画师有哪些画汉服和服时常出错的细节？
作为一名热爱中国传统服饰的普通人，我观察过不少画师在绘制汉服和和服时遇到的一些小“翻车”时刻。这并不是说他们技艺不精，而是因为这两种服饰都有着非常细致的讲究，很多时候即使是经验丰富的画师也可能因为疏忽而出现一些小瑕疵。今天就来和大家聊聊，我看到的一些常被忽略的细节。
先聊聊汉服，它里面的门道可真不少：
形制与朝代错乱： 汉服不是一个简单的“大袖衫+长裙”就能概括的。不同朝代、不同身份、不同场合都有特定的形制。最常见的错误是把不同朝代的元素硬凑在一起，比如把唐代的齐胸襦裙上半身的设计，硬是套到宋代的褙子外面。又或者，把本属于贵族才能穿的繁复纹样，随意用在普通百姓身上，感觉就不太对。
具体来说： 比如唐朝的襦裙，高腰是它的特点，但不是所有唐朝襦裙都是齐胸。很多襦裙还是齐腰的。而宋朝的褙子，更注重直线条和修身，如果画成那种唐朝的飘逸大袖，就失了宋的清雅。再比如，明朝的袄裙，下裙的褶皱方式和宽度也是有讲究的，不能随意画成一个简单的筒裙。
“衣襟”的矛盾： 汉服的衣襟是内外相套的，右衽（衣襟向右掩）是基本原则。但有时候会看到一些画作里，衣襟的方向画反了，或者内外襟的处理不清不楚，看起来就像是普通的现代外套。
更细致的： 汉服的交叠处，内层是“内襟”，外层才是“外襟”。这两层在视觉上应该有一定的层次感。如果画成一体，或者内外襟的方向都一样，那就不对劲了。
衣袖的“活”与“死”： 汉服的衣袖，尤其是宋制、明制的，大多是比较宽大且有一定垂坠感的。但有时候会看到袖子画得像硬邦邦的管子，或者在运动时袖子也跟着身体扭曲，失去了那种自然的“飞”动感。
袖子的褶皱： 很多汉服的袖子，尤其是直袖，在内侧会有自然的褶皱，这些褶皱的走向和疏密，能体现出布料的质感和服装的垂感。如果袖子画得太平整，就像是塑料袋一样，那就不太像了。
领子与肩部： 汉服的领子，有圆领、方领、直领、交领等等。交领领口处的弧度、内外翻折的细节，以及衣领与肩部连接处的自然过渡，都需要画到位。一些画作里，领子画得太僵硬，或者肩部线条过于生硬，会显得衣服“站”在身上，而不是“穿”在身上。
交领的层次： 交领的特点就是有内外两层领子交叉，这个交叉点的角度和弧度，以及露出的部分，都挺有讲究的。画得太简单，就失去了交领的特色。
腰带与系带： 汉服的腰带（或称“革带”、“腰绳”等）不仅仅是用来固定的，也是装饰的一部分。不同形制的汉服，腰带的材质、宽度、系法都有所不同。如果画得太粗太简陋，或者系法不符合常理，会影响整体的视觉效果。
系带的自然感： 很多汉服有垂下来的系带，这些系带的走向、长度、末端的处理（比如是否有穗子），都能增加服装的灵动感。如果系带画得太死板，或者随意乱飘，就不太合适。
纹样与刺绣： 汉服的纹样是其文化的重要载体。无论是皇家贵族的龙纹、凤纹，还是民间常见的花鸟纹样，其绘制的细节、色彩搭配、以及在衣物上的位置，都很重要。有些画作为了突出华丽，会堆砌过多、过于现代感的纹样，或者纹样绘制得过于模糊、缺乏美感。
纹样的“透”与“压”： 纹样和布料是相互依存的。在有褶皱的地方，纹样也会随着布料的起伏而变形，而不是平铺直叙。
再来看看和服，虽然和汉服有相似之处，但也有各自的“雷区”：
“腰带”（Obi）的误解： 和服最显著的特征之一就是那个宽大的腰带。但很多时候，画师可能只画了一个简单的“圈”在那里，而忽略了腰带本身复杂的结构、打结的方式，以及它对整个和服廓形的影响。
腰带的层次与厚度： 很多和服的腰带非常厚实，并且有多层结构。即使是简单的“太鼓结”，里面也有内衬和支撑。如果腰带画得太平薄，就像一张纸缠在腰上，就失去了那种立体的美感。
“带缔”（Obijime）和“带扬”（Obiage）的省略： 腰带上面还会系有“带缔”（一种绳状装饰）和从腰带上方露出的“带扬”（一种丝巾状装饰）。这两个小细节，对于完成一套精致的和服造型至关重要。很多画作里，为了简洁，直接把它们省去了，但这样一来，和服就显得不够完整，少了那份精致感。
带缔的穿法： 带缔的穿法也有几种，最常见的是穿过腰带中心的“平组”或“丸组”。它的松紧度、打结位置，都会影响整体的美观。
“衿”（Eri，领子）的重叠： 和服的领子是交叉重叠的，最外层是“下前”（shitamae，下方覆盖的部分），上面是“上前”（uemae，上方覆盖的部分）。这个重叠的方向是固定的，并且为了体现礼仪，通常会露出“长襦袢”（nagajuban）的领子。如果画反了重叠方向，或者领子画得太宽、太窄，或者露出不该露的内衣，就会显得奇怪。
长襦袢领子的露出： 和服的领子下面，会露出和服内穿的“长襦袢”的领子。这个露出多少，以及长襦袢领子的颜色和材质，也是整体造型的一部分。最常见的错误是露出太多，或者露出白色的、与外层和服不搭的内衬。
“袖子”（Sode）的长度与形状： 和服的袖子，尤其是振袖（furisode），非常长，并且在袖口处有“丸み”（marumi，圆弧）的形状。而其他款式的和服，袖子虽然不像振袖那么夸张，但也有其特定的垂坠感和线条。有些画作会把和服袖子画得和汉服的袖子一样，或者画得太短、太窄，失了和服本身的韵味。
袖子内部的“袋”： 尤其是一些女性和服，袖子内部是空的，像一个袋子。在运动时，这个“袋”会跟着动作而晃动，产生一种特别的韵律感。画得太实，或者袖子内部处理不好，会显得僵硬。
“羽織”（Haori，外套）的穿法： 羽織是穿在外面的外套，它有自己的系带（羽織紐，haorihimo）。羽織的长度、开衩方式，以及羽織紐的系法，都有讲究。一些画作里，羽織穿得像件普通外套，系带随意一搭，或者根本没有，就少了那种庄重感。
羽織的垂感： 羽織的布料和剪裁，决定了它穿在身上时有自然的垂感，尤其是在肩膀和后背部分。如果画得太挺括，或者像件布袋一样，就不太对了。
“足袋”（Tabi，袜子）与“下駄”（Geta）/“草履”（Zori）： 虽然是脚部细节，但也很重要。和服需要搭配专用的袜子“足袋”，以及木屐“下駄”或草履“草履”。很多时候，画师可能会忽略这一点，直接让人物穿着现代鞋子，或者足袋画得像普通袜子。
足袋的形状： 足袋是有分趾设计的，这个形状需要画出来。
总的来说，无论是汉服还是和服，它们都是经过千百年发展形成的文化载体，每个细节都承载着历史、习俗和审美。画师们在创作时，如果能多留意这些“小动作”，相信他们的作品一定会更加生动、准确，也更能让观众感受到这两种服饰的独特魅力。我作为一个观众，看到画作里那些认真还原的细节，真的会由衷地感到开心和敬佩。
先聊聊汉服，它里面的门道可真不少：
形制与朝代错乱： 汉服不是一个简单的“大袖衫+长裙”就能概括的。不同朝代、不同身份、不同场合都有特定的形制。最常见的错误是把不同朝代的元素硬凑在一起，比如把唐代的齐胸襦裙上半身的设计，硬是套到宋代的褙子外面。又或者，把本属于贵族才能穿的繁复纹样，随意用在普通百姓身上，感觉就不太对。
具体来说： 比如唐朝的襦裙，高腰是它的特点，但不是所有唐朝襦裙都是齐胸。很多襦裙还是齐腰的。而宋朝的褙子，更注重直线条和修身，如果画成那种唐朝的飘逸大袖，就失了宋的清雅。再比如，明朝的袄裙，下裙的褶皱方式和宽度也是有讲究的，不能随意画成一个简单的筒裙。
“衣襟”的矛盾： 汉服的衣襟是内外相套的，右衽（衣襟向右掩）是基本原则。但有时候会看到一些画作里，衣襟的方向画反了，或者内外襟的处理不清不楚，看起来就像是普通的现代外套。
更细致的： 汉服的交叠处，内层是“内襟”，外层才是“外襟”。这两层在视觉上应该有一定的层次感。如果画成一体，或者内外襟的方向都一样，那就不对劲了。
衣袖的“活”与“死”： 汉服的衣袖，尤其是宋制、明制的，大多是比较宽大且有一定垂坠感的。但有时候会看到袖子画得像硬邦邦的管子，或者在运动时袖子也跟着身体扭曲，失去了那种自然的“飞”动感。
袖子的褶皱： 很多汉服的袖子，尤其是直袖，在内侧会有自然的褶皱，这些褶皱的走向和疏密，能体现出布料的质感和服装的垂感。如果袖子画得太平整，就像是塑料袋一样，那就不太像了。
领子与肩部： 汉服的领子，有圆领、方领、直领、交领等等。交领领口处的弧度、内外翻折的细节，以及衣领与肩部连接处的自然过渡，都需要画到位。一些画作里，领子画得太僵硬，或者肩部线条过于生硬，会显得衣服“站”在身上，而不是“穿”在身上。
交领的层次： 交领的特点就是有内外两层领子交叉，这个交叉点的角度和弧度，以及露出的部分，都挺有讲究的。画得太简单，就失去了交领的特色。
腰带与系带： 汉服的腰带（或称“革带”、“腰绳”等）不仅仅是用来固定的，也是装饰的一部分。不同形制的汉服，腰带的材质、宽度、系法都有所不同。如果画得太粗太简陋，或者系法不符合常理，会影响整体的视觉效果。
系带的自然感： 很多汉服有垂下来的系带，这些系带的走向、长度、末端的处理（比如是否有穗子），都能增加服装的灵动感。如果系带画得太死板，或者随意乱飘，就不太合适。
纹样与刺绣： 汉服的纹样是其文化的重要载体。无论是皇家贵族的龙纹、凤纹，还是民间常见的花鸟纹样，其绘制的细节、色彩搭配、以及在衣物上的位置，都很重要。有些画作为了突出华丽，会堆砌过多、过于现代感的纹样，或者纹样绘制得过于模糊、缺乏美感。
纹样的“透”与“压”： 纹样和布料是相互依存的。在有褶皱的地方，纹样也会随着布料的起伏而变形，而不是平铺直叙。
再来看看和服，虽然和汉服有相似之处，但也有各自的“雷区”：
“腰带”（Obi）的误解： 和服最显著的特征之一就是那个宽大的腰带。但很多时候，画师可能只画了一个简单的“圈”在那里，而忽略了腰带本身复杂的结构、打结的方式，以及它对整个和服廓形的影响。
腰带的层次与厚度： 很多和服的腰带非常厚实，并且有多层结构。即使是简单的“太鼓结”，里面也有内衬和支撑。如果腰带画得太平薄，就像一张纸缠在腰上，就失去了那种立体的美感。
“带缔”（Obijime）和“带扬”（Obiage）的省略： 腰带上面还会系有“带缔”（一种绳状装饰）和从腰带上方露出的“带扬”（一种丝巾状装饰）。这两个小细节，对于完成一套精致的和服造型至关重要。很多画作里，为了简洁，直接把它们省去了，但这样一来，和服就显得不够完整，少了那份精致感。
带缔的穿法： 带缔的穿法也有几种，最常见的是穿过腰带中心的“平组”或“丸组”。它的松紧度、打结位置，都会影响整体的美观。
“衿”（Eri，领子）的重叠： 和服的领子是交叉重叠的，最外层是“下前”（shitamae，下方覆盖的部分），上面是“上前”（uemae，上方覆盖的部分）。这个重叠的方向是固定的，并且为了体现礼仪，通常会露出“长襦袢”（nagajuban）的领子。如果画反了重叠方向，或者领子画得太宽、太窄，或者露出不该露的内衣，就会显得奇怪。
长襦袢领子的露出： 和服的领子下面，会露出和服内穿的“长襦袢”的领子。这个露出多少，以及长襦袢领子的颜色和材质，也是整体造型的一部分。最常见的错误是露出太多，或者露出白色的、与外层和服不搭的内衬。
“袖子”（Sode）的长度与形状： 和服的袖子，尤其是振袖（furisode），非常长，并且在袖口处有“丸み”（marumi，圆弧）的形状。而其他款式的和服，袖子虽然不像振袖那么夸张，但也有其特定的垂坠感和线条。有些画作会把和服袖子画得和汉服的袖子一样，或者画得太短、太窄，失了和服本身的韵味。
袖子内部的“袋”： 尤其是一些女性和服，袖子内部是空的，像一个袋子。在运动时，这个“袋”会跟着动作而晃动，产生一种特别的韵律感。画得太实，或者袖子内部处理不好，会显得僵硬。
“羽織”（Haori，外套）的穿法： 羽織是穿在外面的外套，它有自己的系带（羽織紐，haorihimo）。羽織的长度、开衩方式，以及羽織紐的系法，都有讲究。一些画作里，羽織穿得像件普通外套，系带随意一搭，或者根本没有，就少了那种庄重感。
羽織的垂感： 羽織的布料和剪裁，决定了它穿在身上时有自然的垂感，尤其是在肩膀和后背部分。如果画得太挺括，或者像件布袋一样，就不太对了。
“足袋”（Tabi，袜子）与“下駄”（Geta）/“草履”（Zori）： 虽然是脚部细节，但也很重要。和服需要搭配专用的袜子“足袋”，以及木屐“下駄”或草履“草履”。很多时候，画师可能会忽略这一点，直接让人物穿着现代鞋子，或者足袋画得像普通袜子。
足袋的形状： 足袋是有分趾设计的，这个形状需要画出来。
总的来说，无论是汉服还是和服，它们都是经过千百年发展形成的文化载体，每个细节都承载着历史、习俗和审美。画师们在创作时，如果能多留意这些“小动作”，相信他们的作品一定会更加生动、准确，也更能让观众感受到这两种服饰的独特魅力。我作为一个观众，看到画作里那些认真还原的细节，真的会由衷地感到开心和敬佩。
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有些画师就算画得很漂亮但也有因不了解文化，就想了解了解关于画汉服和服时要注意的地方
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