为什么中央美术学院会允许葛宇路这样的学生毕业？
1. 学院的教学目标与评价体系：
综合素质的考察： 美院的毕业评价从来不是单纯的技术技能比拼。它更看重学生在观念、思考、表达方式、对社会议题的介入能力，以及其创作背后的逻辑和价值。葛宇路的作品，无论你怎么评价，都具有强烈的观念性和对现实的介入性。
“行为”本身作为艺术： 葛宇路将自己的“行为”——命名、改造、公开展示——本身当作艺术创作。这种“行为艺术”或“社会介入艺术”在当代艺术语境中是成熟且被广泛认可的创作手法。学院在评价时，也会参考当代艺术的评价标准，而非仅仅停留在传统的绘画、雕塑等技法层面。
“过程”与“结果”的辩证： 葛宇路的整个“命名”过程，包括他如何与城市管理者周旋、如何让自己的行为被大众关注、如何引发讨论，这些都是他作品的重要组成部分。学院可能看到了他在这个过程中的思考、策划、执行能力，以及他对社会规则和认知边界的挑战。
毕业论文/设计的要求： 即使是行为艺术，也需要有理论支撑和过程阐述。葛宇路的作品背后，必然存在一篇（或多篇）论述其创作动机、方法、意义的毕业论文或创作报告。学院的评价体系会包含对这部分内容的审核，考察其学术性和思想性。
2. 葛宇路作品的社会语境与影响力：
“命名”的权力与意义： 葛宇路的行为触及了“命名权”、“地名管理”、“个人身份与公共空间”等一系列深刻的社会议题。他的作品不是空穴来风，而是与我们身处的城市化进程、身份认同焦虑、官方话语体系等紧密相连。
媒体的放大效应： 葛宇路的作品在网络上引起了巨大的关注，并被媒体广泛报道。这种广泛的社会讨论和传播，本身就是其作品价值和意义的一种体现，也给学院的评价带来了一定的外部影响。学院在评价一个作品时，也无法完全忽视其产生的社会影响和引发的讨论。
对“体制”的挑战与反思： 葛宇路的“无中生有”式命名，在某种程度上是对现有城市管理和地名命名规则的一种“戏仿”和“解构”。学院作为培养艺术人才的机构，也需要关注对现有体系的批判性思考和实验精神，这是艺术院校保持活力的重要因素。
3. 学院在“边界”上的考量：
艺术与生活的界限： 葛宇路的作品模糊了艺术创作与日常生活、艺术行为与社会事件的界限。这正是许多当代艺术作品所追求的。学院是否会因此否定他，还是将其视为一种成功的跨界实践？这取决于学院对“艺术”本身的定义和容忍度。
“恶搞”与“创作”的区分： 这是一个关键点。学院需要判断葛宇路的“行为”是否仅仅是“恶搞”，还是包含有艺术的思考和表达。如果学院认为其中有值得肯定的艺术价值，那么即使其手法 unconventional，也可以被接受。
“犯错”与“学习”： 艺术创作往往伴随着试错。学院可能认为，葛宇路的行为虽然可能带来一些争议，但他的整体创作理念和过程展现了其作为艺术家的潜力。毕业，不代表其创作生涯的终结，而是对其学习过程的一个阶段性总结。
4. 学院作为“知识生产”和“文化孵化”的场所：
探索与实验： 艺术院校的使命之一就是为青年艺术家提供一个可以探索、实验、甚至“犯错”的空间。如果一个院校只奖励那些符合既有范式、安全无争议的作品，那么它就很难成为真正的艺术策源地。
“争议”也是一种价值： 有时候，“争议”本身就是一种价值，它能引发更广泛的思考和讨论，推动社会文化进步。学院在处理葛宇路这样的案例时，也会权衡“稳定”与“创新”之间的关系。
对“艺术家”身份的认可： 学院最终是授予“艺术家”的称号。他们可能认为，葛宇路通过他的行为，已经展现了作为一名艺术家的特质——敢于质疑、敢于行动、敢于表达。
总而言之，中央美术学院允许葛宇路毕业，不是因为他的行为“无懈可击”，也不是因为他的作品“完美无缺”。更可能的原因是：
学院看到了他作品背后深刻的观念和对社会议题的介入。
学院认可了其“行为艺术”或“社会介入艺术”的创作方式。
学院考察了其创作的理论支撑、过程策划和执行能力。
学院在评价一个作品时，也考虑到了其产生的社会影响和引发的讨论。
学院作为一个艺术教育机构，具有对“边界”的探索和对“创新”的包容性。
这件事情，与其说是学院“放水”或者“纵容”，不如说是当代艺术教育在面对新兴的、非传统的艺术形式时，一次对自身评价体系的审视和调整。葛宇路的毕业，标志着艺术院校开始更开放地接纳和评价那些挑战传统、触及社会现实的作品。
网友意见
蟹邀
问题是真的反智，不过假如只一味地喷楼主“艺术素质差”“格局太小”，不去解释为什么的话，对理解这个问题也毫无帮助，只会助长人们“艺术家都是在装逼”的偏见。
反正对很多人的艺术反智我也习惯了……
这个问题想讲清楚其实并不难，那就是：当代艺术早就脱离了追求“实用”，追求“唯美”，追求“写实”的阶段，而是变成了有某种实验和探索性质的东东。
而普通人如果想要简单地理解当代艺术，其实可以暂且把它约等于“创新”这件事本身：既在表现题材上创新、在表现手法上创新，在表现目的上创新，以至于在“什么是艺术、艺术该探索什么等等”这些概念本身上上创新。这些探索归结到最后的最后，就变成了大家都在追求一个“还有这种操作？！”的点子。
但光有点子也不灵，你还需要用一个非常妥帖，合适的手法把这个点子表达出来，通过精心地设计，把这种奇妙的感觉准确地传达到他人心中。
过去的艺术家用小笔刷抠权贵脸上的细节，抠了几百年，题材还是那些老爷和贵妇，耶稣圣母，苹果红酒，顶多在磨皮的技巧上有革新，从美图秀秀1进化到美图秀秀5，很少想想我们除了老爷太太耶稣圣母苹果红酒还能画点什么。
以至于但凡少画了点老爷太太耶稣圣母，多画了点“劳动人民”“市井百态”“自然风情”的画家，或者不磨皮了咱们点彩咱们模模糊糊画个印象吧，就好评如潮，成了革新派乃至革命派（不止在社会主义国家，在欧美画界也有这个趋势）。
但这些东西跟当代艺术的探索相比，步伐实在是太小了。
当代艺术家，往往在不停地追问自己：
除了这个我们还能表达什么？
我们是不是只能表现美人、美德、美景、美食，我们可以不可以表现丑？
我们除了美和丑，还能以什么为题材？
天地人兽，早已不新鲜了，我们能不能表现人的精神？我们能不能传达情绪？我们能不能讲明白一个人生观点或政治观点？我们能不能在一件作品里表达时间和空间？
我们除了能在画室，在画板上创作外，还能在哪创作？
我们能不能在地上、在天上、在水里、在风中、雨中、街上、楼上、在整片田野、整个地球、在显微镜下、在人体内外……创作？
我们除了用画笔，用泥土金石，还能用什么来表达？我们能不能用水、用沙子、用空气、用垃圾、声音、语言、文字、对话，甚至用空间、用时间、用我们人类自己、用我们的行为本身、用我们的一生经历，来创造？
这本身对思维力和创造力就是一种锻炼。
所以回到题主的问题，就很简单了：学校出这样的题，就是在考察学生的创新思维，或者说脑洞，看谁能想出一个绝妙的点子。而且这还不是一个，而是一口气要想十个，还得是在不破坏公共秩序，不妨碍他人的基础上。列为看官，要不要先试试抛开什么艺术不艺术的事儿，也来做做这道题，看看自己能想出几个好点子？
再看看想出一个好点子是不是很容易的事？
你可能会发现想了半天你也只能想出几个诸如：贴传单、印通缉令、编造传闻、当街采访之类的老套点子。
或者立刻晋级为当众骚扰、随地涂鸦、破坏设施之类的恶劣行径。
如何有新意地传播自己的名字，同时又低调不着痕迹？想出这样的点子，也是需要天马行空的想象力，出其不意地思维和对日常生活的深刻感受、洞察和理解的。
从这个角度想，葛宇路的点子是不是刚好地达成了“让人记住自己的名字”的目的，同时手段也是别人没尝试过的？
当然有探索就有失败，当代艺术中确实有很多失败的作品，有些作品词不达意，牵强附会，并没有好好地表达出作者想表达的东西。但至少葛宇路这个作品，无论是对给定主题的诠释，手法新巧，还是思想意义上，我觉得都是不但合格而且精彩的。
我们抱怨了几十年中国人没有创造力这件事，但当我们真的直面创造力的时候，内心却往往充满恐慌。
我们不能理解，也不愿去理解创新，而是绞尽脑汁要给这些事一个“有什么用”的解释。如果没有这样的解释，我们的内心就无比的不安。
不如想想：
我们做了12年“无用”的五三黄冈王后雄，有什么用？
我们弹了十几年“无用”的拜厄哈农巴赫车尔尼大小汤，有什么用？
你不做没有实际功用的数学题，能去真的解决有实际意义的数学问题吗？
你不弹没有欣赏价值的练习曲，能真的去弹有艺术价值的名曲吗？
同样，创造力不是无中生有，更不是不练习不实践就信手拈来的。
如果你弹琴做数学题都不是一口吃成的胖子，那么艺术家也不是。
不过，假如现在仍然要追问我闻名全校的十个点子这样的创作题目“有什么用”，这个问题仍然有答案。
请试想一下以下情境：
- 假如你现在是某个公司的活动策划，现在公司要你举办一系列推广活动，要在一个星期之内，让公司的名字闻名全城，要求点子不落俗套还不惹人反感，你能想出什么办法？
- 假如你现在是个广告导演，要用10个全新而且不同的思路拍成广告去呈现你们的产品，你能有多少种办法？
- 假如你是个游戏设计师，要给一个博物馆做几个现场小游戏，能让观众在一小时内对馆内藏品有比较详尽的了解，你能想出什么点子？
再回头想想，这样的题目没有用吗？这样的才能没有用吗？
为何很多人对当代艺术的误解很深？
就像前面说的，有探索当然就有失败，当代艺术必然会存在一些失败品，而这些失败品还没有被淘汰，留存于世，导致世人很容易看到当代艺术中存在的糟粕，从而得出“当代艺术都是垃圾，不如古代艺术”的印象。其实仔细想想，任何时代的艺术都有大量糟粕，假如有机会去欧美一些二三线的不知名美术馆，或者“失败艺术博物馆”，就能看到过去一些水平不高的美术作品存世，让你感叹古人也不都是那么地会画画，只不过越远的时代，糟粕越被淘汰的差不多了，留下来的都是精品，可以供人放心大胆地膜。
所以也是建议想要了解现/当代艺术的人，去几次MoMA古根海姆什么的，那里会放一些相对来说经过筛选，公认评价比较好的作品。这些地方当然还是会有让人看不懂的作品，但很少会遇到让人作呕的作品。观众当然也会批评现/当代艺术，但多是关于作品本身点子好不好，表达好不好的争论，而不是“我看不懂的就是垃圾”的谩骂。
我们自己国不是没有好的当代艺术，只是没有一个给好的当代艺术背书的场馆和环境，所以好艺术总是和烂艺术混在一起，良莠不齐。也导致了我们在国内如果一不小心误入当代艺术展区，有时就容易看到一些矫揉造作，水平不高的作品，真正精彩的东西也被埋没了。让当代艺术在人民大众心中植下了很深的偏见和误解。
最后，如果你是一个外行，去艺术馆，不知道该如何理解这些展品，如何理解当代艺术，我也教你一个最简单的心态：好玩。
我们的同胞可能是生存压力太大了，所以看什么都是一副“这个能不能拿来发电”的心态，生活太沉重紧张了，所以很难找到那种“放松”“有趣”“奇妙”的状态，这也直接导致了他们没法和那些奇妙的点子发生共鸣。
但假如你还是想要去试着理解为什么当代艺术是当代艺术，我首先建议你拿出这样的心态：这有什么？好玩有趣就行了！
玻璃插在沙子里，玻璃的断层显示出了沙子好看的纹路，好玩！
用共振让一盆液体出现从没见过的波纹和震动，新奇！
一副狂躁的笔触和喷溅组成的油画，让我莫名地一阵兴奋和焦虑，有意思！
艺术家居然用报纸和洗衣机的滚筒做出了一个黑洞！
用废旧灯泡模拟花朵做成盆栽，把家具拆掉插进柜子里再喷上漆，形成的图案还蛮好看的，我也可以在家里试试！
艺术家带来了几万件自己母亲生前积攒的破烂，整整齐齐地摆在展厅里，真让人震撼！让我也想起了我的老母亲，心理还有点小感动。
很多艺术家往往不是正襟危坐端着架子在做艺术，他们比一般人更放松，用一颗柔软、天真、敏捷、甚至逗比和玩世不恭的心在洞察世界。他们也并不希望你一脸高深但不得要领的膜拜他们。 像个孩子一样惊叹，处处觉得好玩、刺激、奇妙、有趣儿！有了这样的心态，你就算是对现/当代艺术入门了。
欣赏现/当代艺术，最怕的就是那种腆着肚子一本正经地认为我这是在膜拜艺术，在提升逼格，现/当代艺术不明觉厉回去我要跟人吹逼的人。结果一通瞎膜，膜了半天发现没什么好膜的就开始咒骂艺术。
如果看什么都是一副扑克脸：这TM什么玩意？！这TM又是什么玩意？！这TM有什么用？！
这样的人生，多无趣啊！
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