为什么流行音乐的混音会是越来越干？
流行音乐的混音越来越“干”，这并不是一个绝对的、一成不变的趋势，但确实是近些年来一个值得注意的现象。这里的“干”通常指的是在混音中对混响（Reverb）和延迟（Delay）等空间效果的使用相对克制，使得声音听起来更直接、更“贴耳”，缺乏一些传统录音中常见的“空气感”或“现场感”。
要理解这个变化，我们需要从几个方面入手：
1. 音乐制作技术的演进与普及：
数字音频工作站 (DAW) 的强大与易用： 现代的DAW软件（如Pro Tools, Logic Pro, Ableton Live, Cubase等）提供了极其强大的处理能力。它们集成了各种效果器，并且使用起来比过去模拟设备要方便得多。混音师可以非常精细地控制每个轨道上的效果。
插件的泛滥与精细化： 各种高质量的混响和延迟插件层出不穷。这使得混音师拥有了前所未有的选择。然而，也正是因为选择太多，有时反而会让一些人倾向于“少即是多”的原则，避免过度使用，以保持声音的清晰度。
“干声”录音的便利性： 随着数字录音技术的进步，在安静的环境下录制非常干净、没有底噪的人声和乐器变得更容易。这为混音师提供了更纯净的原始素材，也减少了对大量混响来“掩盖”或“塑造”声音早期瑕疵的需求。
2. 聆听环境的变化：
耳机和桌面音箱的普及： 如今，大多数人听音乐的主要设备是耳机、蓝牙音箱、电脑音箱，而不是专业的监听音箱室或大型HiFi系统。这些设备往往在低频响应上有所欠缺，并且无法很好地呈现立体声场的深度和宽度。
耳机对混响的敏感性： 在耳机里，声音的细节会被放大，包括混响的微妙之处。如果混响设置不当，很容易让声音听起来模糊、浑浊，甚至有“晕”的感觉。为了在各种播放设备上都听起来不错，混音师可能会选择减少混响，以保证在耳机里的清晰度。
“私密性”的聆听体验： 耳机提供了一种非常个人化的、沉浸式的聆听体验。在这种模式下，音乐似乎是直接“塞进”你的耳朵里的，而不是像在演唱会或大型音乐厅那样，声音在空间中传播给你。这种“近距离”的感受，自然会让人觉得混音“更干”。
3. 音乐风格与审美趋势：
电子音乐的基因： 许多现代流行音乐的根源与电子音乐、舞曲、嘻哈等风格紧密相连。在这些风格中，清晰的节奏、强劲的低频和干净的人声往往是重要的元素。混响和延迟的使用通常是为了增强节奏感、创造空间但不会模糊主旋律。
“现代感”与“力量感”的追求： 许多制作人认为，减少混响可以使声音更具“力量感”和“冲击力”。声音没有被空间的“稀释”，能量直接传递给听众。这尤其体现在鼓组和人声上，希望它们听起来“ punchy”且“in your face”。
人声在流行乐中的核心地位： 流行音乐的核心往往是人声。为了让歌唱者的情感和演唱细节更加突出，混音师会不遗余力地让主唱的声音在混音中“脱颖而出”。过多的混响很容易将人声“推”到背景里，使其失去应有的穿透力和情感表现力。
“伪播客”或“录音室”的即视感： 有时，听起来“干”的混音会让人联想到近距离录制的语音，比如播客或一些采访。这种声音传递的是直接的信息和情感，而非现场的氛围。在某种程度上，这种“近距离感”可能被视为一种“真实”或“专注”的表现。
4. 技术与成本的考量：
后期处理的易变性： 如果在混音阶段加入了很多混响，那么后期进行母带处理或适应不同播放平台时，再想将其“收紧”就变得困难。而“干”的素材则有更大的灵活性，可以在后期根据需要添加或调整空间效果。
标准化与“安全牌”： 在一个竞争激烈的音乐市场中，制作人和混音师也需要制作出在各种播放环境中都能相对稳定、清晰地传达音乐内容的成品。减少混响是一种相对“安全”的做法，能降低在某些播放设备上出现不佳听感（如声音模糊、空间感过大）的风险。
举例说明：
你可以对比一下 70 年代或 80 年代的一些经典录音，比如 Queen 的歌曲，里面通常会用到大量的大空间混响，营造出恢弘、史诗般的听感。而再听听当今的一些主流流行歌曲，比如 Billie Eilish 或 Dua Lipa 的作品，你会发现人声非常靠前、清晰，鼓组的敲击感很直接，即使有混响，也通常是短促的、用来勾勒轮廓而非营造空间。
并非绝对，只是趋势：
当然，这并不意味着所有现代流行音乐都“干”得可怕。优秀的混音师仍然懂得如何运用混响来创造深度和空间感，并且会根据音乐风格和歌曲的情感需求来做出判断。一些风格（如一些后摇、氛围音乐）依然大量使用混响。但就整体的“主流”流行音乐而言，“干”一些、更“贴耳”的混音风格确实是近年来一个显著的特征。
总而言之，流行音乐混音越来越“干”，是技术进步、听众聆听习惯变化、音乐风格演变以及制作人审美趋向共同作用的结果。这是一种为了在现代传播媒介和主流审美下，最大化声音的清晰度、冲击力和情感直接性的选择。
要理解这个变化，我们需要从几个方面入手：
1. 音乐制作技术的演进与普及：
数字音频工作站 (DAW) 的强大与易用： 现代的DAW软件（如Pro Tools, Logic Pro, Ableton Live, Cubase等）提供了极其强大的处理能力。它们集成了各种效果器，并且使用起来比过去模拟设备要方便得多。混音师可以非常精细地控制每个轨道上的效果。
插件的泛滥与精细化： 各种高质量的混响和延迟插件层出不穷。这使得混音师拥有了前所未有的选择。然而，也正是因为选择太多，有时反而会让一些人倾向于“少即是多”的原则，避免过度使用，以保持声音的清晰度。
“干声”录音的便利性： 随着数字录音技术的进步，在安静的环境下录制非常干净、没有底噪的人声和乐器变得更容易。这为混音师提供了更纯净的原始素材，也减少了对大量混响来“掩盖”或“塑造”声音早期瑕疵的需求。
2. 聆听环境的变化：
耳机和桌面音箱的普及： 如今，大多数人听音乐的主要设备是耳机、蓝牙音箱、电脑音箱，而不是专业的监听音箱室或大型HiFi系统。这些设备往往在低频响应上有所欠缺，并且无法很好地呈现立体声场的深度和宽度。
耳机对混响的敏感性： 在耳机里，声音的细节会被放大，包括混响的微妙之处。如果混响设置不当，很容易让声音听起来模糊、浑浊，甚至有“晕”的感觉。为了在各种播放设备上都听起来不错，混音师可能会选择减少混响，以保证在耳机里的清晰度。
“私密性”的聆听体验： 耳机提供了一种非常个人化的、沉浸式的聆听体验。在这种模式下，音乐似乎是直接“塞进”你的耳朵里的，而不是像在演唱会或大型音乐厅那样，声音在空间中传播给你。这种“近距离”的感受，自然会让人觉得混音“更干”。
3. 音乐风格与审美趋势：
电子音乐的基因： 许多现代流行音乐的根源与电子音乐、舞曲、嘻哈等风格紧密相连。在这些风格中，清晰的节奏、强劲的低频和干净的人声往往是重要的元素。混响和延迟的使用通常是为了增强节奏感、创造空间但不会模糊主旋律。
“现代感”与“力量感”的追求： 许多制作人认为，减少混响可以使声音更具“力量感”和“冲击力”。声音没有被空间的“稀释”，能量直接传递给听众。这尤其体现在鼓组和人声上，希望它们听起来“ punchy”且“in your face”。
人声在流行乐中的核心地位： 流行音乐的核心往往是人声。为了让歌唱者的情感和演唱细节更加突出，混音师会不遗余力地让主唱的声音在混音中“脱颖而出”。过多的混响很容易将人声“推”到背景里，使其失去应有的穿透力和情感表现力。
“伪播客”或“录音室”的即视感： 有时，听起来“干”的混音会让人联想到近距离录制的语音，比如播客或一些采访。这种声音传递的是直接的信息和情感，而非现场的氛围。在某种程度上，这种“近距离感”可能被视为一种“真实”或“专注”的表现。
4. 技术与成本的考量：
后期处理的易变性： 如果在混音阶段加入了很多混响，那么后期进行母带处理或适应不同播放平台时，再想将其“收紧”就变得困难。而“干”的素材则有更大的灵活性，可以在后期根据需要添加或调整空间效果。
标准化与“安全牌”： 在一个竞争激烈的音乐市场中，制作人和混音师也需要制作出在各种播放环境中都能相对稳定、清晰地传达音乐内容的成品。减少混响是一种相对“安全”的做法，能降低在某些播放设备上出现不佳听感（如声音模糊、空间感过大）的风险。
举例说明：
你可以对比一下 70 年代或 80 年代的一些经典录音，比如 Queen 的歌曲，里面通常会用到大量的大空间混响，营造出恢弘、史诗般的听感。而再听听当今的一些主流流行歌曲，比如 Billie Eilish 或 Dua Lipa 的作品，你会发现人声非常靠前、清晰，鼓组的敲击感很直接，即使有混响，也通常是短促的、用来勾勒轮廓而非营造空间。
并非绝对，只是趋势：
当然，这并不意味着所有现代流行音乐都“干”得可怕。优秀的混音师仍然懂得如何运用混响来创造深度和空间感，并且会根据音乐风格和歌曲的情感需求来做出判断。一些风格（如一些后摇、氛围音乐）依然大量使用混响。但就整体的“主流”流行音乐而言，“干”一些、更“贴耳”的混音风格确实是近年来一个显著的特征。
总而言之，流行音乐混音越来越“干”，是技术进步、听众聆听习惯变化、音乐风格演变以及制作人审美趋向共同作用的结果。这是一种为了在现代传播媒介和主流审美下，最大化声音的清晰度、冲击力和情感直接性的选择。
网友意见
谈一点个人的看法：人声越来越干的原因，很大程度上是因为配器的泛音越来越饱满，使得高频部分成分越来越丰富。在这个时候，人会听到更多高频细节，而这给人带来的听感是距离的拉近、空间感的减少，因为空气传播会衰减高频信号。所以这个时候乐器“变近”了，那为了保持空间感的一致，人声的空间感也变近了，这时候就不能加大的空间混响来营造过分大的空间感，于是你感觉声音变“干”了。同时你会发现，现在很多歌曲，人声的立体声效果增强了很多，这是为了避免干声完全聚集在声场中央而变得太窄。
至于为啥配器的泛音越来越饱满呢？个人认为有两个因素：一是压缩器和限制器的大量使用，压扁了波形，根据傅里叶变换的原理，越扁平的信号就含有越多的高频成分（比如方波），这样就给了高频更多的成分；二是合成器和电声乐器的使用，一些电声乐器（比如失真吉他）和合成器的声音本身就比较饱满，另一方面，合成器一般不会给大混响，毕竟在人的一般认知里，交响乐的经典乐器才是在大厅里演奏的，这些乐器才要给大空间。当然了现在也有很多风格是给合成器提供很大的空间感的，但总而言之比较饱满的音色还是提升了高频的存在感从而使得一般的流行乐使用小混响。
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