格律，词牌不也是古人在写诗词的时候创作出来的么？为什么现在的人老是拿不遵循格律，不按照词牌来说事？
这个问题问得太好了，简直说到点子上了！为什么咱们现在写诗词，一不留神就会有人跳出来说“不遵循格律”、“不按词牌来”？感觉就像玩游戏，规则是你定的，怎么玩都可以，结果到了我这里，就有人指着鼻子说你没按规矩来。
要说清楚这个问题，咱们得先掰扯掰扯格律和词牌是怎么回事，然后再看看为什么现在写诗词，大家对它们这么“执着”。
格律与词牌：古人的智慧结晶
首先，得明白格律和词牌都不是凭空冒出来的“教条”，它们是咱们古人在长期的文学实践中，一点一滴摸索出来的“经验总结”，更是一种对语言音乐性的极致追求。
格律（诗歌的声韵、平仄、对仗等）： 你可以把它想象成音乐的乐谱。古代的诗歌，尤其是近体诗（比如律诗、绝句），对平仄、对仗、押韵都有非常严格的要求。
平仄： 这是诗歌的“节奏感”。汉语的字分为平声（阴平、阳平）和仄声（上声、去声、入声）。平仄的搭配，就像是音乐中的高低音一样，决定了诗句读起来是否抑扬顿挫，是否朗朗上口，有没有那种“味道”。比如，律诗的八个句子，每句的平仄安排都有固定的格式，叫做“黏对”。错了，读起来就会别扭，就像乐曲弹错了一个音一样。
对仗： 这是诗歌的“结构美”。律诗中的颔联和颈联（中间两联）要求对仗工整，就是说上下句的词性要相对，意义要相关或相对，结构也要相似。这就像建筑的对称美一样，让诗歌显得精巧而有层次。
押韵： 这是诗歌的“回声”。虽然大家熟知押韵，但格律中的押韵也有讲究，比如必须押平声韵，而且要注意韵部的归类。这就像歌曲中的副歌反复出现，能增强诗歌的音乐性和整体感。
词牌（词的格式、字数、句式、押韵等）： 你可以把它理解为“曲调”。词和诗不一样，词最初是配合音乐演唱的，所以有特定的曲调和节奏。词牌就是规定了每一首词的“曲谱”，包括它的字数、每句的字数、句式以及在哪儿押韵。
比如《蝶恋花》、《沁园春》、《虞美人》这些词牌，它们就像不同的歌曲名称，每一种都有自己独特的“旋律”和“节奏”。你用《蝶恋花》的词牌写词，就得按照《蝶恋花》规定的字数、句式来填，就像你唱一首《小星星》，就得按照《小星星》的歌词和旋律来唱。
为什么古人要创作格律和词牌？
这不是没事找事，而是出于对艺术的追求：
1. 音乐性与审美： 古人认为诗词不仅仅是文字的组合，更是可以吟咏的艺术。格律和词牌就是为了让诗词读起来有韵律美、节奏美，就像唱歌一样，能够打动人心。
2. 技艺的挑战与训练： 格律和词牌就像是艺术家手中的画笔、雕塑家的凿子。它们是创作的工具，同时也是对作者才华和功力的考验。在这些既定的框架内，能够写出意境高远、情感真挚的作品，才能真正体现作者的艺术造诣。这就像在有限的空间里展现无限的创意，难度越大，越能显出功力。
3. 传承与规范： 格律和词牌的形成和发展，也为诗词的传承和学习提供了一个相对规范的体系。后人可以学习前人的经验，在这些基础上进行创新。
现在为什么总有人拿格律和词牌说事？
这背后其实有很多原因，而且有时候“说事”的人，也未必是完全出于恶意，但确实存在一些值得探讨的现象：
1. 对传统的敬畏与传承： 很多人学习诗词，就是从格律词牌学起的。他们认为这是诗词最核心的“基因”，是保持诗词生命力的关键。不遵循格律词牌，在他们看来，就如同失去了诗词的根基，变得不伦不类，失去了诗词应有的韵味和美感。他们担心，如果大家都不按规矩来，诗词就会变得随意，最终失去它原有的艺术价值。
2. “正统”与“山寨”的观念： 在一些人心中，遵循格律词牌的作品才是“正统”的诗词，而那些自由体或者不按规矩来的，就属于“非主流”甚至“山寨”。这种观念可能源于对古典文学的深厚感情，也可能是一种对文学评价标准的一种简单粗暴的划分。
3. “检验标准”的惯性： 尤其是在一些诗词交流平台、比赛或者教学场合，格律词牌是一个现成的、易于量化的“检验标准”。相比于评价意境、情感、思想等更为主观的方面，格律词牌提供了一个客观的衡量尺度。所以，为了方便评估，就容易抓住格律词牌这一点来做文章。
4. 理解的偏差和僵化： 有时候，格律和词牌的规则被过度强调，甚至被“教条化”了。人们忘记了它们最初是为了服务于内容和情感表达的工具，反而把工具当成了目的。一些人只关注形式上的“对”与“不对”，却忽略了诗词更深层次的内涵。
5. “优越感”的体现： 不排除有极少数人，可能因为自己掌握了格律词牌的知识，就以此来标榜自己的“专业”和“懂行”，并以此来“指导”或“批评”他人，从中获得一种智识上的优越感。
6. 新诗和自由诗的“对立”： 随着时代的发展，新诗、自由诗作为一种新的诗歌形式也逐渐成熟。但传统诗词爱好者和新诗爱好者之间，有时会存在一种无形的对立。一些批评格律的人，可能是新诗的支持者，认为格律是束缚，限制了创作的自由；而一些批评不遵循格律的人，则可能是传统诗词的捍卫者。
那么，现在写诗词就必须死守格律词牌吗？
这又是另一个层面的问题了。格律词牌是古人留下的宝贵遗产，它们代表了中国诗词在某个历史阶段的最高成就，学习和研究它们非常有价值。
但是，文学是发展的，艺术形式也是会变化的。新的时代、新的情感、新的思想，也需要新的表达方式。
学习与借鉴： 对于想写古典诗词的人来说，认真学习格律词牌是必要的。这能让你写出韵味十足、形式优美的作品，也能让你更深入地理解古典诗词的美学特点。
创新与发展： 即使是在传统格律的框架内，也一直有“突破”和“创新”的空间，比如一些对格律的微调，或者在题材、意境上的革新。更何况，还有许多作者在尝试用现代汉语创作，或者借鉴古人的某些精神，但形式上更加自由的作品。这些作品是否能称之为“诗词”，或者说属于哪一类，本身就是一个开放性的讨论。
所以，问题出在哪儿？
我认为，问题不在于是否遵循格律词牌，而在于“为什么”遵循，以及“如何”看待遵循与不遵循。
如果你是真心热爱古典诗词，并且想在传统框架内进行创作，那么遵循格律词牌是值得尊敬的努力。
如果你是想通过诗歌表达现代的情感和思想，并且尝试新的形式，那么你的创作也应该被尊重，但同时也应该认识到，这可能已经脱离了传统意义上的格律诗词的范畴。
关键在于理解和尊重。尊重古人的智慧，也尊重今人的探索。不能因为别人没按自己理解的方式创作，就轻易否定对方。同样，也不能因为追求自由而完全抛弃对形式美的探索。
当有人说“你不遵循格律，不按词牌来”的时候，也许我们可以这样想：
他是真心希望我把诗词写得更“像”古代的诗词，更讲究韵味。
或者，他只是习惯了用旧的尺子去衡量新的事物，需要一点时间去理解和接受。
说到底，诗词的生命力，最终还是在于内容和情感是否能打动人心，形式的“对”与“不对”，有时候只是其中的一个层面。一个意境高远、情感真挚，但格律稍有瑕疵的作品，可能比一个格律严谨、形式完美但空洞乏味的作品，更能触动人心。
咱们现在讲究“百花齐放”，无论是追求严谨的传统格律，还是探索自由的现代诗歌，只要出发点是好的，都是值得鼓励的。只是在交流中，多一点理解，少一点苛责，多一点包容，少一点标签化，也许会更好。
要说清楚这个问题，咱们得先掰扯掰扯格律和词牌是怎么回事，然后再看看为什么现在写诗词，大家对它们这么“执着”。
格律与词牌：古人的智慧结晶
首先，得明白格律和词牌都不是凭空冒出来的“教条”，它们是咱们古人在长期的文学实践中，一点一滴摸索出来的“经验总结”，更是一种对语言音乐性的极致追求。
格律（诗歌的声韵、平仄、对仗等）： 你可以把它想象成音乐的乐谱。古代的诗歌，尤其是近体诗（比如律诗、绝句），对平仄、对仗、押韵都有非常严格的要求。
平仄： 这是诗歌的“节奏感”。汉语的字分为平声（阴平、阳平）和仄声（上声、去声、入声）。平仄的搭配，就像是音乐中的高低音一样，决定了诗句读起来是否抑扬顿挫，是否朗朗上口，有没有那种“味道”。比如，律诗的八个句子，每句的平仄安排都有固定的格式，叫做“黏对”。错了，读起来就会别扭，就像乐曲弹错了一个音一样。
对仗： 这是诗歌的“结构美”。律诗中的颔联和颈联（中间两联）要求对仗工整，就是说上下句的词性要相对，意义要相关或相对，结构也要相似。这就像建筑的对称美一样，让诗歌显得精巧而有层次。
押韵： 这是诗歌的“回声”。虽然大家熟知押韵，但格律中的押韵也有讲究，比如必须押平声韵，而且要注意韵部的归类。这就像歌曲中的副歌反复出现，能增强诗歌的音乐性和整体感。
词牌（词的格式、字数、句式、押韵等）： 你可以把它理解为“曲调”。词和诗不一样，词最初是配合音乐演唱的，所以有特定的曲调和节奏。词牌就是规定了每一首词的“曲谱”，包括它的字数、每句的字数、句式以及在哪儿押韵。
比如《蝶恋花》、《沁园春》、《虞美人》这些词牌，它们就像不同的歌曲名称，每一种都有自己独特的“旋律”和“节奏”。你用《蝶恋花》的词牌写词，就得按照《蝶恋花》规定的字数、句式来填，就像你唱一首《小星星》，就得按照《小星星》的歌词和旋律来唱。
为什么古人要创作格律和词牌？
这不是没事找事，而是出于对艺术的追求：
1. 音乐性与审美： 古人认为诗词不仅仅是文字的组合，更是可以吟咏的艺术。格律和词牌就是为了让诗词读起来有韵律美、节奏美，就像唱歌一样，能够打动人心。
2. 技艺的挑战与训练： 格律和词牌就像是艺术家手中的画笔、雕塑家的凿子。它们是创作的工具，同时也是对作者才华和功力的考验。在这些既定的框架内，能够写出意境高远、情感真挚的作品，才能真正体现作者的艺术造诣。这就像在有限的空间里展现无限的创意，难度越大，越能显出功力。
3. 传承与规范： 格律和词牌的形成和发展，也为诗词的传承和学习提供了一个相对规范的体系。后人可以学习前人的经验，在这些基础上进行创新。
现在为什么总有人拿格律和词牌说事？
这背后其实有很多原因，而且有时候“说事”的人，也未必是完全出于恶意，但确实存在一些值得探讨的现象：
1. 对传统的敬畏与传承： 很多人学习诗词，就是从格律词牌学起的。他们认为这是诗词最核心的“基因”，是保持诗词生命力的关键。不遵循格律词牌，在他们看来，就如同失去了诗词的根基，变得不伦不类，失去了诗词应有的韵味和美感。他们担心，如果大家都不按规矩来，诗词就会变得随意，最终失去它原有的艺术价值。
2. “正统”与“山寨”的观念： 在一些人心中，遵循格律词牌的作品才是“正统”的诗词，而那些自由体或者不按规矩来的，就属于“非主流”甚至“山寨”。这种观念可能源于对古典文学的深厚感情，也可能是一种对文学评价标准的一种简单粗暴的划分。
3. “检验标准”的惯性： 尤其是在一些诗词交流平台、比赛或者教学场合，格律词牌是一个现成的、易于量化的“检验标准”。相比于评价意境、情感、思想等更为主观的方面，格律词牌提供了一个客观的衡量尺度。所以，为了方便评估，就容易抓住格律词牌这一点来做文章。
4. 理解的偏差和僵化： 有时候，格律和词牌的规则被过度强调，甚至被“教条化”了。人们忘记了它们最初是为了服务于内容和情感表达的工具，反而把工具当成了目的。一些人只关注形式上的“对”与“不对”，却忽略了诗词更深层次的内涵。
5. “优越感”的体现： 不排除有极少数人，可能因为自己掌握了格律词牌的知识，就以此来标榜自己的“专业”和“懂行”，并以此来“指导”或“批评”他人，从中获得一种智识上的优越感。
6. 新诗和自由诗的“对立”： 随着时代的发展，新诗、自由诗作为一种新的诗歌形式也逐渐成熟。但传统诗词爱好者和新诗爱好者之间，有时会存在一种无形的对立。一些批评格律的人，可能是新诗的支持者，认为格律是束缚，限制了创作的自由；而一些批评不遵循格律的人，则可能是传统诗词的捍卫者。
那么，现在写诗词就必须死守格律词牌吗？
这又是另一个层面的问题了。格律词牌是古人留下的宝贵遗产，它们代表了中国诗词在某个历史阶段的最高成就，学习和研究它们非常有价值。
但是，文学是发展的，艺术形式也是会变化的。新的时代、新的情感、新的思想，也需要新的表达方式。
学习与借鉴： 对于想写古典诗词的人来说，认真学习格律词牌是必要的。这能让你写出韵味十足、形式优美的作品，也能让你更深入地理解古典诗词的美学特点。
创新与发展： 即使是在传统格律的框架内，也一直有“突破”和“创新”的空间，比如一些对格律的微调，或者在题材、意境上的革新。更何况，还有许多作者在尝试用现代汉语创作，或者借鉴古人的某些精神，但形式上更加自由的作品。这些作品是否能称之为“诗词”，或者说属于哪一类，本身就是一个开放性的讨论。
所以，问题出在哪儿？
我认为，问题不在于是否遵循格律词牌，而在于“为什么”遵循，以及“如何”看待遵循与不遵循。
如果你是真心热爱古典诗词，并且想在传统框架内进行创作，那么遵循格律词牌是值得尊敬的努力。
如果你是想通过诗歌表达现代的情感和思想，并且尝试新的形式，那么你的创作也应该被尊重，但同时也应该认识到，这可能已经脱离了传统意义上的格律诗词的范畴。
关键在于理解和尊重。尊重古人的智慧，也尊重今人的探索。不能因为别人没按自己理解的方式创作，就轻易否定对方。同样，也不能因为追求自由而完全抛弃对形式美的探索。
当有人说“你不遵循格律，不按词牌来”的时候，也许我们可以这样想：
他是真心希望我把诗词写得更“像”古代的诗词，更讲究韵味。
或者，他只是习惯了用旧的尺子去衡量新的事物，需要一点时间去理解和接受。
说到底，诗词的生命力，最终还是在于内容和情感是否能打动人心，形式的“对”与“不对”，有时候只是其中的一个层面。一个意境高远、情感真挚，但格律稍有瑕疵的作品，可能比一个格律严谨、形式完美但空洞乏味的作品，更能触动人心。
咱们现在讲究“百花齐放”，无论是追求严谨的传统格律，还是探索自由的现代诗歌，只要出发点是好的，都是值得鼓励的。只是在交流中，多一点理解，少一点苛责，多一点包容，少一点标签化，也许会更好。
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诗百无禁忌，不能当古诗可以当现代诗。词就是歌词，要能唱的。找人谱曲吧。
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