古典音乐在演奏时一定要按严格按照谱面弹吗？
这个问题很有意思，也触及了古典音乐演奏的核心之处。答案并非简单的“是”或“否”，而是要看我们谈论的是什么层面的“严格按照谱面”。
首先，从最基本的层面来说，是的，古典音乐演奏需要严格按照谱面。 这里的“谱面”指的是作曲家精心创作并留下的乐谱。它包含了一系列至关重要的信息：
音高和音值： 这是最直观的部分。谱面规定了每个音符应该发出的声音高低以及持续的时间长短。一个音符弹错了音高，或者时值不对，很容易就能听出来，这显然与谱面不符。
节奏和节拍： 谱面通过音符的时值、休止符、拍号等信息，精确地指示了音乐的律动和脉搏。严格按照谱面弹奏，才能准确地传达作曲家设定的节奏骨架。
调性： 乐谱上的调号决定了音乐的基本音阶和和声色彩。演奏者需要遵循这个调性框架来构建音乐。
力度和表情记号： 谱面上会有各种符号指示乐句的强弱（如 p, f, cresc., dim.），以及一些表情记号（如 legato, staccato, accent）。这些都是作曲家用来塑造音乐情绪和色彩的重要工具。
为什么说需要严格按照谱面呢？
因为古典音乐往往是作曲家心血的结晶，是他对音乐思想、情感和结构的高度凝练。乐谱就是他与演奏者沟通的桥梁。如果演奏者随意更改音符、节奏，就等于在一定程度上改变了作曲家想要表达的内容，甚至是歪曲了他的意图。对于许多严肃的古典作品，尤其是一些结构复杂、动机精巧的作品，随意改动可能会破坏整体的逻辑性和艺术性。
那么，为什么又不是“绝对”严格到一字不差呢？
这里涉及到几个层面的考量：
1. 历史演奏实践和风格的演变： 即使是同一部作品，在不同的历史时期、由不同的演奏家演绎，也会呈现出不同的风貌。这并不是因为演奏者“不守规矩”，而是因为音乐演奏本身就受到当时演奏技术、审美观念、甚至乐器条件的影响。
早期音乐（如巴洛克时期）： 这个时期的音乐，特别是巴赫、亨德尔的作品，乐谱上留给演奏者的“自由空间”相对更大。例如，装饰音（trills, mordents）在很多情况下并没有完全写出来，而是约定俗成地由演奏者根据乐句和风格自己添加。颤音的起始音、进行方式，也可能存在一些弹性。此外，一些赋格或卡农作品，对声部的处理、乐句的连接，也允许演奏者进行一定程度的个人化诠释。
古典主义和浪漫主义时期： 随着音乐的复杂性和表现力的增强，乐谱的精确度也在提高。但即使是莫扎特、贝多芬、肖邦的作品，在节奏的微小处理（rubato）、乐句的呼吸感、音量的细微变化上，依然允许演奏者融入自己的理解。例如，浪漫主义时期的音乐尤其强调情感的自由抒发，适度的“自由节奏”（rubato）在不破坏整体律动的前提下，可以更好地表达情感的起伏。
2. 诠释的多样性： 即便乐谱写得非常详细，同一部作品，不同优秀的演奏家弹出来也各有千秋。这种差异并非是对谱面的背离，而是对谱面信息的不同理解和强调。
对乐句的划分和呼吸： 有的演奏家会强调某个乐句的连贯，让音乐如歌唱般流动；有的则可能在乐句的连接处留出细微的停顿，制造一种思考或期待。
对力度和音色的处理： 同一个力度标记，比如“mf”（中强），不同演奏家可能会有细微的力度差异，或者在音色上追求更温暖、更明亮、更浑厚等等。
对音乐结构的把握： 即使是遵循相同的节奏和音符，演奏家对乐曲整体结构、主要动机的呈现方式、高潮的构建等方面的理解也不同，这会体现在他们对乐句的层次感和对比的把握上。
3. “演奏技法”的补充： 乐谱无法写尽所有的演奏技法和细微的技巧处理。例如，如何精准地运用弓法（弦乐）、指法（钢琴）、气息控制（管乐），如何在特定的乐句中通过微调指法来达到更佳的音色和连接效果，这些都需要演奏者凭借自身的技艺和经验来完成。有时，为了达到某个作曲家可能意图达到的音响效果，演奏者可能会在细节上进行一些符合音乐逻辑和风格的“补充”，而不是“改变”。
所以，关键在于“理解”和“服务于音乐”：
理解谱面： 优秀的演奏者首先要透彻理解乐谱所包含的一切信息，包括最细微的表情符号和演奏指示。他们会研究作曲家的创作背景、同时代的音乐风格、以及不同版本的乐谱差异（如果有的话），来形成自己对作品的整体把握。
服务于音乐： 演奏者的一切处理，无论是在节奏的细微弹性上，还是在音色和力度的塑造上，都应该是为了更好地服务于音乐本身的情感表达、结构逻辑和整体风格。这种处理应该是自然而然的，是音乐发展逻辑的延伸，而不是突兀的个人发挥。比如，一个适度的 rubato，是为了让音乐更有呼吸感，更富于歌唱性，而不是随意地拖慢或加快。
总结一下：
古典音乐演奏者需要以尊重和理解作曲家意图为前提，严格按照谱面指示的音高、节奏、和声等基本框架进行演奏。但同时，在符合历史演奏风格和作品精神的范畴内，演奏者也拥有一定的空间去进行个人化的诠释和细微的艺术处理，以赋予作品生命和独特的艺术魅力。这种处理不是为了“改谱”，而是为了更深刻地“解读谱”，让音乐更加动人。
与其说“严格按照谱面”，不如说“忠实而富有创造力地演奏谱面”。这其中，“忠实”是基础，“富有创造力”是升华，而这两者都服务于最终的“音乐”。
首先，从最基本的层面来说，是的，古典音乐演奏需要严格按照谱面。 这里的“谱面”指的是作曲家精心创作并留下的乐谱。它包含了一系列至关重要的信息：
音高和音值： 这是最直观的部分。谱面规定了每个音符应该发出的声音高低以及持续的时间长短。一个音符弹错了音高，或者时值不对，很容易就能听出来，这显然与谱面不符。
节奏和节拍： 谱面通过音符的时值、休止符、拍号等信息，精确地指示了音乐的律动和脉搏。严格按照谱面弹奏，才能准确地传达作曲家设定的节奏骨架。
调性： 乐谱上的调号决定了音乐的基本音阶和和声色彩。演奏者需要遵循这个调性框架来构建音乐。
力度和表情记号： 谱面上会有各种符号指示乐句的强弱（如 p, f, cresc., dim.），以及一些表情记号（如 legato, staccato, accent）。这些都是作曲家用来塑造音乐情绪和色彩的重要工具。
为什么说需要严格按照谱面呢？
因为古典音乐往往是作曲家心血的结晶，是他对音乐思想、情感和结构的高度凝练。乐谱就是他与演奏者沟通的桥梁。如果演奏者随意更改音符、节奏，就等于在一定程度上改变了作曲家想要表达的内容，甚至是歪曲了他的意图。对于许多严肃的古典作品，尤其是一些结构复杂、动机精巧的作品，随意改动可能会破坏整体的逻辑性和艺术性。
那么，为什么又不是“绝对”严格到一字不差呢？
这里涉及到几个层面的考量：
1. 历史演奏实践和风格的演变： 即使是同一部作品，在不同的历史时期、由不同的演奏家演绎，也会呈现出不同的风貌。这并不是因为演奏者“不守规矩”，而是因为音乐演奏本身就受到当时演奏技术、审美观念、甚至乐器条件的影响。
早期音乐（如巴洛克时期）： 这个时期的音乐，特别是巴赫、亨德尔的作品，乐谱上留给演奏者的“自由空间”相对更大。例如，装饰音（trills, mordents）在很多情况下并没有完全写出来，而是约定俗成地由演奏者根据乐句和风格自己添加。颤音的起始音、进行方式，也可能存在一些弹性。此外，一些赋格或卡农作品，对声部的处理、乐句的连接，也允许演奏者进行一定程度的个人化诠释。
古典主义和浪漫主义时期： 随着音乐的复杂性和表现力的增强，乐谱的精确度也在提高。但即使是莫扎特、贝多芬、肖邦的作品，在节奏的微小处理（rubato）、乐句的呼吸感、音量的细微变化上，依然允许演奏者融入自己的理解。例如，浪漫主义时期的音乐尤其强调情感的自由抒发，适度的“自由节奏”（rubato）在不破坏整体律动的前提下，可以更好地表达情感的起伏。
2. 诠释的多样性： 即便乐谱写得非常详细，同一部作品，不同优秀的演奏家弹出来也各有千秋。这种差异并非是对谱面的背离，而是对谱面信息的不同理解和强调。
对乐句的划分和呼吸： 有的演奏家会强调某个乐句的连贯，让音乐如歌唱般流动；有的则可能在乐句的连接处留出细微的停顿，制造一种思考或期待。
对力度和音色的处理： 同一个力度标记，比如“mf”（中强），不同演奏家可能会有细微的力度差异，或者在音色上追求更温暖、更明亮、更浑厚等等。
对音乐结构的把握： 即使是遵循相同的节奏和音符，演奏家对乐曲整体结构、主要动机的呈现方式、高潮的构建等方面的理解也不同，这会体现在他们对乐句的层次感和对比的把握上。
3. “演奏技法”的补充： 乐谱无法写尽所有的演奏技法和细微的技巧处理。例如，如何精准地运用弓法（弦乐）、指法（钢琴）、气息控制（管乐），如何在特定的乐句中通过微调指法来达到更佳的音色和连接效果，这些都需要演奏者凭借自身的技艺和经验来完成。有时，为了达到某个作曲家可能意图达到的音响效果，演奏者可能会在细节上进行一些符合音乐逻辑和风格的“补充”，而不是“改变”。
所以，关键在于“理解”和“服务于音乐”：
理解谱面： 优秀的演奏者首先要透彻理解乐谱所包含的一切信息，包括最细微的表情符号和演奏指示。他们会研究作曲家的创作背景、同时代的音乐风格、以及不同版本的乐谱差异（如果有的话），来形成自己对作品的整体把握。
服务于音乐： 演奏者的一切处理，无论是在节奏的细微弹性上，还是在音色和力度的塑造上，都应该是为了更好地服务于音乐本身的情感表达、结构逻辑和整体风格。这种处理应该是自然而然的，是音乐发展逻辑的延伸，而不是突兀的个人发挥。比如，一个适度的 rubato，是为了让音乐更有呼吸感，更富于歌唱性，而不是随意地拖慢或加快。
总结一下：
古典音乐演奏者需要以尊重和理解作曲家意图为前提，严格按照谱面指示的音高、节奏、和声等基本框架进行演奏。但同时，在符合历史演奏风格和作品精神的范畴内，演奏者也拥有一定的空间去进行个人化的诠释和细微的艺术处理，以赋予作品生命和独特的艺术魅力。这种处理不是为了“改谱”，而是为了更深刻地“解读谱”，让音乐更加动人。
与其说“严格按照谱面”，不如说“忠实而富有创造力地演奏谱面”。这其中，“忠实”是基础，“富有创造力”是升华，而这两者都服务于最终的“音乐”。
网友意见
在西方钢琴音乐的一定历史时期内，是需要严格按照谱面演奏的。
在巴洛克时期、古典时期的键盘音乐创作相对比较“规矩”，加上当时的钢琴工艺还没有十分成熟，所以在这一段历史时期内，演奏家没有什么发挥空间。演奏者严格按照谱面演奏和你展现自我的演奏，在实际效果上没有太大区别。
而从浪漫主义时期开始，作曲家们开始强调自我感受，钢琴工艺相比于以前也有了很大的进步，这就使得钢琴音乐创作和钢琴演奏有了很多可能。一方面作曲家们写的作品开始变得很复杂，另一方满钢琴家也对演奏艺术有了更多深的理解。浪漫主义时期，有过很多不同的演奏观念，比如有的音乐家注重炫技，有的音乐家注重作品的艺术性，有的人认演奏应该去贴近生理学和医学的机制，等等。
在19世纪下半叶，意大利钢琴家布卓尼(Ferruccio Busodi，1866—1924）提出了一个观点，其认为钢琴家的首要任务是表达作曲家的创作意图而不是任意发挥自己的主观情感，这一个观点也就是题主所说的严格按照谱面去弹。这一观点影响了后续的很多钢琴家，包括比较有名的霍夫曼、拉赫玛尼诺夫等等。而这个演奏风格只流行了一阵，在之后又有更加包容的演奏风格出现了。
所以，古典音乐并不是非黑即白的，也不分对错。主要看演奏者的个人理解，如果你十分喜爱一丝不差的将原谱弹出来是可以的。当然，在当代的钢琴演奏艺术中，在演奏中如果有更多的个人理解，是更加容易让人喜欢的。
以上。
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