音源制作的弦乐与实录相比一般有哪些不足？
首先，最明显也最根本的不足在于“生命力”和“呼吸感”。
音色的一致性与“人味”的缺失： 音源采样，无论多么精良，本质上都是预先录制好的短音片断。它们被设计成在不同力度、不同演奏技巧下能够循环播放，力求达到最大的通用性。然而，真实乐团的演奏，尤其是经验丰富的乐手，他们的演奏是流动的，充满微妙的变化。同一个音符，在不同的时间、不同的情绪状态下，即使是同一个乐手，也会有细微的差异。这种“不完美”恰恰是音乐中最动人的部分。音源即便有多种力度层和表情变化，也很难捕捉到那种微妙的、由演奏者内在情感驱动的细微音色变化，例如弓子接触琴弦的颗粒感、指板上按弦的轻微摩擦声、甚至乐手演奏时不自觉的哼唱或气息声。这些被称为“人味”的东西，是音源最难复制的。
微动态和“渐变”的不自然： 真实乐团的演奏，其音量和音色的变化是连续的、有机的。一个渐强（crescendo）或渐弱（diminuendo）的过程，是无数个微小音量变化的叠加，同时伴随着音色的烘烤和饱和度的变化。而音源通过技术手段实现的渐强渐弱，虽然可以设置得非常平滑，但有时候会显得过于“线性和均匀”，缺乏那种由演奏者通过弓速、弓压、揉弦力度等综合因素产生的、更为复杂而富有弹性的变化。尤其是在一些需要极度细腻的情感表达时，音源的渐变可能会显得有些“机器化”。
“合奏”的凝聚感和空间感： 真实乐团的录音，弦乐部分的演奏者们会聚集在一起，共享同一个空间。他们的琴声会相互碰撞、融合，产生一种独有的“共鸣”和“粘性”。即使是在录音棚里，多轨录制也能模拟这种效果，但仍然很难完全复刻那种物理空间带来的自然混响和乐器之间的相互影响。音源的弦乐，即便是有混响插件，也往往是在后期叠加上去的，它无法模拟乐器之间那种微妙的声波相互作用，以及乐器与演奏空间产生的复杂反射。这使得音源弦乐的整体听感有时会显得有些“干”或“孤立”，缺乏实录弦乐那种“一体化”的厚度和包围感。
其次，是演奏技巧的精细度和表现力。
滑音（glissando/portamento）的真实感： 弦乐的滑音是其灵魂之一，它可以是平滑的、有张力的、也可以是略带棱角的。音源的滑音通常是通过MIDI数据的音高变化来模拟，虽然现在的技术已经非常先进，可以做到很多种类的滑音，但那种由手指在琴弦上滑动时产生的、包含物理摩擦和音高过渡的微妙质感，是音源很难完全捕捉的。有时音源的滑音会显得过于“纯粹”或“电子化”，缺乏实感。
揉弦（vibrato）的独特性和表情： 揉弦是弦乐演奏者赋予音符生命力的重要手段。每个演奏者都有自己独特的揉弦速度、幅度、以及音高变化的方式。这些细微的差异，构成了他们个人的声音签名。音源的揉弦可以通过LFO（低频振荡器）或MIDI CC（控制信号）来模拟，虽然可以设置得很丰富，但往往缺乏那种由演奏者情绪和乐句走向自然流露出来的、充满个性和变化的揉弦。有时候，音源的揉弦会显得过于规律或“标准化”，缺少那种由内而外的、充满张力的情感表现。
拨弦（pizzicato）的力度和共鸣： 即使是简单的拨弦，在真实演奏中，拨弦的力度、手指触碰琴弦的位置、以及拨弦后琴体的共鸣，都会产生丰富的变化。音源的拨弦采样虽然可以提供不同的力度，但那种拨动琴弦后立刻传导到琴体的、短暂而有力的共鸣，以及拨弦本身带来的细微“拍打”感，在音源中可能会有所减弱。
特殊演奏技巧的限制： 像击弓（col legno）、泛音（harmonics）、或一些非常规的弓法（如scordatura），虽然好的音源会包含这些，但其表现的丰富度和可控性，往往不如实录那样直观和多样。有些非常极端的或个人化的演奏方式，音源可能根本就没有涵盖。
再者，是音色的“味道”和“空气感”。
乐器本身的独特性： 每一把小提琴、中提琴、大提琴、低音大提琴，都有其独特的音色和“个性”。即使是同一品牌、同一型号的乐器，在不同演奏者手中也会发出不同的声音。音源采样通常是通过选择最“平均”或最“优秀”的乐器来录制，虽然这些采样本身可能非常出色，但却缺少了那种只有特定乐器才能发出的“专属味道”。
麦克风的选择和摆位的影响： 录音时，麦克风的类型、品牌、以及它们在乐器和空间中的具体位置，对最终录音的音色有着至关重要的影响。不同的麦克风组合，可以捕捉到乐器不同层次的声音细节，营造出不同的空间感和氛围。音源制作人虽然会精心选择麦克风和录音环境，但这种“模拟”始终是基于已有数据的重组，很难完全复刻那种由物理空间和特定设备直接产生的、最原始的“空气感”和“声音质感”。
最后，是整体混音和制作的“艺术性”。
“活”的乐团演奏动态： 真实乐团演奏时，不仅仅是简单的音符叠加。乐手们会根据乐句的起伏、与其他声部的互动，实时调整自己的演奏。这种内在的、动态的“对话”是音源无法完全模拟的。音源的弦乐，即使你精心编程了所有MIDI数据，也很难达到那种浑然天成、充满生命力的互动感。
人为痕迹的消除与保留： 音源制作的一个挑战在于如何在编程时，既要保证音色的准确性，又要避免过度“修饰”而显得不自然。有时候，为了让音源听起来更“干净”或“饱满”，会去除一些本该存在的细微杂音，反而损失了一部分真实感。
总而言之，音源弦乐的不足，更多地体现在它无法完全捕捉到真实乐器演奏中那种由生理、心理、以及物理环境共同作用而产生的、复杂而微妙的“生命过程”。它是一个非常精巧的“模仿者”，但它终究是一个“模仿”，而实录弦乐则是一个“生命体”。
当然，这并不意味着音源弦乐就没有价值。在很多情况下，音源弦乐可以极大地提高制作效率，实现一些非常规的效果，并且随着技术的发展，其仿真度也在不断提高。但对于追求极致的音乐表现力，特别是那些需要深刻情感传递和细腻质感的音乐作品，实录弦乐依然是无可替代的。 作为制作人，我们要做的是了解这些差异，然后根据音乐的需求，选择最合适的工具，或者用最巧妙的方式来弥补音源的不足，让它尽可能地接近实录的魅力。
网友意见
谢邀。
先出几条结论：
一、乐手演奏水准和录音水准较高时，实录一定比用采样好，起码不会比采样差。反之则可能还是采样更好。
二、作品越趋向于目标乐器（或音色）独立呈现的（如独奏作品，音乐小品等），实录一定比采样好。
三、作品越趋近于点状音色呈现的（如打击乐、弦乐拨弦等），采样的表达越真实。而越趋向于线状呈现的（如弦乐长弓，弦乐和弹拨乐揉弦、滑音，连音等），采样与实录差距越明显。
四、采样更容易获得干净而准确的素材，同时与人力成本相比也更具优势，因此制作投入越高的项目，实录素材的比重越高，反之则采样比重越高。
接下来说一下上述结论的理由与依据：
首先，采样音色在样本采集的过程中，目的是针对器乐本身的，即我们需要制作符合这件乐器特质的音色，或符合采样应用方式的音色（如采集吉他单音还是扫弦）。而实录的目的，不单单是器乐本身，还涵盖了对作品的表达和理解。正如其他回答中的核心词——“情感”，实录带给我们最多的就是情感上的表达与处理。现在制作的手段越来越强大了，我们也有很多手段去处理情绪，但目下而言，基于采样的调制所营造的情绪处理，还无法在乐器演奏这个维度上取而代之。这是最大的，也是最主要的原因。在具体表现上，采样音色在实录时，我们可能只有一种方法，或采用多种采样叠加比例来控制我们想要的音色（当然，你可以换别的厂牌的音色）。而在实际录制中，我们每一次的布局，根据作品本身的要求可能都会制定一些不一样的录制方案，而这种调整是直接地从根源上调整音色，与后期的再调制，差别很大。
其次，是空气底噪的真实感。任何真实空间都会存在底噪，即便是在布满声劈的消声室里，可能依然会存在10-20dB的底噪。在采样过程中，我们很多时候是对单音进行采集，而在采样的使用中，我们常常会将若干样本叠加使用，如一个四部和声的长音。这时自然空间的底噪会成倍增加，但这一点，在实录过程中，是不会引起变化的。而越底的底噪意味着越高的信噪比和约大的动态呈现。这一点上会是采样不如实录的一大问题，尤其是在弱奏时会特别明显。但有些采样音色正视了这个问题，它们将样本进行降噪，或者在降噪基础上还另外叠加一点自然空气噪声。或许这样会有所改良，但降噪本身引入的失真，这个我持保留意见。
第三，乐器本身内部共鸣的影响。我们可以做个实验：在钢琴上，我们先轻轻地按下中央C，使其止音器离开琴弦而不发声，这时快速锤击它的低八度的小字组C音，我们随后可以听到一个持续较弱的中央C音出现。这是泛音，是因为中央C的音高正好是小字组C音的第一泛音。在锤击小字组C时，引起了中央C琴弦的共鸣。另外再做一个实验：在钢琴上当你踩下延音踏板时，按住一个音，你可以听到绵延的长音。而不踩延音踏板时，你虽然也能听到绵延的长音，但似乎音色没有踩住踏板时那么丰富。这也是因为未踩延音踏板时，只有按下的音琴弦上的止音器被松开，而踩下延音踏板时，所有弦的止音器都松开了，这时按下的音会引起其他所有琴弦或多或少的共鸣。上述两个实验，在电钢琴上和采样音色的采集过程和还原过程中都是没法实现的。这其实是乐器本身腔体内部共鸣引起的变化。钢琴的案例比较突出，便于我们理解其客观的存在和意义。
再来啰嗦一下上述三点结论的说明。
1，这也是很多地方上非专业乐团乐手录制中较为常见的问题。确实，尤其如弦乐，需要较高演奏水平和配合经验的演奏，表现尤为明显。如许多大专院校的乐队，进棚录音的效果确实还不如采样来得干净、整齐。而在这个水平上，干净整齐准确占到了对作品印象的绝大多数。而超越了这个演奏水准和配合度后，看的则更多的是情感情绪的流畅与连贯度。这点上，采样不如实录。
2，当作品中各种元素较多，我们实录的目标音色在成品中如果只扮演较为次要的角色时，实录与采样对作品最终呈现的影响（注意是“影响”，不是“品质”或“质感”）则越小。因为听众对这部分内容的主观关注程度会比较低。反之，趋近于独奏，那所有的细节都会不被放过，那采样制作中的不流畅则会授人以柄。这也是现在许多做动画特效的，做几个群杂和跑龙套的都已几可以假乱真，但做人物特写要做真了则非常难。
3，越趋向点状音色呈现，则音色中表达的情感性越弱，机械性越强。这也是好莱坞式的大量基于顿弓的弦乐，很多可以用采样制作而效果获得较好效果的原因。也是目前绝大多数流行歌曲专辑中鼓都采用采样而非实录的原因。
4，任何事物进入到工业化生产的模式中去考虑，一定是综合了成本一起考虑的。许多东西的迭代，不是因为在品质这个维度更好了，而是在综合了品质、成本、效率等综合考量下的整体提升。这就好比是还是有很多人在争wav和mp3哪个好，既然mp3有损不如wav还有那么多人趋之若鹜。简单说来因为mp3成功更多在于商业、市场、使用和传播的便捷性和通用性。多快好省，这四个字永远是衡量成败的综合指标。只取好弃其他者……说明你有品位，当然也说明你有钱。
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