有哪些外行觉得丑但其实很厉害的画？
这里我将为你详细介绍几幅常被提及的，外行觉得丑但其实很厉害的画作，并解释它们“厉害”在哪：
1. 埃德加·德加（Edgar Degas） 《舞蹈课》（La Classe de Danse）
外行可能觉得“丑”的点：
构图怪异/不完整： 画面似乎没有一个明确的中心，人物散落在画面各处，有些被裁切掉，显得杂乱无章。
人物姿态不优雅： 与人们对芭蕾舞者优雅、轻盈的刻板印象不同，德加画中的舞者有的在休息、伸懒腰，有的在做枯燥的练习，表情和姿态并不完全是赏心悦目的。
色彩不够鲜艳明亮： 相较于学院派的华丽色彩，德加的用色可能显得有些沉闷或不那么讨喜。
笔触粗糙感： 近看会发现德加的笔触并不细腻，甚至有些粗放，这与传统精雕细琢的绘画风格大相径庭。
为什么它很“厉害”：
开创性的视角和构图： 德加是印象派的代表人物之一，但他更专注于描绘现代都市生活。在《舞蹈课》中，他借鉴了日本浮世绘的构图方式，采用了高视点、不对称、打破经典黄金分割的构图。这种“裁剪式”的构图，就像我们日常生活中快照一样，捕捉的是生活瞬间的真实感，而不是精心布置的舞台。这种视角打破了传统绘画将主体置于画面中央、追求平衡对称的习惯，带来了全新的视觉体验。他让你感觉仿佛是透过一个小窗口偷窥到了芭蕾舞团幕后的真实场景。
对运动和瞬间的捕捉： 德加对运动和瞬间的描绘非常具有实验性。他不是画出舞蹈最辉煌的瞬间，而是捕捉了训练过程中那些不为人知的、充满张力的瞬间——压腿、擦汗、调整姿势。他通过对肢体线条和重力的精确观察，表现了舞者力量与柔美的并存，以及他们为了达到完美所付出的艰辛。他的画作传达的是一种动感，而不是静态的优雅。
捕捉现代生活的“真实感”： 德加关注的不是神话或历史，而是他身边的现实。他打破了高雅艺术的藩篱，将舞台的幕后、排练的枯燥、舞者的疲惫真实地呈现在画布上。这种对现实的关注和表现，是印象派的核心精神之一，也是他对艺术的巨大贡献。他揭示了美背后隐藏的努力和平凡。
对光影和色彩的创新运用： 虽然外行可能觉得色彩不够鲜艳，但德加对光影的捕捉是极其敏锐的。他能够通过微妙的色彩变化和笔触，表现出舞台灯光或室内光线在舞者身体和服装上的投射效果，营造出一种空气感和空间感。
总结来说： 《舞蹈课》之所以厉害，在于它打破了传统绘画的陈规，以一种全新的、更贴近生活的视角和构图，捕捉了舞蹈这项艺术背后真实而充满力量的瞬间。它不是描绘“看”起来很美，而是描绘“感受”到的美和力量。
2. 文森特·梵高（Vincent van Gogh） 《星夜》（The Starry Night）
外行可能觉得“丑”的点：
过于扭曲的线条： 天空中的星云、月亮和火焰般的柏树，都被粗犷、旋转的笔触扭曲描绘，显得杂乱甚至有些“疯癫”。
不自然的色彩： 深邃的蓝色和明亮的黄色、白色并置，色彩对比强烈，似乎不符合现实世界的颜色逻辑。
画面缺乏秩序感： 整个画面充满了动感和力量，但对于习惯了写实风格的人来说，这种强烈的视觉冲击可能难以理解为“美”。
柏树的形象： 画面左侧高耸的柏树，被描绘得像燃烧的火焰，形状奇异，可能被认为是不祥或怪异的。
为什么它很“厉害”：
情感的极致表达： 《星夜》最核心的“厉害”之处在于它是一种强烈的主观情感表达。梵高在圣雷米精神病院创作此画，当时的他是极度痛苦和孤独的，但同时又对宇宙和生命充满了敬畏和热爱。他不是在“看”星空，而是在“感受”星空，并将这种澎湃的情感通过画笔注入画面。那些旋转的笔触，就是他内心激荡的体现。
色彩的象征性和表现力： 梵高对色彩的运用早已超越了写实。他用蓝色的深邃象征着宇宙的神秘和浩瀚，用黄色的璀璨象征着生命的力量和希望。他将这些色彩并置，通过大胆的对比，营造出一种强烈的视觉冲击力，唤醒观者内心深处的情感共鸣。
对“内在真实”的追求： 梵高不是一个简单地模仿现实的画家，他更追求的是描绘“内在的真实”。他认为艺术家应该用自己的眼睛去感受世界，然后用自己的方式去表达。在《星夜》中，他描绘的不仅是夜晚的景象，更是他内心对宇宙、生命、死亡的思考和感受。柏树被描绘成火焰状，可能象征着连接天地、生命向上生长的力量，或者也是他内心燃烧的激情。
绘画语言的革新： 梵高的笔触极具个人风格，厚重、有力、旋转，具有一种独特的雕塑感和动感。这种笔触本身就成为了一种强大的表现手段，它赋予了画面生命力，让观者能感受到画家创作时的情绪和力量。他为现代绘画的表现主义打下了基础。
超越物质的灵性描绘： 在梵高看来，夜晚的天空不仅仅是黑暗，更是充满着生命力、神秘和神性。他将星辰描绘成旋转的光球，月亮也闪耀着独特的光芒，整个夜空似乎都在呼吸和律动。这是一种对自然界背后灵性力量的捕捉和描绘，是超越视觉的体验。
总结来说： 《星夜》之所以厉害，在于它将艺术家的内心世界和对宇宙生命的深刻感受以一种前所未有的视觉语言表达出来。它不是对现实景色的忠实记录，而是通过色彩、笔触和构图来传达一种强烈的情感和精神力量，成为表现主义的杰作。
3. 杰克逊·波洛克（Jackson Pollock） 《秋韵》（Autumn Rhythm (Number 30)）
外行可能觉得“丑”的点：
没有可辨认的具象形象： 整幅画作是一片“乱线”的纠缠，没有人物、风景或具体的物体，让人摸不着头脑，觉得是“泼上去的颜料”。
看起来很“随意”： 画面似乎没有任何章法和秩序，像小孩的涂鸦，甚至怀疑它是不是“一幅画”。
缺乏传统技法： 没有精细的笔触、没有明暗层次、没有透视，似乎违背了所有学过的绘画技巧。
为什么它很“厉害”：
开创性的“滴洒”技法（Drip Painting）： 波洛克是抽象表现主义的代表人物。他革命性的贡献在于他创造了“滴洒”或“泼溅”技法。他将画布平铺在地上，将颜料滴、洒、泼在上面，让颜料的自然流淌和重力来决定画面的走向。这是一种全新的创作方式，将艺术家的身体动作、创作过程和作品融为一体。
对“过程”的强调： 在波洛克的创作中，创作的过程本身就是艺术。他不是在“画”画，而是在“行动”画。他围绕着画布走动、跳跃、挥洒，身体的每一个动作都融入画面之中。这种对“行动绘画”（Action Painting）的探索，将艺术从一种静态的创造转变为一种动态的、表演性的行为。
取消了“正面”和“背面”的平面性： 传统绘画有明确的“正面”视点和构图中心。而波洛克的画作，无论从哪个角度看，都能获得丰富而复杂的视觉体验，它们被称为“全景式绘画”（Allover Painting）。画面没有中心，没有边缘，它创造了一个无限延展的视觉空间，让观者沉浸其中，成为绘画的一部分。
深层心理的表达： 尽管没有具象形象，但波洛克的作品并非完全随机。他相信通过潜意识的运作，艺术家的内心世界和情感能够通过线条、色彩和肌理直接传达出来。他的作品充满了张力、能量和节奏感，是一种对人类潜意识和原始生命力的探索。比如《秋韵》，虽然是抽象的，但许多人从中感受到秋日落叶纷飞、生命轮回的宏大景象和复杂情感。
改变了艺术的定义和边界： 波洛克的作品极大地拓展了我们对“绘画”的定义。他证明了绘画不一定要描绘看得见的东西，不一定要遵循传统的技法，也可以是一种纯粹的视觉体验和精神表达。他深刻地影响了后来的装置艺术、行为艺术等多种艺术形式。
总结来说： 《秋韵》之所以厉害，在于它是一种颠覆性的艺术创新。它通过全新的创作技法、对创作过程的强调以及对潜意识和生命力的表达，彻底改变了人们对绘画的认知，并将艺术推向了更广阔的领域，是20世纪最重要的艺术变革之一。
为何外行会觉得“丑”？
1. 期望与现实的落差： 外行通常对艺术有着来自传统教育、流行文化或大众媒体形成的“刻板印象”——艺术应该是美的、悦目的、描绘美好事物的。当面对打破这些期望的作品时，会感到困惑和难以接受。
2. 缺乏背景知识： 理解这些“厉害”的画作往往需要了解其产生的时代背景、艺术家的思想、所处的艺术流派以及其在艺术史上的革命性意义。没有这些知识，外行只能从直观的视觉感受出发，而这种直观感受可能与作品的深刻内涵相去甚远。
3. 审美惯性的阻碍： 人们普遍存在审美惯性，容易被熟悉和习惯的风格所吸引。当艺术家尝试新的表达方式时，需要时间来让观众适应和理解。
4. “看起来很容易”的误解： 对于一些“抽象”或“非传统”的画作，外行可能会觉得“我也能画出来”，从而低估了作品的价值。但他们往往忽略了艺术家在观念、情感表达、技法探索、历史语境等方面的深度思考和创新。
理解这些画作的“厉害”之处，需要我们打开思维，放下预设的审美标准，尝试去了解它们背后的故事和意义。艺术的魅力，往往就藏在那些最初看起来有些“奇怪”甚至“丑陋”的作品之中。
网友意见
2018.5.9 更新
好多人喜欢，就再更新一大波（其实我硬盘里保存了好多。。）
经网友提醒去掉了水印
加了编号，可以留言喜欢哪幅。我个人最喜欢16和22
-----------------------原答案-------------------------
珍藏了十多年的画家，中学时花光压岁钱买他的作品集，这些年安利了无数朋友，得到了高度一致的评价：
变态。
Zdzislaw Beksinski（1929 – 2005）
国籍：波兰
百度的话往往相关文章都伴随一个称谓
来自地狱的画家
国内网络最流行的一段介绍是这样的：
Zdzis?aw Beksiński 因车祸后脑部受到创伤深度昏迷了六周，在醒来前他一直陷入灰暗世界的幻觉，醒来后性情大变，开始创作这些稀奇古怪的画作，他自己称这是他被围于生死之间时看到的，死后的世界。
现实其实并没有网友美化后的那么浪漫，Zdzislaw Beksinski在二战的摧残下长大，没有车祸死而复生的地狱见闻，只有亲眼目睹的东欧的卡廷大屠杀、纳粹大屠杀，这也是众多学者所猜测的他作品中大量骸骨的灵感来源。细想来，到底哪一个说法更恐怖些呢
我要讲的是罗马尼亚青年画家Szabolcs Veres的画。这是我看过最丑的肖像，如果你熟知艺术史，那应该能看出为刷新丑的极限，艺术家借鉴了哪些先辈，以及他在处理质感、纹理、造型含混、色彩搭配等等方面的努力和研究成果。比起美来，丑真得更难表现。
高能预警
别翻了
真的
你
t
！
那就不得不说这一位了，就算你说德库宁，培根，佛洛依德他们，人家都是费尽心血，颜料都是拿钱堆起来画的。
可是这位，著名的Lucio Fontana。不说了，大家看吧：
“等待” 1960年 藏于伦敦泰特美术馆
空间概念 等待 1964
空间概念 1960
好了，后面的不写作品名字了，大概你们也都猜出来了。
觉得丑吗？其实可能丑是不至于的，但是这么划拉一下就完啦？
那等会再说，先看看划拉划拉牛逼不牛逼。还是拿银子说话，上面那张白色的佳士得拍卖纪录如下：
这张，还叫空间概念，1961年的作品，俗称月亮：
索斯比拍卖纪录2015年
我算数不太行，大家自己算算好了。
Fontana应该算是意大利人，具体生平作品介绍随便维基一下就知道了，我不搬了。但是话说这样的画（如果能算画的话）为什么这么牛？
我很喜欢BBC那个地中海艺术主编的话，他是第一个用最简单的方法打破平面的绘画和立体雕塑的艺术家。
不管你是觉得丑还是觉得匪夷所思，站在这样一幅作品面前只要有个开放平和的心态必然会产生一种好奇，好奇从这洞看过去会有什么，好奇洞的那一边是不是有什么在看着我们。洞的组合排列深浅程度色彩变化会让人对这个洞后面的东西有着不同程度洞遐想/瞎想。艺术作品引发观众的强烈感情，比如太美了太壮丽了太真实了太吓人了是一种牛逼；而一张作品能让观众瞎想一阵子的是另一种牛逼，是我更喜欢的牛逼。
“I make holes, the infinite goes through them, light passes through them, there is no need to paint…”
画家自己说的：我做了好些洞，无限穿越它们，光也穿越它们，没有必要再画什么了……
最后我对塔森这么出画册很有意见
他的作品印成平面了还有什么意思，至少做成小模型啊！
要不要关注下点个赞呢？
我的一些铅笔画不知道属不属于此范围之列
这是我十八岁时自学的素描，画了一个画家看了，觉得挺好，让我继续坚持。所以我就这么画下来了。
这是钢笔画
这些都是后来画的，我觉得还是18岁的时候画得好
这个是钢笔画《小b画家》，我觉得挺能表达艺术家的生活状态的，被武汉藏龙美术馆收藏了。
《星女》——失眠不是病，而是思想留下的吻痕。钢笔画
今天就发到这里吧
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感谢大家的抬爱，破五百了！
我再发几张以前的和近期的作品，以答谢各位知友
在上了四年大学之后，我已不是当初那个少年了。今天先发到这里吧
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今天续更：
随着基本功的加强，专业知识的提高，解剖，透视烂熟于心，技法的娴熟，但是我却很难回到当初的那种无来由，莫名的感觉中了，即使人生阅历，知识量的增加，也无法回到那个懵懂少年的状态了。
也许这就是知识带来的障碍吧。知识在帮助你了解这个世界，让你理性地看待事物时，人的那种天性也被驱赶出了伊甸园。知识成为了你的牢笼和枷锁。
那种无知无畏带来的感动，那种虽然不明所以，但是硬要用尽全力去追寻的感动和快意随着年龄的增长逐渐荡然无存。
于是我很长时间不再动笔了。让自己放浪一些，去追忆曾经的真挚。
画这张画的时候，我一开始不知道画什么，只是拿着铅笔在画面上方很无聊地画着一些莫名其妙的东西，很久没有动笔了，有些放不开，想寻找当初的那种感觉，又不敢抱太大希望。在这种磨洋工的状态中度过了一个多星期，直到画到画面超过一半的时候，我终于被这种无聊逼迫得快崩溃了，顺着这种状态画出了这一张画。虽然不太满意，但是多少找回了当初的感觉。
接着，我又画了这张一米六的钢笔画。
我对着画面不住地摇着头，不禁感慨：如今却忆江南乐，当时年少春衫薄。那个曾经的懵懂少年恐怕是再也找不回来了。
人到中年，难免油腻。那就画油腻的感觉吧，至少它是真实的，而且是有商业价值的。
这幅画刚画完，就被华中师范大学美术馆收藏了。
这幅也很快出售了
这些被收藏于武汉藏龙美术馆。
我创作了这幅《故国》。以追思那些逝去的美好的东西。
愿你出走半生，归来还是少年，这句话虽然美好，但是人不能两次踏进同一条河流。
虽然世事更替，但是真挚的东西却始终无法超越，他可以洞穿时空。再发几张18岁的作品，与当初那个稚嫩的我隔空对话吧。
画的名字是《梦》，出自画家德米特朗地之手，大概卖了1.56亿美元。
我不懂艺术，因此只发表个人看法，我必须要说一句，我感觉这幅画是对我智商的一种侮辱。
创造力？
抽象派？
极简主义？
Emmm……
我愤怒、不满，大吼大叫，狠狠拽掉皇帝穿的红色内裤，冲着大街上的人喊道：“他根本没穿衣服。你们是眼瞎吗？他根本就没穿衣服！”
“神经病……”
原回答：
喜欢西幻风格的画，包括怪物设定，对骨骼肌肉的扭曲等。发给闺蜜看，说是太恐怖，但觉得能凭空把一个怪物创造出来，真的很牛。
完整的结构，新颖的构思，超前的设计，无一不抓住了我的眼球。
国外崇尚冒险主义，早期的那些怪物，如今都被精挑细选，重新包装，变成了商业化的英雄。
很多年前，鳄鱼、牛头、机器人、龙女还是CG里常见的元素，现在已经上被用烂了。国内很多插画，都是很讨喜的，这也没办法，艺术本身就很难学，就业也不广，可能这些魔幻主义的图，发到网上去，会被家长保护协会的人举报。
在中国，恐怖基本就是跟鬼怪妖魔有关，所以设定的角色都很“人性化”，让你看得懂的恐怖。在CG发展比较好的国家里，游戏其实做得也都很好，例如韩美，更重视看不懂的东西。不需要靠经验去感受，只需欣赏其中的元素搭配，虚拟的怪物拥有真实感，这是最牛的地方。
艺术家们能直白地表达自己的想象力，同时创作的环境足够宽容，足够尊重，即使外行人看不懂，也有内行人给客观公正的评价，发现抄袭后果很严重，不只是罚款，还会身败名裂。
这样的环境，何怕出不了艺术家？
比如说丢勒的母亲。丑就是丑，但厉害也是真厉害。内行人可以看出来，外行人也可以看出来。艺术可以展现美也可以展现丑。但我不太同意用“外行人不懂”为理由来为失败的作品辩解
那必须是弗洛伊德的这副作品！
他所创作的这幅当时在世画家中最昂贵的作品——《沉睡的救济金管理员》
基本上99.999%的外行看了都会觉得丑！
满身赘肉、躺姿不雅，一般人在初看画时真的很难对其产生美感吧……
而就是这样一幅作品在08年时被拍出3364万美元天价，直接成为当时在世画家中最昂贵的作品。
那么这幅画的价值究竟在哪呢？
先来了解一下画家——卢西安·弗洛伊德。
听到这个姓是不是异常熟悉？
没错，他就是二十世纪最有影响力的思想家之一，著名心理学家西格蒙德·佛洛伊德的亲孙子。
被世人誉为「精神分析之父」的格蒙德·佛洛伊德，其代表作有著有《梦的解析》、《性学三论》等等，他对于人的本能、潜意识、自我本我状态等等的出色研究和理解，或多或少都影响着卢西安·弗洛伊德，使他在之后的成长中看人看物的方式和思维都远远细腻、犀利于常人。
在弗洛伊德所生活的20世纪，以杰克逊·波洛克为代表的抽象表现主义几乎占领了整个艺术世界，而他一直坚持着表现主义绘画，强调表现艺术家的主观感情和自我感受。
这种坚持让他成为了英国最伟大的当代画家之一。
也是在其祖父的影响下，让他具有剖析人类的内心情感和深层意识。
他最想要画的是，一个人真实的、隐秘的意识层面。
所以弗洛伊德喜欢画人，画古怪的、自然的、丑陋的人。
他曾说:“如果我把某人放入画中，我喜欢感觉到他们在那睡着了，或他们已经融入进去了，这样一来，画面看起来就不是那么养眼或令人愉悦了，但他们是在我的作品中的，而且我在记录他们。”
在这样的理念下，他所画的人像画具有一种直击灵魂深处的冲击力，也深深吸引了一大批死忠粉。
英国女王伊丽莎白二世就是弗洛伊德的头号粉丝。
而为了求得弗洛伊德为其作画，她足足求了六年之久，拜访了多达72 次之多。
最后，终于如愿以偿的女王把这幅弗洛伊德创作的肖像画存在了白金汉宫，至今仍是那里最知名的画作之一。
虽然画中的女王脸看起来臃肿丑陋，连下垂的眼角也毫无遮掩的刻画出来，当时引起了外界的质疑。
但伊丽莎白二世却亲自出来发声：
“弗洛伊德是当代最伟大的艺术家，他的艺术风格独一无二，他的每一笔、每一点，都是高贵的艺术结晶，在我眼里，它绽放出神圣和高贵的光芒，我只能深深地敬畏和崇拜，任何轻慢和不屑，都是对神圣艺术的亵渎。”
在画肖像画之外，他最爱的就是裸体画像了。
他曾说“就我而言绘画是人，我希望工作对我来说，像肉一样”。
所以他对肉体相当迷恋，以至于任何穿着了服饰的身体在他眼里都是不太正常的。
"我不要人们注意色彩，我要的是一种'生命的色彩'。"
再来讲回开头的画——《沉睡的救济金管理员》
这幅画中的女人现实中名叫苏·蒂利（Sue Tilley），是伦敦西区“就业求职中心”的经理。
“我从来没有称过体重，因为我忍受不了那种困扰。”这是她对自己的介绍，但是弗洛伊德却亲切地称她为Big Sue，并对她抱有很深的兴趣。
苏曾这么描述作为弗洛伊德模特的体验：“为了这幅画，两年里我只出去过三天，每个周末他都希望我在那儿，我不能去休假，因为我不能被晒黑，我不在的时候，他也不会画上哪怕一笔。”
“你看一个对象的时间越长，就越抽象，具有讽刺意味的是，更真实。”——卢西安·弗洛伊德
为了让画出的皮肤更具真实感，他用富有弹性的猪鬃笔代替较柔软的貂毛笔。
因为猪的毛蘸上厚的颜料后，涂在画布上时会产生更大的阻力，留下清晰的丝状笔触，这样画出来的皮肤就更接近于现实中的粗糙感。
同时让模特用一个自己最舒服的姿势坐着或躺着，可以闭上眼睛睡觉，因为他认为只有在最放松的状态下人们才会表现出真实的自我。
一切的一切只为追求“真”，这种画法之犀利能直接揭开人们身上的遮羞布，把内心深处最赤裸压抑的一面完完全全展示出来。
所以会有人在现场看过原作后，得出这样的评价——如果你近视，脱掉眼镜去看这幅画，会误以为那是个真人躺在那。
苏也曾评价：“这是我最喜欢的作品，假如我有钱的话，我一定会买下它。”
看到的是肉体，闭上眼睛却是情感 。
这就是最合适弗洛伊德的作品描述了。
最后再来欣赏一下他的其他作品吧：
这里是 @铅笔娘 ，不止聊画画，偶尔分享一些关于艺术的小事~
2018.6.22更新 关于此画究竟丑还是不丑 作者本人故意画丑还是本就如此 本人再也不会回复 大家自己感受 我理解的是基于他特殊的身世 因此认为他故意画丑 下面是百度百科的解释
八大由于他的特殊身世，和所处的时代背景，使他的画作不能像其它画家那样直抒胸臆，而是通过他那晦涩难解的题画诗和那种怪怪奇奇的变形画来表现。
他祖辈皆是书画名家 你说他不能画的和大多数人一样？ 反正我是不信 来源依然百度百科
其祖父朱多炡是一位诗人兼画家，山水画风多宗法二米，颇有名气。父亲朱谋觐，擅长山水花鸟，名噪江右，可惜中年患暗疾去世，叔父朱谋垔也是一位画家，著有《画史会要》。朱耷生长在宗室家庭，从小受到父辈的艺术陶冶，加上聪明好学，八岁时便能作诗，十一岁能画青山绿水，小时候还能悬腕写米家小楷。
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2018.5.17更新 评论区某人和我吵的不可开交 我澄清几件事
1.我从来没有不喜欢或者讨厌八大以及他的画 相反 我欣赏他清高孤傲的风骨 不与世俗同流合污的品质 而且正是这种品质 造就了他在绘画上极高的地位
为什么？就是因为他能画好 故意不画好 故意画丑 画的奇怪 和现实生活中的那些平庸的花鸟鱼划清界线 独立开来 于是他变得特殊了
我 真·不是想黑他 然而被误解了 导致了两场不必要的论战 给评论区两位道歉 挂了他俩 一时冲动……
2我不认为我语言表达有任何问题 难道有人看的时候都不加上一些思索嘛 看不出我的情感：（骂我的人 先做做此类语文阅读题吧 ：
请根据全文分析作者对于八大山人的感情取向？
看完在评论区回答我 可能会被挂起来哦！
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以下是原回答
八大山人
没有看到有人回答 我就来讲讲
首先，八大山人是一个人！一个人！一个人！
朱耷（dā），明末清初画家，中国画一代宗师。字雪个，号八大山人。
本来是个明朝皇族后代 但事实上 到他爸爸那辈的时候就开始靠卖画为生了
到他那时候 我们的大明王朝就灭亡了……灭亡了……灭亡了……
话不多说，直接入正题吧……
我们看看他的画作
《孤禽图》
哪里是审美？
分明是审丑！
白眼一翻表达自己对当朝统治者的蔑视（明被清所灭 他身为明皇家世系子孙 皇族的身份俨然变成鸡肋 面对明朝宗室格杀勿论的命令 他削发为僧）
只身一鸟 象征自己不与世俗同流合污的孤高
蜷缩着自己的身子 佝偻着背 更显示自己的独特 被现实寒风吹彻后 发自心底的寒意
再来看几幅吧
看了这几幅作品
是不是对他的画作有所了解了
它们都有一个共性
就是
都有
白眼！
这就是他独特之处……
尽管丑：）但我很独特
《伊凡雷帝杀子》
这幅画原名叫《1581年11月16日恐怖的伊凡和他的儿子》。
80年代，俄国全境因沙皇亚历山大 二世被刺而开始血腥屠杀，从而激起人民的愤怒和反抗，列宾打算表现这个时代的现实。
一 天，他去听俄国大作曲家里里姆斯基·柯萨科夫（Nikolai Andreivitch Rimsky-Korsakov，1844－1908）的交响组曲《安泰》第二部分《复仇的痛快》 ，得到启发，他说：“它给了我不可磨灭的印象，我想是不是能在绘画中体现我受音乐影响 而产生的情绪呢?
我就回忆起伊凡雷帝。
这些年相继发生了许多血腥事件，感到很可怕，但是有一种力量总是催促我去完成这幅画。”画家选择了这样一个情节精心描绘：伊凡雷帝在一次与他儿子争执时，用手中的笏杖猛掷过去，不幸击中儿子的头部，鲜血如注……这一偶然的暴烈冲动致使后继者送命，伊凡顿悟这绝后的可怕举动，立刻上前搂抱住垂死的儿子，睁大恐怖、悔恨交加的双眼，他想求儿子饶恕已无济于事，兽性和人性同时显示在伊凡的身上。为了增强画面的恐怖感，画家有意采用了深重的红色调。背景阴暗，以加强前景的恐怖气氛 。
红色的地毯，映出这幕血腥的击杀。画家集中刻画伊凡的瘦脸上，瞪着两只惊恐万状的大 眼珠，那种不可逆转的杀子之痛，预示着伊凡统治将临灭亡，也向世人展现残暴的沙皇注定失败的原因。
这幅画一问世就惹怒了沙皇当局，一位总检察官在给皇上的奏折上说：“画家偏以全部真实去描绘这事件，其用意究竟何在?为什么要画伊凡雷帝呢?除了某种倾向外，找不到别的理由 。”于是这幅画刚展出就被除去，严禁流行。
伊凡四世是俄国历史上第一任沙皇(沙皇即凯撒之意)，16世纪俄罗斯的专制统治者。
他生性 残暴，17岁时杀死握有实权的摄政王，自立为帝。曾毫不留情地屠杀所有反对他的政敌，镇 压叛乱、绞死主教，最终失手杀死自己的亲生儿子。
但是从历史角度看，他在统一和治理国 家等方面建有卓越功勋。这个政权是建立在恐怖基础上的，所以世称他为“伊凡雷帝”即“ 恐怖的伊凡”。列宾所处的时代，是俄国历史上最恐怖和最黑暗的时代。
曾经有位博主分享这幅作品时，有位网友调侃道：”不看介绍，我还以为他在啃食尸体呢“相信这也是很多人看到这幅作品的心理感受，无论是色调还是人物形象都让人感到非常不舒适。
但是这幅作品，有着极强的表现力，画面中的父亲矛盾、惊恐、悔恨、挣扎的心理表现的淋漓尽致。
据说这幅画因为太过震撼，在公开展出的时候，有人惊呼“血，血！”仿佛这一幕血淋淋地发生在眼前。
此件作品遭受过两次巨大的破坏，1913年，一个精神异常者用刀疯狂的在画上划了三个大口子。画完全被粗暴的蹂躏了，这一事件直接导致时任馆长自杀身亡。所幸当时列宾尚在人世，耗费12年修复这一画作。在这之后，画廊为此画加装了玻璃防护罩。
接下来在2018年5月5日，再度发生了一件骇人听闻的恶劣事件。一名叫波德波林的男子在看完《伊凡雷帝杀子》后，到画廊咖啡厅喝了100毫升的伏特加（其实也没多少），因为“从来不喝伏特加”，所以“有些神智不清”（呵呵，你接着编），随后他推开工作人员进入展厅，用金属防护栏打破玻璃展柜并疯狂的破坏《伊凡雷帝》
不得不说，这两件破坏事件也侧面反映了这幅作品相当厉害。
欢迎各位美术生来我圈子坐一坐，找到和你兴趣相同的小伙伴，共同努力，加油～
一条肥硕的女人大腿，竟然能被拍出近2亿天价？
相信大多数人都会对此感到震惊！？
就这？也值1.98亿港元？？？凭什么？？
而这幅画的作者就是西方公认为世界级的绘画大家——常玉 SANYU
常玉于1901年，生于四川一富商家庭，他的父亲是个书画迷，擅长画马，所以对于儿子喜爱艺术这一点自然是乐见其成，甚至不遗余力的支持。
1920年前后，常玉以留法勤工俭学的方式前往巴黎，而我们熟稔的徐悲鸿、林风眠亦在赴法习艺。
但和他们不同的是，我们的贵公子常玉没有去徐悲鸿所进的国立巴黎艺术学院，反而选择了与学院派风格迥异的“大茅屋画室”。
而且那时的他，潇洒闲散至极，衣着考究不说，日常最爱干的事情就是在咖啡馆里看《红楼梦》或者拉小提琴、登山、画画……用现在的话来说，那是相当的“小资”。
再加上兄长的经济支持，衣食无忧的常玉既不善理财也无心生财，绘画和享乐几乎构成了他生活的全部。但也因此，为他晚年贫困潦倒的生活埋下了伏笔。
其实常玉自幼艺术天赋卓越，年少时更是跟着世称“晚清第一词人”的四川名书法家赵熙习字学画，所以在20-30年代，常玉也是在法国画坛上拥有一席之地的。
但是极度任性洒脱的个性，让他无法勉强自己，所以，这之后的艺术之路，走得就不那么顺畅了。
举个例子来说，当年刘海粟成立天马会，常玉却认为天马会就是用来自吹自擂的，于是转头就与徐悲鸿、邵洵美、张道藩等人组成天狗会以嘲之。
再者，作为一个艺术家和画商打好关系，这是必然的吧？
但常玉不然！
有一次常玉和一位知名法国画廊老板见面，常玉不但拒绝卖画给他，甚至不让他踏入自己的工作室看画。
难道这人曾经得罪过常玉？结果常玉给出的理由却是：“我不喜欢他的长相”，还有“我才不要让我的画跟他住在一起”。
因此，即便是常玉的友人，对他的评价也是“一个很难了解的人”。
其实认真观摩常玉的画，便会发现，其实他并不难理解，他只是不愿委屈自己，只是想以自己喜欢的方式度过一生罢了。
“一切爱好是天然”，忠于自己的常玉，无论外界的喜恶，他一直只画他想画的。
他曾说过“关于我的作品，我认为毋须赋予任何解释，当观赏我的作品时，应清楚了解我所要表达的……只是一个简单的概念。”
所以哪怕兄长逝世，失去稳定经济来源，生活潦倒，他也不愿投其所好。
他曾说“欧洲绘画好比一席丰盛的菜餚，当中包含了许多烧烤、煎炸的食品以及各色肉类。我的作品则是蔬菜、水果及色拉，能帮助人们转换及改变对于欣赏绘画艺术的品位。当代画家们总带点欺骗地以多种颜色作画。我不欺骗，故此我不被归纳为这些为人接受的画家之一。”
就这样，一个我行我素、不媚世俗，骨子里带着傲气的贵公子——常玉，在本该大放光彩的最好时期被西方现实的艺术界抛弃了。
为了生计，他打过工，但即便穷困如此，他还是那个清高不羁的贵公子，宁愿把画送人也不愿卖给不喜之人。
而且手头再没钱，他也不愿舍弃艺术苦了眼睛，而是用仅有的一点钱来雇女模特，他说：“我就不能一天没有一个精光的女人耽在我的面前供养，安慰，喂饱我的‘眼淫’。”
诗人徐志摩便是常玉最忠实的粉丝，他将常玉裸女画中肥硕的下肢盛赞为“宇宙大腿”。
这就是常玉，一个对女人如痴如醉，饭都吃不上也要花钱请女模特的不羁贵公子。
一个始终遵从内心，把灵魂献给了笔下的动物、花与女人的巴黎浪荡子。
一个被誉为“中国式的莫迪利阿尼”的艺术大师。
虽然常玉的裸女大腿系列常常会引发很多争议，但是他的粉色系列就看起来纯真自然，恬静舒适。
而下面的这幅小象，则是常玉的最后一幅画，完成于1966年的夏天。
“1966年的夏天，常玉对好朋友达昂说：我开始画一张画。
达昂：是什么样的画？
常玉：您将会看到！
达昂：那要等到几时？
常玉：再过几天之后……我先画，然后再简化它……再简化它……
过了几天，常玉邀请好友达昂来观看。那是一只极小的画，在一望无垠的沙漠中奔驰。他用手指点着这只动物对达昂介绍：这就是我。
达昂后来回忆，说完这句话，常玉笑了，那是中国人特有的微笑。
这幅画叫做《奔跑的小象》，也是常玉最后一张画作。
当他用那种类似造物者的角度看着自己的时候，或许就像准备灵魂出窍一般，常玉在那个时候可能已经准备用过自己的方式完成他的作品、完成自己的一生、完成那美学的纯粹。” （引号内文字来自石浩吉、刘家蓉）
1966年，常玉因煤气泄漏死在了蒙帕纳斯工作室里。
彼时的他不知道，他那曾被成捆兜售，售价仅数百法郎的画作，却在半个世纪后，轰动了艺术圈，一幅画便拍出了近2亿的高价。
但我想，也许他即便知道了，也会淡然一笑，然后不羁的言道：万物静观皆自得，四时佳兴与人同。
----------11.20 再更新一波答案-----------------
看到评论里有朋友说，只是介绍画家生平没有仔细的去欣赏画面的线条/用色等等。
肥皂君想说对于这种本身偏抽象的画家，与其去扣他的单幅作品线条、颜色，这种分析方法会很像在做“看画理解”，反而有些硬解释的味道。（而且其实我在11.18的更新中有简单分析过）
个人认为传递画家的生平和精神倾向，是一种更好的理解作家画作方式，会让你明白会什么他会这样创作？他的创作信念是什么？
最后还是要强调，欣赏画是一件很主观的事，真的不要有那么多条框约束。你觉得被画面中的颜色、情绪、画家的思想所打动就可以无条件觉得美，反之也可以说不喜欢，轻轻松松的随心所欲就好。
--------------11.18更新一波答案--------------
评论里有很多朋友在争论，像这样的儿童涂鸦般的画到底好不好有什么价值？
肥皂君想说，首先绘画、审美都是主观的，不存在一个唯一正确的答案，这也是我们多年接受一些教育后，养成的一个思维弊端，非黑即白，有对错之分。而在艺术家的世界里，有时候真的没有那么复杂，它就是一种尝试一种突破，至于能否被历史铭记那也是后人的加工，时代印象的选择。（至于人为的价格炒作，市场营销不在本次讨论的范围之内）
常玉的画简单、抽象，很多就觉得他是不是水平不行？画这些东西糊弄人的？
其实并不然，常玉早年是学传统书法字画出身，传统功底十分扎实。
30岁出头的他，当年就已经出现在法国出版的《当代艺术家生平字典》中，可见其艺术成就。
他的人像速写也受到中国韵味的影响，尽量摸索东方的韵味。
而其油画作品的观感却近乎水墨写意画，极富东方情调，画面意蕴悠长。
但画中的形与色之构成，却是基于西方现代造型的观念，这些尝试都是需要扎实的基本功做辅助的，否则真的让孩子新手涂鸦，还真的画不出他作品中的意境味道。
这种前卫的尝试便是当时的绝无仅有，也因为他的这种特殊尝试不被世人所接受，艺术道路十分孤独，后半生穷困潦倒。
在常玉的裸女人像中，由于自己喜爱摄影，大胆尝试摄影机的广角镜头方式，夸大臀部与大腿的比例。尝试用一种简约、抽象甚至带点幽默调侃的风格，来表现自己心目中女体的独特魅力。
最后再提一嘴，对现代人来说中西合璧似乎已经是一种司空见惯的小点子，但对于当时的世界这样一种新型的创作理念还是比较珍贵的，特别是随着后期各种先锋思潮的碰撞愈演愈烈，常玉的价值才被大家放大，包括我们80年代中国的文学界也曾爆发过这种类型的小说创作，感兴趣的可以去搜搜看，保证你看完也是“这是个什么玩意”。
当一种艺术形式经过数百年的发展后，势必会遭遇瓶颈。
了解过西方艺术史的同学就会知道，画风、流派上的变迁实在是太多太多了，前半段画家们集中在对画材、颜料、写实、透视等等方面做写实的努力（主要是为了贵族的需求作画），后半段这种技艺纯熟后，再加上人性的不断发展，一些不在乎画画用来赚钱的画家，就尝试在画面中加入画家自己的精神诉求，比如说对人性丑陋的揭露、人与人之间的距离感、当然也可以像常玉这样对写意的极端追求。
敢于尝试突破传统并形成自己独到成体系的绘画理念的艺术家就非常值得人钦佩。如果我们看不懂，也可以保持尊重。
如果内容对你有用，可以【点点赞+关注】哟！ @蓝铅笔肥皂君
希望有更多的朋友能顺利升级，走出绘画新手村~
莫奈的《临终前的卡米耶》
追光者莫奈，一生都在追寻光！前段时间还想弄一幅挂在家里面，但确实有些恐怖，家人也不理解就算了。相比梵高先生的浪漫和无人赏识，更多喜欢莫奈的人可能是因为他的深情吧。上图中的卡耶米是莫奈的第一任妻子，相伴十七年。最后临终前卡耶米快要走了，莫奈没有紧握她的双手和她告别，而是用画笔画下了她临终前的最后一幅画。刚刚说莫奈是追光者，因为他是连作法的创始人。莫奈画画会在湖边摆放许多副画架，然后画的都是同一副作品不同的时间段。因为不同时间段的光是不一样的，所以莫奈的好多作品都是一样的，但是光线不一样，所以他是追光者莫奈。他在她妻子临终前留住了她脸上的最后一束光，也在这幅画上留下了他一生所有画中签名的唯一一颗爱心❤
这幅画现在存放于巴黎奥赛美术馆，喜欢的朋友可以去看看。
这是莫奈画的另一副卡耶米和他的孩子，我有打算把这幅画弄到家里的玄幻墙面上，然后把莫奈留有爱心的签名移到这幅画上，这样就相对美观一点。在家里看见了就会时时刻刻的提醒自己要做一个深情的人！
在去巴塞罗那 毕加索博物馆之前，我明白去看毕加索的画，要做好心理准备，没想到整个观展过程还是愉快，从 早期作品 到 蓝色时期、粉红色时期，甚至立体派时期，我都觉得不愧是毕姥爷，真的牛X，直到我来到这一组画面前：
？？？？
？？？？
？？？？
？？？？
这是什么鬼？？
…
…
怎么这么丑，还莫名地好眼熟。
一看名字：
Las Meninas
嗯，好像哪里听过？
再看旁边的画，也莫名一致
一拍脑袋，原来这不就是《宫娥》嘛，委拉斯奎兹（Diego Velázquez）的大作，但原作不是这个样子的吗？：
看看咱们的德雷莎小公主，原作中是这样的：
在毕加索笔下，是这样：
这样子：
这样子：
真心受到了冲击…
毕姥爷牛逼，但这个真的欣赏不能了
馆内不允许拍照，图片都源自网络
有个博物馆的名字叫MOBA（museum of bad art）
它有自己的一个宗旨：
歌颂那些无法通过其他渠道得到认可
和没有展示机会的艺术家的劳动成果。
博物馆目前一共有400多件藏品，
其中每25件到35件作品会轮换展出，
每一件作品都要达到让人觉得“Oh My God”的程度
这幅画是不是和“皮皮虾我们走”特别像，
感觉这就是“皮皮虾我们走”的原型。
MOBA博物馆的出现有个小故事
创始人斯科特·威尔逊是一个古董商，
1994的一天他在垃圾箱旁边捡到了一幅油画。
回去之后，他向朋友展示了下边这幅画。
最初朋友建议可以举办一个特殊的展览。
邻居们提供家里一些碍眼的艺术品和画作。
没想到第一次展览就大获成功。
得到了邻居的认可和行业内人士的支持。
随后糟糕的艺术博物馆就开始扩大展品范围。
很多人都向艺术馆捐赠不符合审美的作品。
波士顿当地一家剧院更是提供了一个地下室，
让他可以经常地为城市提供这样的艺术展览。
而大部分作品的作者、时间等信息都不详，
因为他们大多是被遗弃的作品。
MOBA收藏成熟艺术家的失败作品，
或是默默无闻小画家的作品
这些作品有的色彩诡异，有的结构混乱。
但是MOBA却要经常接待大量的观众。
甚至在他收入可怜的时候，
还是开了两家分馆。
馆长经常说，
世界上每一个城市，
至少都会有一家博物馆，
来展示优美艺术品的精华，
MOBA则是唯一家收藏收集，
最糟糕艺术品和展示艺术品的博物馆。
MOBA对藏品的要求就是必须为原创，
具有严肃的主题，
但是必须有严重的缺陷，
而非平淡无奇的作品。
波士顿非常规旅游项目都会把MOBA列入其中，
一些国际性的报纸专题都介绍过MOBA，
这给其他国家行业内很多启发。
这样一个毫无学术意义和审美需求的博物馆，
它的存在意义在哪？
德国一家媒体的评论给出了答案：
艺术品其实没有严格意义上的好与坏，
一个人眼中的垃圾，
在其他人眼里也许就是无价之宝。
这座博物馆的很多作品，
在观者眼中也许丝毫不逊色于大师的作品。
即使是最糟糕至极的作品，
也是能让我们体会到真实情感，
和他们想创作传世作品的愿望。
即使不成功同样包涵了作者的诚意，
同样是能给我们带来启发和深思的。
这样一个博物馆，
包括创始人的心态，
给我们更多的启发。
世界上其实展示成功艺术品的博物馆和美术馆非常多，
而珍惜失败尝试展示的地方，
只有这个博物馆唯一一家。
大家在平常生活中，
除了去观察那些符合审美需求的东西之外，
也可以去关注一些在审美上有些挑战性的，
你从它的内容和作品中，
也是可以看到创作者的一个诚意和真心所在，
希望我们的听众有机会去参观一下这个博物馆。
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