古体诗需要注意格律吗？
古体诗是否需要注意格律，这是一个相当有趣也容易引起讨论的问题。如果让我来说，我只能说：“看你想达到什么程度。”
简单来说，可以分为两种情况：
1. 追求“神韵”与“意境”，格律可相对宽松：
如果你写的古体诗，主要目的是抒发情感、表达思想、描绘景物，希望通过文字传递出一种“感觉”，一种“意境”，那么格律并不是绝对的束缚。古代很多诗歌，尤其是在早期，或者一些更注重自由表达的文人，对格律的遵守程度是存在差异的。
“古风”的由来： 所谓“古风”，本身就带有一种“仿古”的意味。很多时候，古体诗家写古风，是为了模仿先秦两汉、魏晋时期那种更为质朴、自由的诗歌风貌。那个时期的诗歌，虽然也有一定的韵律，但相较于后来的近体诗（格律诗），其格律约束要宽松得多。比如，句式不一定严格要求对仗，平仄也不像近体诗那样严苛。
情感的优先： 当情感喷涌，非要用某种语言表达不可时，诗人可能会为了捕捉那一瞬间的灵感和真切感受，而适当“牺牲”一些格律上的完美。就像一个人在激动地诉说一件事情，他可能顾不上遣词造句的工整，而更注重把事情的经过和内心的波澜表达出来。
“诗言志”的侧重： 儒家提出的“诗言志”，强调诗歌是用来表达作者志向和抱负的。当“志”非常突出，需要一种磅礴的气势或深沉的思考时，格律的某些限制可能会显得有些“细枝末节”。
2. 追求“音乐美”与“艺术性”，格律是灵魂：
如果你希望你的诗歌不仅仅是文字的堆砌，而是能像一曲动听的乐章，具有音韵美、节奏感，并且在形式上也力求完美，那么格律就变得至关重要了。
近体诗的出现： 到了唐代，诗歌发展出了“近体诗”（也叫“格律诗”），比如律诗和绝句。这类诗歌对格律的要求是极其严格的，包括：
平仄： 规定了每个字在句子中的平声或仄声的组合方式。这使得诗歌读起来抑扬顿挫，有音乐感。
对仗： 讲究句与句之间的词性、意义、结构上的对应，通常是颔联和颈联。这增加了诗歌的工整度和视觉美感。
押韵： 规定了哪些句末的字需要押韵，以及押韵的韵部。这让诗歌有回环往复的听觉效果。
粘对： 律诗中相邻两联之间的平仄关系，也需要遵守一定的规则。
格律的“骨架”： 可以把格律想象成诗歌的“骨架”。有了这个骨架，诗歌才能站得稳，有结构，有力量。没有格律，诗歌就可能松散、杂乱，缺乏艺术的张力。
“工稳”的追求： 古人非常讲究诗歌的“工稳”，即形式上的精巧和准确。一个写古体诗的大家，也必然是对格律有深刻理解，并在创作中能灵活运用，甚至是在不经意间就符合格律。
那么，古体诗（广义上的，区别于近体诗）到底需要注意什么格律呢？
虽然不像近体诗那样有死板的“规则”，但古体诗依然有一些不成文的“习惯”和“倾向”，注意这些会让你的诗歌更“像”古体诗，也更具艺术性：
1. 押韵： 这是最基本的。古体诗一般是偶数句押韵，首句可以押也可以不押。选择押韵的字，尽量选择同一韵部，这样读起来顺畅。有些古体诗会跨韵，但那通常是为了特殊效果，初学者不建议模仿。
2. 平仄（相对宽松）： 虽然不像近体诗那样要求严格的平仄交替，但诗人在写古体诗时，也会有意识地避免连续使用相同的声调，尤其是避免“三平调”或“三仄调”等听起来生硬的组合。他们更追求读起来的自然流畅，而不是刻意的平仄配置。很多时候，他们的平仄会“大体上”符合一些规律，或者说，他们会避免明显的“犯忌”。
3. 对仗（非必需，但常用）： 古体诗的对仗不像律诗那样是强制性的，很多古体诗并没有严格的对仗。但如果在某些地方运用对仗，比如借景抒情、描写场景时，能够使得诗句更加精炼、生动，也会大大提升诗歌的艺术水平。
4. 句式变化： 古体诗在句式上比近体诗更为自由，可以有五言、七言，也可以杂以四言、六言，甚至更长的句子。这种句式的变化，可以根据内容和情感的需要来调整。
5. 词语的选择： 既然是“古体诗”，那么在词语的选择上，也应该尽量贴近古人的语言风格，避免过于现代化的词汇。
总结一下：
如果你的目标是写出有个人风格、情感充沛、不拘泥于形式的作品，那么可以把格律看作是一种参考，一种可以灵活调整的工具，而不是必须遵守的铁律。 即使偶尔“不合格”，只要情感表达到位，意境优美，同样是一首好诗。
但如果你想写出真正具有“古体诗”韵味，能够被传统文学爱好者认可，并且在音韵、结构上精巧的作品，那么理解并适当运用格律，特别是押韵和基本的平仄倾向，是必不可少的。 毕竟，“无规矩不成方圆”，格律是诗歌这门艺术的“规矩”之一。
所以，问题的答案不是“是”或“不是”，而是“看你的追求和功力”。一个真正的大师，即便写古体诗，也往往是在深刻理解格律的基础上，才有了“破格”的自由和能力。初学者，则建议先了解格律，并在创作中慢慢体会其妙处。
简单来说，可以分为两种情况：
1. 追求“神韵”与“意境”，格律可相对宽松：
如果你写的古体诗，主要目的是抒发情感、表达思想、描绘景物，希望通过文字传递出一种“感觉”，一种“意境”，那么格律并不是绝对的束缚。古代很多诗歌，尤其是在早期，或者一些更注重自由表达的文人，对格律的遵守程度是存在差异的。
“古风”的由来： 所谓“古风”，本身就带有一种“仿古”的意味。很多时候，古体诗家写古风，是为了模仿先秦两汉、魏晋时期那种更为质朴、自由的诗歌风貌。那个时期的诗歌，虽然也有一定的韵律，但相较于后来的近体诗（格律诗），其格律约束要宽松得多。比如，句式不一定严格要求对仗，平仄也不像近体诗那样严苛。
情感的优先： 当情感喷涌，非要用某种语言表达不可时，诗人可能会为了捕捉那一瞬间的灵感和真切感受，而适当“牺牲”一些格律上的完美。就像一个人在激动地诉说一件事情，他可能顾不上遣词造句的工整，而更注重把事情的经过和内心的波澜表达出来。
“诗言志”的侧重： 儒家提出的“诗言志”，强调诗歌是用来表达作者志向和抱负的。当“志”非常突出，需要一种磅礴的气势或深沉的思考时，格律的某些限制可能会显得有些“细枝末节”。
2. 追求“音乐美”与“艺术性”，格律是灵魂：
如果你希望你的诗歌不仅仅是文字的堆砌，而是能像一曲动听的乐章，具有音韵美、节奏感，并且在形式上也力求完美，那么格律就变得至关重要了。
近体诗的出现： 到了唐代，诗歌发展出了“近体诗”（也叫“格律诗”），比如律诗和绝句。这类诗歌对格律的要求是极其严格的，包括：
平仄： 规定了每个字在句子中的平声或仄声的组合方式。这使得诗歌读起来抑扬顿挫，有音乐感。
对仗： 讲究句与句之间的词性、意义、结构上的对应，通常是颔联和颈联。这增加了诗歌的工整度和视觉美感。
押韵： 规定了哪些句末的字需要押韵，以及押韵的韵部。这让诗歌有回环往复的听觉效果。
粘对： 律诗中相邻两联之间的平仄关系，也需要遵守一定的规则。
格律的“骨架”： 可以把格律想象成诗歌的“骨架”。有了这个骨架，诗歌才能站得稳，有结构，有力量。没有格律，诗歌就可能松散、杂乱，缺乏艺术的张力。
“工稳”的追求： 古人非常讲究诗歌的“工稳”，即形式上的精巧和准确。一个写古体诗的大家，也必然是对格律有深刻理解，并在创作中能灵活运用，甚至是在不经意间就符合格律。
那么，古体诗（广义上的，区别于近体诗）到底需要注意什么格律呢？
虽然不像近体诗那样有死板的“规则”，但古体诗依然有一些不成文的“习惯”和“倾向”，注意这些会让你的诗歌更“像”古体诗，也更具艺术性：
1. 押韵： 这是最基本的。古体诗一般是偶数句押韵，首句可以押也可以不押。选择押韵的字，尽量选择同一韵部，这样读起来顺畅。有些古体诗会跨韵，但那通常是为了特殊效果，初学者不建议模仿。
2. 平仄（相对宽松）： 虽然不像近体诗那样要求严格的平仄交替，但诗人在写古体诗时，也会有意识地避免连续使用相同的声调，尤其是避免“三平调”或“三仄调”等听起来生硬的组合。他们更追求读起来的自然流畅，而不是刻意的平仄配置。很多时候，他们的平仄会“大体上”符合一些规律，或者说，他们会避免明显的“犯忌”。
3. 对仗（非必需，但常用）： 古体诗的对仗不像律诗那样是强制性的，很多古体诗并没有严格的对仗。但如果在某些地方运用对仗，比如借景抒情、描写场景时，能够使得诗句更加精炼、生动，也会大大提升诗歌的艺术水平。
4. 句式变化： 古体诗在句式上比近体诗更为自由，可以有五言、七言，也可以杂以四言、六言，甚至更长的句子。这种句式的变化，可以根据内容和情感的需要来调整。
5. 词语的选择： 既然是“古体诗”，那么在词语的选择上，也应该尽量贴近古人的语言风格，避免过于现代化的词汇。
总结一下：
如果你的目标是写出有个人风格、情感充沛、不拘泥于形式的作品，那么可以把格律看作是一种参考，一种可以灵活调整的工具，而不是必须遵守的铁律。 即使偶尔“不合格”，只要情感表达到位，意境优美，同样是一首好诗。
但如果你想写出真正具有“古体诗”韵味，能够被传统文学爱好者认可，并且在音韵、结构上精巧的作品，那么理解并适当运用格律，特别是押韵和基本的平仄倾向，是必不可少的。 毕竟，“无规矩不成方圆”，格律是诗歌这门艺术的“规矩”之一。
所以，问题的答案不是“是”或“不是”，而是“看你的追求和功力”。一个真正的大师，即便写古体诗，也往往是在深刻理解格律的基础上，才有了“破格”的自由和能力。初学者，则建议先了解格律，并在创作中慢慢体会其妙处。
网友意见
古体诗没有明确的格律限制，你怎么注意？虽然也有一些规律性的东西，但那仅仅是规律而不是规矩。
假如想学写旧体诗的话，我强烈建议你先写近体诗再去尝试古体，因为古体诗其实更难驾驭，对于初学者，很容易就写成了顺口溜。
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