艺术家的作品和人品应该分开讨论吗？
首先，我们得承认，艺术和艺术家本人，很多时候是紧密相连的。 艺术家将自己的情感、思想、经历，甚至是潜意识，都倾注在了作品里。你看着蒙克的《呐喊》，你能不感受到那种原始的、深入骨髓的孤独和焦虑吗？这幅画的生命力，不就是来自于蒙克本人那一团乱麻般的生活和内心的挣扎吗？同样，梵高的作品，那些充满生命力的笔触和色彩，很难不让人联想到他那些不被理解、与世隔绝的孤独岁月。
所以，从这个角度来说，我们欣赏艺术，很难完全忽略艺术家这个人。 很多时候，了解了艺术家的生平、他的困境、他的追求，反而能让我们更深刻地理解作品的内涵。这就像你读一本传记，你了解了主人公的人生轨迹，他的选择，他的挣扎，你再回过头来看他的成就，是不是感觉更厚重、更立体了？有时候，艺术家的人生故事本身，就是一部引人入胜的“作品”。
但是，话说回来，我们是不是就必须把艺术家的“人品”和他的“作品”划上等号，并且在评价作品时，一味地以“人品”为标准呢？ 这就有点复杂了。
一方面，我们确实会受到艺术家人品的影响。 比如说，如果一个艺术家被曝出有严重的犯罪行为，比如性侵、歧视等等，你再去看他的作品，心里肯定会膈应。那个曾经让你心潮澎湃的画面，现在可能被蒙上了一层阴影。你的观感，你的情感共鸣，都会受到干扰。甚至有些人会因此而拒绝消费他的作品，这也很正常。这是人性，我们无法回避。
另一方面，我们也要警惕一种“以人废艺”的倾向。 艺术之所以能够流传千古，很多时候是因为它本身具有超越个体生命的力量。比如说，一些古代的伟大文学作品，作者的生活作风可能并不光彩，甚至有很多我们现在看来不可理喻的观念，但我们不能因此就否认那些作品的文学价值和历史意义。那些作品所蕴含的思想、情感，可能在几百年后依然能够触动我们。
所以，这里面有个“度”的问题，还有个“角度”的问题。
我们可以尝试分开讨论，但也很难做到完全“割裂”。
在欣赏艺术时，我们可以专注于作品本身。 我们可以去分析它的构图、色彩、技巧，去感受它带给我们的视觉冲击、情感体验。你可以单纯地被一首歌曲的旋律打动，被一幅画的意境吸引，而暂时不去想这首歌的演唱者或者这幅画的画家是谁，他是个什么样的人。这是一种纯粹的艺术享受。
但当我们需要更深入地理解艺术，或者在评价一个艺术家时，了解他的人品和生活经历，又是不可或缺的。 就像我们前面说的，这能帮助我们更全面地认识作品，也能让我们对艺术家的创作动机、作品的象征意义有更深的理解。这是一种更综合、更立体的评价方式。
更进一步说，我们也可以把“艺术家”和“艺术作品”看作是两个不同的主体。 艺术作品一旦完成，它就拥有了自己的生命，它会脱离艺术家本人，与世界发生关系，与观众对话。它可以被不同的人以不同的方式解读，它的意义也会随着时代而变化。从这个角度看，我们对作品的评价，更多的是基于作品本身的素质，而不是简单地复制艺术家个人的品德。
但是，我们也不能完全忽视艺术家的“人”这个维度。 艺术并非凭空产生，它总是有根源的。有时候，艺术家的“不正”之处，反而成为了他作品中某种独特力量的来源。比如，一些摇滚乐手的叛逆和颓废，不正是一种反抗精神的体现吗？他们的“人品”或许不符合主流社会的标准，但他们的音乐却激励了一代又一代的年轻人。
所以，我的看法是，尽量分开讨论，但也要认识到它们之间的联系，并且根据具体情况来权衡。
欣赏艺术时，优先考虑作品本身的魅力。 允许自己纯粹地享受美，享受思考。
评价艺术家时，需要更全面的视角。 既要看到作品的价值，也要审视艺术家本人的行为和价值观。但即便如此，也要避免一概而论，要区分作品和个人行为的性质。
更重要的是，保持一种开放和批判性的思维。 不要被单一的标准束缚，允许自己对同一个艺术家或同一件作品，在不同的时间、不同的情境下，产生不同的看法。
最终，我们都是在用自己的方式与艺术对话，与艺术家对话。这个过程本身，就是一个不断探索、不断学习、不断理解的过程。它没有标准答案，只有我们自己不断摸索出的理解路径。
网友意见
这是一个非常有意思，而且也是争议不断的一个话题
其实不光是艺术与人品，同样也有人会问艺术与私生活，艺术与政治倾向，艺术与道德等等，这些问题其实可以统一为探讨 艺术家与艺术作品 二者之间是一种什么关系。亦或者我们可以问能否因为艺术家本身的原因而喜爱或讨厌一件艺术品，这甚至还能上升为我们能否因为艺术家的缘故而抵制他的作品。
以上，我先分别举几个艺术家的例子，让大家产生一点代入感
讲真，我看到艺术家人品问题想到的第一人就是20世纪英国最著名的画家之一——弗朗西斯 培根（Francis Bacon）。很遗憾PUA这个词发明的太晚了，如果能够早出现一百年，将两任男友逼自杀的培根完全可以算是PUA鼻祖。
培根本人生性敏感多疑，极度缺乏安全感，同时又控制欲极强。在1963年，他与同性伴侣乔治 戴尔开始了一段十年的感情，然而这只是噩梦的开始。在他们相处的日子里，培根一直处在一种统治者的地位，他对戴尔生活的一点一滴都要加以控制并且处处打压，他的发型、衣着甚至讲话方式，甚至规定戴尔只有在受到他召唤的时候才能来见他。这种不平等的关系使得戴尔郁郁寡欢，逐渐在酗酒和毒品中迷失自己。1971年，在培根一次大型回顾展的开幕当日，人们在房间里发现了戴尔的尸体。
培根的性格受其原生家庭影响甚大，但他的无理、自大、漠视和强人所难，将他和爱他的人一次次推向深渊。但无可置疑的是，他的疯狂并没有影响他在艺术领域中巨擘的地位，他的艺术造诣令人叹为观止，追捧者不计其数。2013年11月，这位画家的作品在纽约佳士得拍卖行以1.424亿美元成交，一度成为成为艺术品拍卖史上最贵的作品。
除此之外，我联想到另一位在国际上享有盛名的中国艺术家——Weiwei Ai
有趣的是，艾先生的不少作品在国际上知名度不小，但在国内却算是“臭名远扬”，而这其中自然也有脱不了干系的政治和法律原因，不少人也因为他的政治倾向而对其作品嗤之以鼻，将其不少行为艺术和装置艺术作品列为哗众取宠之作。相比在国内的不受待见，他却是为数不多在英国皇家艺术学院（Royal Academic of Arts）和泰特现代美术馆（Tate Modern）举办过大型个展的艺术家，其作品在现代美术史中的地位不容小觑。
这件《葵瓜子》作为其代表作是非常有意义的了，整整一亿颗纯手工做的陶瓷葵瓜子，由景德镇一千六百多名陶瓷工匠耗时数月完成。葵花籽作为在中国司空见惯的零食，具有特定的时代与地域象征，每一颗与众不同的瓜子的个体意义都会因为身在其中而被庞大的基数所消解。这件作品影射了中国无数处于为了迎合大规模生产而投身于生产线上的廉价劳动力，讽刺的是，这件作品本身却解决了景德镇一千多人数月的生计。
正如Tate Modern的策展人Juliet Bingham所说，这件作品针对现代社会提出了不少挑战：What does it mean to be an individual in today's society? Are we insignificant or powerless unless we act together? What do our increasing desires, materialism and number mean for society, the environment and the future?
上述的两位都是当今艺术界充满争议的人物，然而作为观者，我们是应当排除外在影响就事论事地去欣赏他们的作品，还是应该将其与所处语境结合看待呢。这就关系到艺术品与其艺术背后含义的关系了。
普遍来说，中国观众对艺术品的评判标准并不复杂，艺术品所需要具备的重要条件之一就是好看，而这是导致了中国现代艺术中唯美主义和装饰主义大行其道的原因。如果针对这类作品，评判艺术的好坏通常与艺术家本人无关，侧重关注其绘画功底与技巧即可，好即是好差即是差，例如“端王轻佻，不可以君天下”宋徽宗即使再昏庸无能，也没办法掩盖他在书法绘画上的高超技艺，而这都是有一套来自学院较为严格的标准的。
然而西方现代艺术则走上了另一条道路，未来主义、达达主义、波普艺术等一种艺术运动，都不可避免的卷入了政治与社会因素。这些作品无一例外的与当时的环境融为一体，任何脱离语境的欣赏都会在某种程度上降低他们的艺术价值，而这也是许多人觉得看不懂现代艺术的原因，因为他们只有配合当时的那个环境才是有意义的，这也导致了艺术家在作品中不可避免的加入了自己的主观意识。
当艺术品作为艺术家表达思想的一种工具时，他的美学意义相对来说就没有那么大了，相应的，作品其中暗含的理念与想法成为了主角，作品本身反而成为了一种媒介。在这种情况下，既然有表达，就肯定会有分歧和冲突，无论是观者对创作者自身品行不端的反对，亦或是对创作者所持的观点与立场的反对，都会延伸成为对作品的喜恶，而这也是可以理解的。
然而，也有不少艺术家本身实力过硬，但其身上的确存着在让人不敢苟同地方，而这个时候，只有做到非常中立的客观，才能够将其艺术的形式（form）与内容（content）分开来看待，但能做不带任何主观情绪的欣赏自然是非常困难的。所以总而言之，每个人都是有自己思想的客体，艺术家有表达的自由，但观者也有观赏的自由，所以从策展人的角度来说，希望每个参观的人能够尝试做到一定的理性与中立，对于与自己观点相左的艺术家和作品能够给予基本的尊重和包容，尝试从不同角度进行思考，那么你将有可能发现艺术的另一种美。
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