我们该如何评价用新技法创作民乐的尝试和改革？
中国民族音乐，这颗璀璨的东方瑰宝，在历史的长河中不断积淀、演变，形成了独树一帜的审美体系。然而，面对日新月异的时代浪潮和多元化的艺术语境，民乐的传承与发展也迎来了新的课题。其中，尝试和改革传统技法，引入新元素、新理念，无疑是当下最引人关注的焦点之一。
如何评价这些大胆的探索？这绝非一两句话可以概括的简单任务，它需要我们以审慎、开放且富有洞察力的视角，深入剖析其背后的动机、实践方式以及可能带来的影响。
一、 动机的审视：为何要“动”？
评价技法改革，首先要理解其动因。这些尝试并非空中楼阁，往往根植于现实的土壤：
时代呼唤与审美变迁： 随着社会发展和信息传播的加速，人们的审美口味也在发生变化。传统的民乐技法，在某些情境下可能显得较为单一或不易被当代听众接受。改革旨在拓展民乐的表现力，使其更能与现代生活发生情感共鸣。
艺术生命力的延续： 任何艺术形式要保持活力，都必须不断寻求新的表现可能。固步自封只会导致艺术的枯竭。技法上的创新，是为民乐注入新的血液，使其在传承的基础上获得新的生命力。
技术进步的赋能： 现代科技，如录音技术、电子音效、数字音乐制作等，为民乐的创作和演奏提供了前所未有的工具和可能性。许多改革正是借助于这些技术，来拓展传统乐器的音响边界，创造出全新的听觉体验。
跨文化交流与融合： 在全球化背景下，民乐与其他音乐风格的交流日益频繁。引入西方音乐的某些技法、和声、编配理念，甚至与爵士、摇滚、电子音乐等进行融合，也是一种顺应时代潮流的尝试。
理论探索与学术研究： 一些改革源于对传统理论的深化研究，或是对某种音乐现象的哲学思考。这些学术层面的探索，往往能够催生出具有深远影响的技法创新。
二、 实践的考察：如何“动”？
技法改革的实践形式多种多样，评价时需要具体分析：
音色与发声法的创新：
拓展传统乐器音域与音色： 例如，通过特殊的演奏技巧（如泛音、揉弦的极致运用、气息控制的精细化）来挖掘乐器原本不为人知的音色；或者通过改良乐器（如为古琴增加某些拾音设备、为二胡设计新型琴码）来拓宽其音域和改变音色特点。
借鉴与融合其他发声方式： 比如，将人声的哼唱、口技等元素融入器乐演奏，或是借鉴某些少数民族的特殊发声技巧。
电子化处理与合成： 将传统乐器的音源通过采样、合成、效果器处理，创造出具有未来感、空间感或独特质感的音响，这是当前非常普遍的改革方向。
演奏技巧的革新：
速度与力度的极限挑战： 挑战传统演奏的极限，追求更快速、更强烈的演奏效果，以表达更为激烈的现代情感。
多声部与复调化处理： 传统民乐在复调方面相对薄弱，一些改革者会尝试将不同声部的旋律交织，创造出更复杂的音乐织体。
节奏型与律动的变化： 引入西方音乐中更复杂、更多变的节奏型，或是与电子音乐的鼓点、律动相结合，打破传统民乐较为稳定的节奏框架。
即兴演奏的引入与发展： 鼓励演奏者在既定的框架内进行即兴发挥，特别是与爵士乐等风格融合时，即兴是核心要素。
结构与编配的突破：
打破传统曲式： 尝试采用奏鸣曲式、回旋曲式等西方音乐的曲式结构，或者创造全新的、更自由的音乐结构。
引入现代配器法： 将传统民乐与管弦乐队、室内乐、打击乐团等进行组合，或者与电子合成器、DJ设备等一同呈现。
跨界合作与融合： 与不同领域的艺术家（如舞者、视觉艺术家、戏剧演员）合作，将民乐置于更广阔的艺术语境中。
音乐语言的丰富：
和声与调式的拓展： 审慎地引入现代和声、五声音阶以外的调式，或是运用一些非传统音程关系，来丰富音乐的色彩。
音乐动机与主题的发展： 借鉴西方音乐中主题变奏、发展的手法，将简单的音乐动机通过各种方式进行逻辑性的推进。
三、 评价的标准：如何“衡量”？
评价这些改革，我们不能一概而论，而需要一套相对客观且辩证的标准：
1. 继承性与创新性的辩证统一：
是否坚守了民乐的“根”？ 改革不应是“数典忘祖”。一个好的改革，应该是在继承传统音乐的核心精神、美学特征（如韵味、意境、民族情感）的基础上，实现创新。它需要依然能够让听众感受到“民乐”的韵味，而不是完全变成另一种音乐。
创新的目的是什么？ 创新是为了更深刻地表达情感、更有效地传达意念，还是仅仅为了“新”而“新”？有意义的创新，应该能够提升作品的艺术价值。
2. 艺术的逻辑性与完整性：
技法的运用是否服务于整体？ 引入的新技法是否能有机地融入作品，是否服务于音乐的整体结构、情感表达和意境营造？孤立的技术炫技，往往难以打动人心。
是否具有内在的逻辑自洽？ 即使是实验性的改革，也需要有其内在的艺术逻辑，让听众能够理解其表达的思路。
3. 接受度与传播力：
能否被更广泛的听众接受？ 音乐最终是用来聆听和感受的。虽然不能完全迎合大众口味，但如果一种改革方式能够突破年龄、文化背景的隔阂，与更广泛的听众建立联系，无疑是其生命力的体现。
是否具有持续的生命力？ 好的技法改革，不应是一时的潮流，而应能够成为民乐新的发展方向，并被后来的音乐家所继承和发展。
4. 对传统的“激活”而非“颠覆”：
是否“激活”了传统？ 改革的目的是为了让传统焕发新的生机，让更多人重新关注和喜爱民乐。它应该是对传统的“增光添彩”，而非“全盘否定”。
对“根基”的尊重： 即使是最激进的改革，也应该对传统有着深刻的理解和尊重，知道自己从何而来。
四、 风险与挑战：改革之路并非坦途
任何改革都伴随着风险：
“四不像”的尴尬： 过度融合可能导致作品既没有保留民乐的特色，又未能完全融入新的风格，成为一种“四不像”的尴尬存在。
失去本真： 盲目追求时髦或技术，可能导致对民乐核心审美价值的丢失，声音变得单薄、肤浅。
市场与评价的挑战： 许多改革作品可能面临市场接受度不高、评论界褒贬不一的局面，需要创作者有强大的艺术定力。
理论体系的滞后： 技法的革新往往走在理论研究的前面，如何建立新的理论体系来解释和指导这些改革，也是一个长期的课题。
五、 总结：在守望中前行
评价用新技法创作民乐的尝试和改革，需要我们保持一种 “开放而审慎，肯定又辩证” 的态度。
肯定尝试的勇气： 必须首先肯定敢于创新、敢于打破常规的艺术家的勇气和付出。没有这些探索，民乐的未来将是黯淡的。
尊重传统的价值： 在肯定创新的同时，我们不能忘记传统民乐的深厚底蕴和独特魅力。对传统的理解越深刻，创新才越有根基。
注重“度”的把握： 改革的关键在于“度”。如何在保留民族性的同时，有效地融入时代元素，这是每一位改革者需要不断思考和实践的课题。
期待“激活”而非“颠覆”： 理想的改革，是能够“激活”沉睡的传统，让古老的旋律在新的时代语境下再次焕发生机，吸引新的受众，也让传统的技法和精神在新的土壤中得到升华。
最终，评价的目光，也应该投向作品本身。一首好的音乐作品，无论其技法如何新颖，都应该能够触动人的心灵，传递真挚的情感，引发深刻的思考。用新技法创作民乐的尝试，是一场关乎传承与发展的伟大对话，我们既要以热烈的掌声鼓励那些大胆的先行者，也要以批判的眼光审视其得失，从而共同推动中国民族音乐走向更加辉煌的未来。
网友意见
这个问题已经讨论了半个世纪了，似乎永远都值得一直讨论下去。
民乐在港澳叫中乐，在台湾叫国乐，在中国以外的地区叫华乐。
我在研究生期间选择的方向就是民乐作曲，过去也在职业民族乐团工作了两年，我觉得这一块有非常大的空缺需要填补。例如在传统民乐和先锋民乐之间是一片空白，没有西方音乐的浪漫晚期、印象主义等各种流派瓦解传统的这个过程，也就缺少了相当一部分作品，当然对于大众的审美没有能起到引导的作用。
上面可能有点扯远了。。进入正题。
我曾经在百度贴吧和一位朋友争论过这个问题，当时我就提出了几点大型民乐团发展目前存在的问题：
1、很多作曲家为民乐团创作前功课做得不够。
了解了音域、基本的音色特征和基本演奏法以后就开始用管弦乐的思维不加改造地去写，结果就是很多无效声部，效果极不均衡。因为民乐团较管弦乐团而言，增加了一个弹拨组，弹拨组写作直接影响到整体音响质量。
2、乐器制作、性能和编制有待改进。
我们知道管弦乐团的每件乐器都能充分振动，产生丰富的泛音，而如果我们去观察笛子、琵琶、二胡这些乐器的频谱，就会发现他们产生的泛音非常有限，当他们演奏大三和弦的时候，就无法得到管弦乐团那种丰满的声音。但是业界似乎对于创造新乐器不感兴趣，还是对改良比较有兴趣。这一点可以关注一下香港中乐团，我觉得世界范围内没有比它更强的民族乐团了。
3、演奏员的训练。
这一点非常重要。大陆的演奏教学都是以培养独奏家为目的的，而香港、台湾从业者相信独奏教学可以让万分之一的人有饭吃，但是合奏教学可以使百分之一的人吃饱饭（总结下来，就是生存环境越狭窄的地区人就越有秩序越懂得发展）。尤其是对音准、音色的概念，在合奏和独奏中完全是不同的。比如弦乐的揉弦幅度、快慢要统一，弹拨乐的发声点要精准到何种程度才能不乱，梆笛和曲笛同时发声时音准、气震音，这些都非常非常讲究。
总结一下关于声音不融合的问题。我觉得这是国乐的问题，也是它的特点所在。这种音色分离用得恰到好处，就是特色。反之就是缺陷。总之个人认为无法绝对化。
好了，说一下题主的问题。
1、“现在的改革究竟是否成功有价值呢”。
当然有价值。成功不成功目前无法下结论，这种成系统的编制才发展五六十年，而且没有经历管弦乐团的发展成熟的过程。但是既然它有很多缺陷，那么一切改革都是有价值的，至少可以证明很多路是走不通的。
2、新技法的优点和缺点。
题主是指什么新技法？作曲技法还是演奏技法？
我觉得在写作上面还是有很大的空间可以改进的。辩证地吸收管弦乐团的写作模式，我觉得一切都要从乐器本身所拥有的声音出发才行，思考每一种乐器的声音特点，再去尝试各种组合效果，线条和点的结合方式。所谓的新作曲技法无非是从对声音的思考中得出的创新。新演奏技法在乐团中用的很少，因为人多效果差室内乐和独奏会比较多。
3、还有那些方法更好地传承民乐。
可以像日本那样，把传统音乐保存起来放进博物馆，不要去改变它，就让它们以吹打、丝竹、五架头的形式存在；也可以发明新的乐器，融进民族乐团；也可以选择民乐团与管弦乐团融合。
而一切的一切都是要以不断地出现好作品为发展动力的。我希望不加任何政治干预，让其自由发展，如果大乐团的形式不符合声音、审美规律，那么渐渐就不会有作曲家去写了，让它自生自灭。
但是从目前的情况来看，发展的还是比较好的，越来越多的大型民乐团作品产生，其中佳作不断。
最后，再说一下题主发散的问题。
1、有乐器可以取代。香港中乐团就不用大提琴和低音提琴，他们用低音革胡和倍低革胡。
但是用大提贝司又如何，不用又如何？形式不是重点，能否使乐团产生好的效果才是关键。
2、这个问题问得好。楼上有朋友说是体制问题，说真的，还真的是体制问题。
香港中乐团每年的政府投入是多少？2013年投入5800W港币。所以他们有大量的资金去委约作品、举办音乐会、招收大陆最好的院校里最好的毕业生。可见港府才是把文化产业当成千秋大业来做的。而且收支清晰、透明，可以直接去他们网站找到年终报表。
大陆的民乐团每年的投入是多少？告诉你，上海周边的某文化大省的省会民乐团，政府投入80W，香港的零头啊有木有！有木有！！！（不要追问是具体哪个地方，不要人肉我）。而且你见过大陆的公司公布年终报表的嘛？
地方乐团基本上目前都实行公司化运营，也就是自负盈亏，政府只是象征性地给一点，而且最多的业务也是为政府服务。但是也有政府扶持得比较好的乐团，运作就比较健康，如浙江、广东，他们就有钱委约作品，有钱招兵买马。当然转型中，很多负面现象都会被无限放大，也是好事。
最后推荐一些作品，秦文琛《唤凤》，何训田《达渤河随想曲》，王建民《踏歌》，郭文景《日月山》，关迺忠《追梦京华》，谭盾《西北组曲》，张朝《太阳祭》，姜莹《丝绸之路》。。。
台湾有一个值得关注的乐团，小巨人丝竹乐团，这个乐团非常出色，从指挥到演奏员水平都非常高，并且致力于推广新作品，Youtube和优酷都有他们的主页，强烈推荐。
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