有哪些现代人觉得很好但是古人觉得很烂，或者相反情况的古代艺术作品？

说到艺术，真是个奇妙的东西。很多时候，我们觉得理所当然的美好，古人却可能嗤之以鼻；反过来，那些我们现在看来可能有些粗糙或者难以理解的作品，在古人眼中却是至宝。这其中牵扯太多文化、技术、审美观念的变化，每一次时代更迭，都像是一次对“美”的重新定义。

我想到一个特别典型的例子，就是中国古代的壁画和雕塑，尤其是佛教造像。

从现代人的角度来看，比如敦煌莫高窟的壁画，很多人都会被那些色彩斑斓、线条流畅的飞天、菩萨吸引。它们构图宏大，色彩运用大胆而和谐，人物造型丰腴而典雅，充满了神秘和庄严的美感。我们现在去参观，很多时候会被那种跨越千年的历史感和艺术的生命力深深打动，觉得它们是无价之宝，是中华文明的瑰宝。甚至有些现代艺术家还会从中汲取灵感，融入到自己的创作中。

然而，回到古人，特别是那些早期的佛教信徒和匠人，他们的关注点可能就完全不同了。

首先，“写实性”的问题。 很多古代造像，特别是早期，人物比例可能并不完全符合我们现代人对人体解剖学的认知。比如，一些唐代或更早期的佛像，脸部可能显得比较圆润，身体比例也可能略有夸张。如果我们按照现代西方古典艺术那种追求高度写实的标准去衡量，可能会觉得它们“不那么逼真”，甚至“有些变形”。

但对于古人来说，这并不是一个缺点，反而可能是刻意为之的“神圣化”表达。 佛教的艺术，最核心的是传递宗教的教义、表达对佛陀的崇敬。佛陀是超脱于凡俗的存在，他们的形象不是要“复制”一个普通人，而是要展现一种“庄严、慈悲、智慧”的精神特质。所以，那些圆润的面庞，可能象征着福相和圆满；那些微微上扬的嘴角，可能传递着慈悲和悲悯；那微微倾斜的头部，可能暗示着沉思和智慧。匠人们相信，通过特定的艺术语言，才能更有效地表达佛教的普世价值和神圣感。他们的目标不是让你觉得“这个人好像活生生就在你面前”，而是让你“感受到佛陀的力量”。

其次，色彩的运用。 现代人在欣赏古代壁画时，往往惊叹于其色彩的丰富和历久弥新。但需要知道，古代的颜料很多是矿物和植物提取的天然颜料，颜色本身就带着一种朴拙和温暖。而当时的人们，可能更看重的是色彩所代表的象征意义和等级区分。 比如，金色常用于表现佛陀的辉煌和神圣，蓝色和绿色可能用于表现天空和大地，红色则常用于表现祥瑞和生命力。这些颜色组合在一起，并不仅仅是为了好看，更是为了构建一个象征性的、能够启迪信仰的视觉世界。

而且，那时候的艺术创作，很多是服务于宗教的传播和供奉。 很多壁画和雕塑都是出于虔诚的信仰，由工匠们一点一点绘制和雕刻出来的。他们的“烂”与“好”，更多是围绕着能否更好地“度化众生”、“表达虔诚”来衡量。一个制作精良的佛像，能让信徒感受到佛陀的临在，能激励他们捐赠财物，能作为他们修行的法器。所以，如果一个佛像看着不够威严，或者比例失调，那可能是非常“糟糕”的作品，会被认为是对佛祖的不敬，甚至可能影响寺庙的声誉。

相反，现代人可能觉得那些非常“写意”的古代水墨画，比如一些文人画，尤其是不着重细节、注重意境的画作，比如“墨分五色”的运用，或者一些“留白”的处理。从现代审美来说，我们可能觉得这种“不画全”或者“模糊的”表达方式很有意境，有想象空间，甚至觉得它“高级”。

但如果把这些画放到古人的语境下，尤其是那些追求工整、严谨、或者带有强烈社会功能性的艺术，比如宫廷绘画、或者一些官窑的瓷器纹饰，那可能就会显得“不够认真”或者“过于随意”了。

举个例子，宋代画家文同的《墨竹图》，用简单的笔触勾勒出竹子的姿态，墨色的浓淡变化就表现了竹子的精神。现代人会觉得这种“写意”的表达非常高妙，能感受到画家的胸襟和竹子的气节。

然而，对于更早期的、比如汉代的墓室壁画，那时的绘画更侧重于叙事性、记录性和装饰性。 比如汉代的画像砖，虽然有些线条粗犷，构图也相对朴拙，但它们生动地描绘了当时的社会生活、神话传说，甚至墓主人的生平事迹。古人看这些画，可能更关注的是它是否清晰地传达了信息，是否够“吉利”、“够热闹”，是否能“镇宅辟邪”。如果画面的线条不够流畅，人物不够生动，或者故事性不强，那可能是被认为“不够好”的。

再比如，中国古代的瓷器。 现代人非常推崇汝窑的“天青釉”，那种如雨后初霁般的淡淡的青色，温润如玉，釉面开片细密，充满了一种内敛的、素雅的美。我们觉得它“高级”、“有品味”，甚至为了得到一件汝窑瓷器，不惜一掷千金。

但对于当时的匠人和使用者来说，虽然汝窑的烧制技艺非常高超，但它的颜色相对单一，造型也比较内敛，可能不像一些唐三彩那样色彩鲜艳夺目，也不像明清时期景德镇那些青花、彩绘瓷器那样画面丰富，纹饰吉祥。

在一些讲究“彩头”和热闹的场合，或者在普通百姓家中，那种色彩鲜艳、图案繁复的瓷器，可能反而更受欢迎。比如，唐三彩的明亮色彩和生动造型，在当时就是一种非常受欢迎的艺术形式，它们表现了盛唐的繁荣和开放。而明清时期的彩绘瓷，上面绘制的龙凤纹、山水人物、花鸟吉祥图案，都蕴含着丰富的文化寓意和审美情趣。

所以，“好”与“烂”的评价标准，就像一个不断移动的靶心。 现代人对古代艺术的欣赏，很大程度上是基于我们当下的审美趣味、历史认知和技术手段。我们能够理解并欣赏那些古代艺术中超越时代的精神内涵，但也可能会不自觉地用现代的标准去过滤和评判。而古人，他们是在他们所处的时代语境中，根据他们所理解的“美”和“功能”，来创造和评价艺术的。

总而言之，艺术的价值，很多时候不在于它是否符合某个时代普适的“好”的标准，而在于它是否忠实地表达了那个时代的精神、技术和审美追求。当我们以一种开放的心态去理解这些差异，去探究这些“好”与“烂”背后的原因，或许更能体会到艺术的博大精深和跨越时空的魅力。

网友意见

古典希腊罗马的雕塑是上色的。现代人会不会觉得烂嘛，你感受下复原

先来一张人尽皆知的断臂维纳斯

如果你觉得还可以，继续看下面的

这些是本来雕刻水平就一般的，一上色更土了

但是雕刻精美的复原后也难以避免艳俗，这两件算是罗马不同时期的最高水准作品了，上色后依然会让很多人别扭

而且有没有发现，这两张复原图的配色比较正常了，因为古典时期的颜料其实很稀缺，这俩雕塑前者是罗马领袖的人像，后者时代较晚，可供选择的颜料多，殷红＋惨绿那种恶心搭配基本不会出现

不过比较搞笑的是，因为古典雕塑到近现代基本都掉色了，然后文艺复兴时期开历史倒车没开到点子上，很多人误以为，或者故意不承认古典雕塑是艳俗的彩色，统一纯白大理石。其实雕塑不上色是中世纪的养成习惯，比方说圣母玛利亚的袍子是蓝色的，而中世纪看着不恶心（有神圣感）而且不易褪色的蓝色颜料只有阿富汗产，那只有东罗马能较大规模的给玛丽亚上色了，西班牙或许也能搞些蓝颜料，英国、北欧基本就没这个可能了，只能不上色。而且由于颜料稀缺，不论古典还是中世纪，天空、大地、海洋这类背景大都不上色。

中国的兵马俑也是上色的，但当时的中国颜料制造并不发达，甚至会买东方返销的上色丝绸；也没有独立制造紫色颜料的能力，都是红蓝混合。也就是说，实物肯定比复原版更难看。

（当然上色后很好看的也不是没有）

更新：回复评论区 @栗子驴

同一时期的雕刻水平差异是确实存在的。这尊考丽像和上边的考丽像都是古风时代末期，相差大概十年左右，已经可以看出两者细节雕琢之间的明显不同了。有人可能会奇怪为什么上色比另一个考丽好看得多？很简单的道理，雕刻水平反映经济水平，经济水平影响获得颜料的丰富程度和工匠上色水平。这尊雕像来自希俄斯，爱奥尼亚最古老富裕的城邦之一，可能是最早铸币的城邦。并且希俄斯位于小亚细亚沿海岛屿，与亚洲贸易非常方便。

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为了不让读者被评论区一些人带偏，顺便作为回应，贴论文。

一篇可以解答大部分人的疑惑的科普文章：

The white, clean, minimalistic concept of the art of the Antiquity has been formed in the 18th century by Johann Winckelmann, a German scientist, considered the first European art historian. His pioneering book "The History of Art in Antiquity" established the idea of the pure, monochrome characteristics of the Greco-Roman creative work and that view prevailed for centuries over the scientific world
……
Rains, winds and heavy weather for more than 2000 years have done their work and have worn out the brightness of the ancient marbles. But a close examination of the classical literature tradition could expose an abundant evidence of the colouring practices among Greeks and Romans. In the Euripides’ tragedy "Helen" (5th century BC), Helen of Troy, tormented with remorse said: “If only I could be wiped out like a statue, assuming an uglier form rather than a beautiful one”. The words of the tragic character confirm the old custom of using colours on statues. They also express the ancient idea that bare, uncoloured sculptures were, in fact, considered unpleasant and unsightly.
The tinting of statues is expressively shown in Plato’s "Republic" (5th century BC). While giving an example of what an ideal state would be, Plato mentioned: “It is as if we were colouring a statue and someone blamed us, saying that we did not apply the most beautiful pigments to the most beautiful parts…”
Romans followed that tradition, as the Roman writer Vitruvius (1st century BC) informed us in his work "On Architecture". He advised that a Pontic wax should be used for preserving colours; it would prevent them from fading out caused by strong sun or moon light. This technique, the author said precisely, was applied both to walls and sculptures.
……
After hundreds of years of erroneous ideas, our perceptions of what constitutes a good taste have been built and cultivated with (and into) different notions. For ancient Greeks and Romans, the colours were not just decorative means for embellishment, but also conveyors of meaning. According to the modern taste a white, colourless statue would probably blend better with the environment, but that is exactly what ancient people tried to avoid. For them, a colour expressed value and status.
As superiors, their gods received the best people could afford – golden, bright paints. They were considered the most appropriate for deities and enhanced the best way their transcendent nature.
The nobles also used colours as a system of codes representing their status. As some tints were difficult for producing (thus, very expensive), the owner of a garment in a specific shade could use it for declaring, silently but firmly, his position in the society.
Today, where dyes and paints have become regular commodities, colours are not more than an aesthetic expression. Still, even now they can imply meanings. When I look at the coloured head of Emperor Caligula, I discern little, tiny facial features that otherwise would have sunk under the white surface. I think I could easier get the sinister image of Caligula built by the ancient authors.

一些雕塑上色和建筑上色的证据，以及对最初接触到上色雕塑的考古学前辈们观点的分析：

In 1825, when printing began on the third volume of the Encyclopédie, the reconstruction of one of the telamones allowed Quatremère to update the Telamon entry and to insert an interesting note on these sculptures. He stated that they were surely covered with stucco and "probably painted using the same colours as used on the building"
……
As happened with "savages," the early Greeks made their idols and statues of wood. They were painted and dressed like mannequins, and a very similar thing had happened with architecture: the first stone buildings were merely a copy of their wooden precedents, and wooden statues were gradually replaced with stone ones (or some other, precious material). So it was that Quatremère was the first to use the term "polychrome," and in 1806 he overturned the world of historiography with his information about the colours used on ancient sculptures. He did it in an extremely sensitive and far-sighted way, and would involve generations of architects in this debate.
……
In any case paints and other colours were used to simulate some other material than the ones actually used, and therefore to make them seem more precious.
Nowadays it is widely known from the wealth of ancient temples in Sicily and elsewhere in Italy that all the outer columns and other parts were coated with a thin layer of plaster. This was to give the stone a smoother appearance, and to take the paint which would make it look like marble. All the Doric temples in Sicily were decorated in this way. Different colours of paint were applied to the bases of the metope, mouldings, and details on a profile. (Quatremère de Quincy 1832, p. 298)
The colours of which Quatremère speaks are never clearly specified, but he always stresses the range of tones used:
The countless remnants of colour which have come down to us are proof that the stucco was painted in a range of colours, that the various parts and divisions in an entablature were painted different colours, and that the triglyph and metopes, the capitals and their astragal collars, and even the soffits on the architrave were always coloured. (Quatremère de Quincy 1832, p. 465)
……
Actually, the use of marble by the ancients was so widespread that to leave it unadorned would have struck anyone who saw it as something rather cheap, especially in a temple. Colours were not merely used to make other materials look like marble, but to change the appearance of marble too.
——Antoine Chrysostôme Quatremère de Quincy (1755-1849) and the Rediscovery of Polychromy in Grecian Architecture: Colour Techniques and Archaeological Research in the Pages of "Olympian Zeus."

古希腊罗马雕塑上色这个结论在现在是根本不需要论证常识，谷歌图书谷歌学术一搜一大堆。觉得颜料用的有问题的可以讨论，否认上色就散了吧

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