视角的选择： 想象一下你自己在某个场景里。你会从哪个角度去看？是平视？仰视？俯视？Layout就是决定这个角度的。如果动画里的人物经常出现在一些奇怪的、不自然的视角下，或者总是用非常单调的平视角度去看，那可能就是Layout在给观众的“代入感”打折扣。
镜头中的“呼吸空间”： 有时候，画面里人物的上方或者侧方会留有一些空间，我们称之为“呼吸空间”或者“余白”。这个空间不是多余的，它能给观众一种信息，比如角色正在看向某个方向，或者这个场景还有更多的故事可以展开。如果画面总是把人物“塞满”，没有一点留白，那会让人觉得压抑，不够通透。
第三招：看场景“讲不讲故事”，有没有“氛围”。
Layout不仅仅是把东西摆好看，它更重要的是要服务于剧情和情感，让观众通过画面就能感受到信息和情绪。
“静”中有“动”的暗示： 有时候，即使人物不动，但通过他们与周围环境的布局，也能看出故事的端倪。比如，一个角色背后有破碎的窗户，或者他身边堆满了杂物，这些都可以暗示他的处境或者心情。好的Layout能在静态画面中传达出“信息”，让你觉得这个场景是有“内涵”的。
空间与人物情绪的呼应： 一个阴暗狭小的房间可能暗示着压抑和绝望，一个开阔明亮的空间则可能代表自由和希望。Layout会利用场景的空间感来烘托人物的情绪。你有没有觉得，在某些场景里，整个画面的“感觉”就和你看到的人物心情一样？那就是Layout在“讲故事”了。
道具的巧妙利用： 场景里的道具不是摆设，它们可以被用来引导观众的视线，或者成为情节的关键。比如，一个桌子上的一个杯子，它被放在一个特定的位置，也许能暗示接下来会发生什么。好的Layout会将道具和人物、场景融为一体，让整个画面构成一个有意义的整体。
最后，总结一下，咱们普通观众怎么炼就一双“Layout眼”？
别想着去背那些专业术语，最简单的方法就是多看、多比较。
看自己喜欢的那种感觉： 你看某部动画，是不是觉得画面特别舒服，特别有电影感？那就多留心一下它的Layout是怎么做的。
对比一下差异： 拿几部不同风格的动画放在一起看，对比它们的场景布局、镜头运用，你就能慢慢体会到其中的区别了。
关注细节： 别只盯着角色看，偶尔把目光从角色身上移开，看看他们周围的环境是怎么构成的，画面是怎么被分割的，你会发现很多有趣的细节。
其实，Layout好不好，很多时候就是一种“直觉”。你觉得看了舒服，觉得画面有“戏”，有味道，那就是它做到了。下次看动画的时候，不妨放下对剧情和角色声优的执着，多感受一下画面本身的“骨架”，你会发现动画的魅力远不止你想的那么简单。
网友意见
写的很基础，大概能让多数人看明白。我觉得有些话题真没必要分啥普通观众核心观众。
什么是Layout ？
Layout，简称L/O，原意是“设计稿”，在中文语境下，往往被翻译为“构图”。
为了提高动画的制作效率，从早期赛璐璐动画成为主流的阶段开始，日本动画就在用分层作画的制作方式，背景在纸上画，人物和前景在赛璐上画。直到赛璐璐动画被淘汰，分层作画的习惯却沿用至今。
动画的“作画层”与“背景层”是交给不同的人画的。“作画层”是运动比较频繁的图层，图层中的一般是人物、动物、机械、特效，或者与人有互动的道具，作画层的内容是由原画师和动画师来完成的。“背景层”是作画层以外的图层，主要为前景（book）和背景（BG），内容是景物、房间、静态的道具等等，由美术人员负责绘制。
由于作画人员和美术人员是分开作业的，所以需要给美术人员和摄影（后期处理）人员一个参照物，来保证人物与背景能够契合，而这个参照物就是的Layout。最早使用Layout的日本动画是《阿尔卑斯山的少女》，而将Layout这一工序带到日本动画制作中的也是正是宫崎骏与高畑勋。所以Layout最基本、最普遍的作用，就是确认人物与背景的空间关系。
时至今日，Layout所承载的信息已经不再局限于“确认空间关系”了，同时还包含了镜头运动、图层布置、摄影指示、3DCG指示等指导信息，以及创作者想通过构图来表达的各种意图。
上图是《新世纪福音战士：破》的Layout（レイアウト），在图中做出了“前景运动方向”和“背景的滑动距离”的指示，利用图层之间的快速相对运动，实现初号机正在狂奔的视觉效果。因为分镜上画的内容往往比较粗糙，分镜稿的纸张也不够大，很难在上面做出直观的指示，所以需要用Layout来完善分镜的细节。但音效、台词这些在分镜中已经明确列出的要素，很少会在layout上出现。
再来看另一个案例，这是《千与千寻》的Layout。通过和成品对比，不难看出Layout的线条基本上是与成品画面相吻合的。一般来说Layout的精细程度，会根据导演的要求有所变化，有时候会像《EVA》那样线条比较粗糙，有时候会像《千与千寻》这样细节抓的很准。但无论如何，Layout都需要涵盖所有的画面细节，最终的画面布局也要严格按照Layout的设计来进行。
上文解释了“成品画面”与“Layout”这两者的关系，是为了向大家说明一个前提：普通观众即使不去专门搜集动画的制作资料，也可以根据动画的实际播放内容来赏析Layout。
Layout的基本要求：
刚才已经提到了Layout最基本、最普遍的作用是确定人物与背景的空间关系，如果连这一步都犯错误，所谓的“水平”就无从谈起了。但实际观看的过程中，我们也会发现一些不尽人意的地方。
上图是《Infinite Stratos》中著名的崩坏场景。具体问题有两个，原画层的人物并没有完全遵循“近大远小”的透视原理，背景层的景物大小与原画层的人物大小完全失衡。导致这些问题的直接原因就是没做Layout，甚至连LO的草稿都没画。
再来看一个案例。画面中的阿卡林向千岁递纸巾，只看被桌子挡住的腿部，能判断出两人位置的连线是穿过桌子中央的。但再看人物的肩部以上，会又会产生两人是坐在靠近走廊一侧的错觉，甚至感觉这个纸巾盒是从桌子的外侧递过去的。在这个画面的Layout将桌子放在了前景层，企图通过图层之间的遮挡来体现透视关系，所以难免会产生违和感。
而下一个镜头中，桌子和人物一样是被放到作画层的，透视关系是由原画师自己掌握，所以在这幅图中就完全没有违和感了，体现的是正确的人物位置关系。从这个案例我们也能看出来，不是做了Layout空间关系就一定没问题了，要根据实际情况合理的安排“作画层”与“背景层”的内容。
另外随着技术的进步，有些动画开始使用3DLayout作为辅助，这样不仅可以保证空间关系不出问题，也还可以挑战一些透视十分复杂的角度。早期动画中那些让观众高呼“水平很高”的LO，现在可能难不倒原画师们了。
Layout的意图与表达方式：
导演今敏曾经说过“每个镜头都是演出意图的体现”，他对自己的电影有着极强的掌控欲，经常亲自绘制全篇的Layout。《新剧场版：新世纪福音战士 》的导演鹤卷和哉也曾经说过，“我画分镜的思路是以将来要亲自绘制Layout，并且做原画修正为前提的”。除了鹤卷和哉之外，包括平松祯史在内的很多演出家，都是以这种思路来做动画的。
所有Layout的设计过程中，都包含着创作者的某种意图。这种意图可以大致分为“叙事意图”和“表达意图”，二者兼备的情况同样常见。
通过layout中的要素，来说明时间、地点、人物、氛围，是比较常见的叙事意图。以此为出发点的Layout占到了动画的绝大多数篇幅，简单直白容易理解，这里用一个比较全面的案例来解释：
在《冰菓》第1集的这个画面中，光线和配色说明此时正值黄昏；物品和道具说明地点在科学教室；构图特意强调了桌椅的存在，却让人物站在门口说话，说明登场时他们暂时还互不熟悉。与此同时他们正面对着一个关于“门锁”的突发事件，无暇离开现在的位置，也暗示了紧张的氛围。
这就是一个非常高明的构图，仅凭图中的信息就可以推断出时间、地点、人际关系和氛围。但也不是说信息量越充足，Layout就越优秀，鹤卷和哉评价庵野秀明的时候表示“庵野先生倾向于每个画面只集中传递一种信息”，这种严格控制信息量的构图思路也影响了很多GAINAX出身的导演。
Layout的表达意图，可以通过很多不同的方式去体现，其中有些是已经成为习惯的手法，有些只是导演的灵光一现。我举几个有代表性的案例，大家体会一下吧。
利用空间和人物关系表达意图。上图两张都来自《利兹与青鸟》，哪张要表达压抑孤独，哪张要表达快乐舒适，这里是不言而喻的。利用开阔、压抑、明亮、昏暗等多种多样的空间，将人物情感“可视化”，是很普遍的Layout的设计思路。
值得注意的是，开窗的场景还用到了一些不容易被注意到的小技巧。在希美打开窗户之前的镜头中，窗帘盖住了一半窗户，端正的机位含蓄客观的描述着整个场景。而当希美打开窗之后，不仅窗帘瞬间拉开，机位也换成了铠冢霙（蹲在地上）的主观视角，通过带有情感的机位和反差强烈的空间变化，极大的增强了表达效果。
利用空间分割人物，也是个被诸多演出家用烂了的layout技巧。多数情况是用简单粗暴的前景遮挡，直接将人物之间的空间联系断开，这种构图是在用空间上的分割暗示人物关系的隔阂与矛盾。
再补充两个进阶的技巧，之所以这么说，是因为有些动画导演还做不到这种程度，类似的思路并没有形成普遍、形式化的风格。
首先layout的象征意义。今敏在《未麻的部屋》的讲座中提到一个很难注意到的细节。房间中的窗户代表不安，这种不安来源于对“被窥视”的恐惧。而今敏刻意将窗户的长宽比设计成与当年的显示器一样的4:3的比例，从窗外往房间内看，就像是观众在看电视一样。整个构图逻辑增强了“窥视”的印象，同时也营造出了不安的氛围。
其次是Layout对视线的引导作用。当导演想让观众将注意力放在角色的面部时，可以让背景的透视线穿过人物面部，以达到引导视线的效果。反之，当演出家想要分散观众注意力的时候，也可以用透视将观众的注意力引到别的地方。
当然，其实上述两种Layout思路，只会对观众产生潜移默化的影响，并不具备直接传递信息的效果。但正如今敏所说，每个镜头都是带有意图的，希美专门搬个凳子放到铠冢霙的背后，就为了完成这样观众根本注意不到的构图。
（我倾向于针对单个案例的讨论，至于比较layout水平的话题，等大家熟悉之后自己判断就好。）
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