如何评价各个环节都做的李荣浩的混音？
1. 乐器编排的“骨架”与“血肉”：立体饱满，质感十足
首先，李荣浩的混音在乐器编排上就下了不少功夫。他的歌曲往往不会一味地堆砌乐器，而是精挑细选，让每一种乐器都有自己的位置和生命力。
低频的扎实与弹性： 你仔细听他的鼓组，尤其是底鼓和军鼓，力度感恰到好处，不会炸耳，也不会虚无缥缈。底鼓的脉动感十足，能够稳稳地抓住听众的节奏，军鼓的点缀则带来了清脆的质感。而贝斯，简直是低频的灵魂，他的贝斯线条清晰，既能与底鼓形成良好的互动，又能独立地构建出音乐的律动。那种沉稳而又富有弹性的低频，让整首歌的“骨架”变得非常坚实，仿佛地面在你脚下一样稳固。
中频的清晰与温暖： 李荣浩的歌曲里，人声和主奏乐器（比如吉他、键盘）的中频处理非常出色。人声不会被淹没在乐器之中，而是能清晰地浮现出来，带着一种亲切的温暖感。吉他的扫弦、分解和弦，或是键盘的旋律线，在中频区域都显得饱满而有颗粒感，不至于模糊不清，也不会过于尖锐。这种对中频的精准把握，让歌曲的情感传递更加直接有力。
高频的细腻与延展： 在高频部分，他的处理也很有讲究。比如镲片、踩镲的点缀，或是合成器的闪光音效，都不会显得刺耳或恼人。而是带着一种细腻的光泽，能够向上延展，给音乐带来空间感和空气感。他仿佛知道在高频加入多少“呼吸感”，才能让音乐显得更加通透，而不是闷闷的。
整体来说，他的乐器编排混音，就像是在一个巨大的空间里，将各种乐器巧妙地摆放在不同的位置，然后赋予它们恰到好处的音色和能量。你能感受到乐器之间“对话”的痕迹，它们既独立又相互依存，共同构建出一个立体而又富有细节的声场。
2. 人声的“灵魂”打磨：细腻入微，情感丰沛
李荣浩的混音最令人称道的，莫过于他对人声的处理。这部分的处理，可以说是将歌曲的灵魂完全勾勒了出来。
贴耳但不过分： 他的声音处理，总是能做到非常贴耳，仿佛歌手就在你耳边轻声细语，或者在你面前深情演唱。但这种贴耳，却绝不会让人感到压迫或者“挤”出来。他通过精妙的压缩和均衡，让声音的动态范围控制得很好，既能捕捉到歌手演唱中的细微变化，又不会因为突如其来的大声而让人分神。
细节的挖掘与放大： 你会发现，在李荣浩的歌曲里，歌手的换气声、咬字细节、甚至是一些若有若无的呼吸声，都被处理得恰到好处。这些细节，往往是赋予歌曲情感生命的关键。他并不是简单地将这些细节做大，而是通过一些微妙的处理，让它们在不干扰主旋律的情况下，为声音增添了真实感和现场感。这种对细节的挖掘和放大，让听众能够更深刻地感受到歌手的情绪起伏。
情感的烘托与加持： 他在人声中使用的效果，比如混响（Reverb）和延时（Delay），都非常到位。他知道什么时候该用，什么时候不该用，用了多少才最合适。比如在一些情绪爆发的段落，可能会加入一些温暖而包裹感强的混响，让声音瞬间变得更加有力量和空间感。而在一些抒情的段落，则可能用一些更干净、更短的混响，让声音保持清晰和近距离。这些效果并不是为了“炫技”，而是完全服务于歌曲的情感表达，像是在为歌手的声音“化妆”，让它更加动人。
他的人声混音，就像是在为你讲一个故事，而他作为故事的讲述者，每一句话都饱含情感，每一个语气词都掷地有声。你会不自觉地被他的声音所吸引，和他一起进入歌曲的情境。
3. 整体的“平衡感”与“空间感”：浑然天成，韵味悠长
李荣浩的混音，最让人难以言喻但又无比舒适的一点，就是那种绝佳的平衡感和空间感。
各声部的和谐共存： 在他的歌曲里，你很少会听到某个乐器或者人声突然“冲”出来，盖过其他部分。无论是汹涌的段落还是舒缓的间奏，各种元素都能和谐共存，相互衬托。这种平衡感，是经验和对音乐整体构架深刻理解的体现。
虚拟声场的营造： 他通过对各个乐器和人声的定位和空间处理，成功地营造出一种立体的虚拟声场。你会感觉到乐器在不同的位置展开，人声仿佛被置于一个特定的空间里演唱。这种空间感，让音乐不再是“平面的”，而是变得更加“有深度”，听起来更加丰富和吸引人。
耐听度的保障： 最重要的一点是，他的混音带来了极高的耐听度。很多歌曲你可能听一遍觉得不错，但听第二遍、第三遍，依然能在其中发现新的细节和惊喜。这种经得起反复品味的声音质感，正是好混音的魅力所在。它不会让你觉得“听够了”，反而会让你觉得越听越有味道。
总而言之，李荣浩的混音就像是一位技艺精湛的厨师，他知道如何将各种食材（乐器、人声）用最恰当的方式烹饪，然后调配出最完美的口味。他的混音没有过度的堆砌，也没有不必要的炫技，只有对音乐最纯粹的理解和最用心的打磨。听他的歌，就是一种享受，一种对音乐细节的极致体味。这种全环节的用心和专业，让他的音乐在如今这个竞争激烈的乐坛，拥有了自己独特的辨识度和魅力。
网友意见
平时不太听李荣浩的歌，不过身为同样是一体机型的音乐人，并且混音算我强项，觉得可以强答一下。
首先纠正一下，母带这个环节，李荣浩挂的头衔是“母带制作人”而并非“母带工程师”，以最近有被讨论的《年少有为》的完整名单来看，母带工程师是周天澈老师。母带制作人的工作是把混音整理好、拿到母带棚，交给母带工程师，告知大致的要求，然后全程在旁边监制，每一首歌都当场提出修改细则，做一首就要过带一首（不然大部分专业的母带是以硬件效果器为主来做的，很难还原参数，做完就要及时过带出来才能继续用这些效果器做下一首歌）然后还要和母带工程师一起决定歌曲间隔、淡入淡出等一些细则，最后拿着母盘离开，回到自己熟悉的环境，再试听，返回修改，直到确定。这其实也是很辛苦的工作，并且要扛责任，但的确不是他本人下去做，这必须明确区分，因为母带工程师真不是谁都能做的，需要的经验值很高，监听环境也和做混音会有些许不同（侧重点不同）
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仔细听了几首他的歌。
先听了新专辑的《年少有为》《耳朵》《王牌冤家》《念念又不忘》又听了之前的《有理想》专辑里的几首（原因后面有写）
对混音能力整体的评价：
基本功不错，乐器的tone都顾的不错，人声很稳，细节都很好。但有些太安全也太干净了，混响和delay不太敢给，风格上有点像几年前的我的风格（但比几年前的我混的好的多，因为他tone调的漂亮，毕竟成长的环境比较好，所以审美比以前的我好太多了）
《耳朵》这首歌，宽度有些不自然，经过检查，出现了一些技术问题，就是左右有部分声音反相了。《念念又不忘》似乎也有一点。记得以前Facebook上有别的混音师同业也有发现他以前的专辑（从时间线推测，是说《有理想》专辑，所以我又折回去听了几首这张里的歌）里也有一样的问题。由此可见，他混音没有mono check的习惯，并且喜欢把声音加宽……
母带方面：
因为我没有按顺序听，是先听了年少有为、耳朵，又返回去听了前两首，感觉做的，emm，不太完美吧…………前两首的人声明显比中间两首要厚，感觉他们做母带的时候没有不断的返回去检查和前面的歌方向是否一致，亦或者是故意为之，想要保留前两首的那种vintage味道，但以我个人的标准来说，作为专辑，这母带不算太成功……（如果是作为单曲则没有什么太大问题）
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综合以上，得出结论就是，李荣浩应该是在自学和大量接触高端设备、大量听欧美音乐的情况下把录音和混音学起来的，不负责任的推测，他没有专门去跟着师父系统学过混音。
这其实也没什么不行，混音混的好还是不好，很多时候就是取决于心里那条审美的线，这条线越高，你能做出来作品的上线就越高。李荣浩的这条线应该说是很高的，所以他可以轻而易举的录和混出不错的音色来，这样已经打趴了国内许多所谓的混音师了。
但，术业有专攻，缺一些就是缺一些，没辙……有些有经验的专业人一听就知道的问题，在没有人点醒的情况下，领悟不到就是领悟不到。我前面说了李荣浩混音风格和我几年前很像，那时候我也是觉得，音色混好了、审美提高了、自然水平就上去了……直到我去上了两个大师的课，以及近几年参加了几个大大小小的混音比赛，对混音观念开始变化了，有了更多的思考和更高的目标。现在我感觉吧……能把tone调好真的只是基本功，而还有更多在此之上的部分……这部分实在无法长篇大论展开来说了。
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至于他为什么要全部包揽下来自己做，除了省钱，应该主要是那种可以完全掌握自己作品的控制欲。同样是一体机我觉得很能理解那种心情……与其沟通来沟通去然后收到一个不合期望的东西，反正自己也有能力做，那为什么不自己做掉算了？（并且在这种控制欲的驱使下，会让自己不断想去学各种相关的技能，比如我现在在练贝斯，还动了练半音阶口琴的念头）而且这也是种成就感，觉得，就，个人履历可以很丰富啊~~像我有时候作曲的歌发行了，因为编曲不是我，会觉得有空虚感；如果作曲编曲都是我，那基本内心可以认同作品是我的了，但如果混音混的不喜欢，我会很心痒的想自己混一个版本（然而未必有机会这样做），甚至当一个作品作曲编曲混音都是我了，作词是别人，我也会觉得我只创造了这个作品的一半，心里有点不想把它当成我自己东西（但偏偏我作词就是战五渣）（这个病态的想法最近已经比较不会有了，心态有了很大改善……）……
也不知道是不是我跟李荣浩同一天生日所以觉得好像特别理解他……可是我并不很喜欢他的音乐风格啊唉~~~纯属个人喜好问题。他还是很厉害的音乐人没错。
以上
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李荣浩的混音，绝了！这不仅仅是一句简单的赞美，而是他对音乐处理功力的一次集中体现。从乐器的编排到人声的打磨，再到整体的音色质感，他的混音就像是为歌曲量身定制的精密仪器，既保证了音乐的层次感和饱满度，又保留了歌曲本身的情感内核，让人听着舒服又上头。1. 乐器编排的“骨架”与“血肉”：立体饱满，质感十足............. -
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