为什么感觉软音源相较于实录音频更难混音？
让我们一层层剥开来看：
1. 缺乏“呼吸感”和“生命力”
实录音频，尤其是人声、吉他、弦乐等有生命力的乐器，自带一种天然的“呼吸感”。即使是同一段旋律，演奏者每一次的弹奏、每一次的呼吸、每一次细微的力道变化，都会注入独特的生命力。
微动态的丰富性： 实录音频中的音量、音色、音头、延音，都有着极其细腻和复杂的变化，这些变化是人机交互、物理振动和空气传导的直接体现。比如，一个吉他手弹奏同一个音符，每一次拨弦的力度、角度、甚至手指触弦的瞬间都会产生微小的差异。
环境信息的融入： 录音现场的声音，比如演奏者的呼吸声、琴弦的摩擦声、鼓棒敲击鼓皮的细微“唰”声，甚至空气中细微的杂音，这些都是实录音频“活着”的证据。它们虽然微小，但却能极大地增加音频的真实感和空间感。
情绪的传递： 音乐家在演奏时，他们的情绪、身体状态都会通过演奏直接传达到声音中。一个饱含情感的演唱，其音量、音色的起伏，甚至一点点气息的颤抖，都是情绪的载体。
软音源的挑战： 软音源通常是通过MIDI指令控制采样库或合成器发声。即使是最好的采样库，其内部的力度层、表情控制器（如CC1、CC11等）的切换，也往往是被设计成离散的、相对规则的。
预设的动态范围： 软音源的力度变化往往是开发者预设好的，虽然可以设置很多力度层，但这些层级之间的过渡，或者说“微动态”的变化，很难达到实录音频那种浑然一体、难以捉摸的复杂性。
缺乏“意料之外”的惊喜： 软音源在音色和演奏法上，往往是根据开发者“认为”应该有的样子来设计的。而实录音频，常常会有演奏者不经意间流露出的“即兴”或“走音”，这些“不完美”反而增添了艺术感。
“完美”的敌人： 软音源的精确和规律，有时候反而会让人觉得“太完美”而失真，缺乏人性化的瑕疵。
2. 频率覆盖和“空气感”的差异
好的实录音频，即使是单一乐器，其频谱也是丰富而自然的。
固有谐波和泛音： 乐器在发声时，会产生一系列复杂的泛音列，这些泛音共同构成了乐器的音色，并且这些泛音之间是有着自然规律的。
空间和环境的“空气感”： 录音空间（房间的声学特性）、录音设备的瞬态响应、甚至录音师使用的麦克风和话筒前置放大器的特性，都会为声音带来一种难以言喻的“空气感”和“空间感”。这种空气感是声音中高频部分细微的扩散和衰减的结果。
软音源的挑战：
采样库的采样特性： 采样库的声音本质上是“截取”的片段。虽然现代采样库做得非常逼真，但其高频信息或某些细微的谐波，可能在采样过程中被过滤或压缩。
合成器的“干净”： 合成器虽然可以创造出各种独特的音色，但很多基础合成器的声音，尤其是纯净的波形，会显得过于“干净”，缺乏实录乐器那种自然的频谱“毛边”。
空间信息的缺失： 很多软音源本身并不携带录音现场的残响信息，这使得它们在空间感上显得比较“平面”。我们需要通过混音中的混响、延迟等效果器来补偿，但这种补偿往往不如真实空间带来的自然。
3. “演奏性”和“表现力”的控制
MIDI数据本质上是数字信号，它告诉合成器或采样库“什么时候”、“弹奏什么音高”、“用多大的力度”。
MIDI数据的“硬”： MIDI数据本身是没有音色的，它只是一串指令。我们通过软音源将其转化为声音。这些指令虽然可以精确控制力度、弯音、调制轮等，但其变化往往是线性的、可预测的。
表情的“被动”： 许多软音源的演奏表情，例如吉他滑弦、弦乐的弓法变化、铜管乐的推弦，都需要我们手动绘制大量的MIDI控制器曲线。这需要极高的技巧和耐心，而且即使如此，也很难达到真人演奏时的流畅度和自然度。
软音源的挑战：
表达细微的情绪： 如何让一个MIDI键盘演奏出的钢琴，听起来像是有血有肉的演奏家在弹奏，而不是一个程序在执行指令？这需要我们仔细调整每一个音符的力度、时值、延音踏板的联动，甚至加入一些微小的Timing偏移。
音色变化的“自然”： 比如一个铜管乐器的音色，在不同的力度、不同的演奏技巧下，其音色变化是非常丰富的。软音源需要通过多力度层、表情控制器（如Mod Wheel, Expression Pedal）来模拟，但这些模拟往往是“跳跃”的，而不是平滑的。
“手感”的缺失： 很多时候，我们会感觉软音源“不好推”，难以将声音“推”到我们想要的位置。这可能是因为我们缺乏实录音频那种“操纵物理实体”的感觉，我们只是在操纵屏幕上的参数。
4. 混音思维的转变
我们处理实录音频的混音思维，往往是基于对真实乐器声音特性的理解。
EQ 的“物理”调整： 调整实录音频的EQ，我们是在改变乐器本身的频率响应，例如削减某个频率的“鼻音”，增加高频的“空气感”。这是在“塑造”一个已有的、具有真实物理特性的声音。
压缩的“动态控制”： 压缩实录音频，我们是为了控制乐器天然的动态范围，让它在混音中更突出或更稳定。我们理解的是乐器本身的演奏动态。
混响和延时的“空间模拟”： 我们用混响和延时来模拟录音空间，让乐器听起来在某个环境里。
软音源的挑战：
EQ 需要“创造”频谱： 处理软音源时，我们可能需要EQ来“填补”它们缺失的频率响应，或者“修正”它们过于“完美”的频谱。例如，给合成器增加一些“空气感”的高频，或者给铜管软音源增加一些“气流声”。
压缩的“节奏化”： 很多时候，我们会用压缩来“固定”软音源的音符，让它们的切入点更清晰，或者让它们的尾音更平整，甚至为了模仿鼓机的“Punch感”。
混响的“存在感”： 软音源本身的空间感缺失，迫使我们对混响和延时的使用更加谨慎和有目的性，需要它们不仅仅是“空间”，更需要它们能够“粘合”乐器，或者赋予乐器一种“风格”。
5. 解决之道 (从“难”到“易”的转变)
认识到这些原因，我们就能更好地应对。混音软音源并非不可能，而是需要不同的策略：
充分利用MIDI的“可塑性”： 不要害怕绘制详细的MIDI控制器曲线。细微的力度变化、表情轮的起伏、弯音的控制，都能极大地提升软音源的生命力。
深入研究音源本身的特性： 了解你的采样库或合成器有哪些力度层、表情控制，以及它们是如何工作的。
“人声化”软音源： 尝试加入一些细微的Timing偏移，或者模拟演奏者的呼吸声（比如在音符之间加入细微的空气声）。
EQ 和动态处理的“创造性”： 使用EQ来雕琢音色，填补缺失的频段，甚至增加一些“噪音”来模拟真实乐器的纹理。巧妙使用压缩，让软音源更具“节奏感”和“存在感”。
精妙的空间处理： 运用混响和延时，不仅模拟空间，更要用它们来营造氛围，并与真实录音的乐器进行融合。
多层叠加和“实体化”： 有时候，将一个虚拟乐器分解成多个部分（例如，用一个音源负责音头，另一个音源负责延音），然后对每个部分进行独立处理，再叠加起来，可以得到更丰富、更自然的音色。
总而言之，软音源的“难”混音，更多的是源于它们作为一种数字表达方式，与真实世界的声音属性存在差异。我们需要打破思维定势，用一种更具创造性和“雕塑”的思维去对待它们，才能让它们发出动人的声音。与其说它们“难”，不如说它们需要我们用不同的方式去“唤醒”。
网友意见
确实是这样的，我也不知道该怎么形容这个感觉，简单来说就是实录的东西“能量”很大。
用实录和软音源的弦乐举个例子好了。实录的弦乐，哪怕只录一轨solo小提琴，即使是混在大编制的midi管弦里，也会非常容易凸显出来，并且能够提升整个第一小提琴声部的质感，就一轨实录比你叠十几轨音源有用多了，能量非常大。而且通常实录的东西你可以选择麦的远近，可以选择比音源更近的麦克风位置，录出来的东西会非常清晰，让人觉得“解析度”很高。
而软音源就像@张毅非老师说的一样，很多音源都是经过了“预混音”的，虽然预混音能够让音源的质感听起来很好，但是可适用范围也变窄了。就比如你很难用好莱坞，CSS，喷火这些做出小编制室内乐，或是日系管弦的感觉来，因为这类商业音源不调试直接用的话，永远一股大片味儿。但是并不是所有曲子都需要好莱坞大片味的，尤其是很多艺术性的曲子，通常都是要往室内乐那个方向写作和混音的，这种时候用软音源反而就很乏力。再一个就是，因为软音源本身“不够真实”，所以在录音和预混音阶段，都主要还是以突出音色的群感和场感为主，尽量弱化一些容易暴露细节问题的近场感，就比如上面提到的好莱坞，CSS，喷火这些，哪怕你把reverb关了，只开close麦，也还是能感觉到有比较明显的房混，甚至是厅混（比如Cinematic Strings）。而且作为采样音色的通病，软音源哪怕有专门写过针对legato和release之类的脚本，这些音符连接，音符结束的地方也依然不可能有真实乐器那么自然。就比如实录弦乐的时候，很多快速跑动的句子听起来就非常清楚和自然，但是用软音源做，听起来就是“糊成一片的”，有时候甚至还需要叠一个spic的attack强调音头，但是效果也不尽如人意。所以因为这这那那的原因，音源听起来总是没有实录“解析度”高的，所以混音的时候也一般是扬长避短，往突出音源的群感和场感那个方向做，让声音远一点。
但是能量大有好处也有坏处，好处就是能极大地提升质感，坏处就是很难处理平衡，这个平衡不仅仅是音量和频段上的平衡，也是乐器解析度和人性化上的平衡。说个亲身经历，比如你录弦乐，只有cello是真的，那么伱其他的violin I，Violin II和贝斯这些，是很难通过软音源做到能与实录弦乐抗衡的，哪怕后者音量比前者强6db，听起来也还是前者更明显，这种时候就很头疼，唯一的办法就是把其他东西也实录了，这样听起来整体的能量才比较平衡，也比较融洽。
我个人认为有几个可能的因素：
1，演奏方面，先假设演奏员经验足够技术足够，那么实录乐器在演奏的时候，演奏家本身就会跟着音乐里其他部分的情绪、音色等等方面做出实时的反馈，不会故意明显听起来就闷了还弹的更闷、明显听起来就跳出来了还弹的更大力，之类的低级错误，所以演奏出来的东西是很容易融合进去的；而midi做的假乐器即使现在音源技术已经进步了很多，还是无法做到那么细腻的音色变化，而且用midi键盘去控制非键盘类的乐器还是会有点不够直接，会没有那种原生的反馈感，即使后期可以修细节但也还是和直接人琴一体弹出来的感觉有点落差，所以类似贝斯、吉他、弦乐、铜管这些不同力度、不同手法可以演奏出变化多端音色的乐器，用midi来做还是会相对难以融合，非常考验制作功力。
以及你说的掩蔽效应，往往原因是乐器之间的频率没有分配好，编曲的锅，但录真乐器的时候，演奏员如果对声音够敏锐，他会不自觉的帮你规避掉一些这个问题，比如你吉他的低音弦和贝斯走在了同一个音区，你用midi做的时候可能就直接做下去了，也没管，混音发现两个放在一起贝斯听不清楚了；但你录真乐器的时候，吉他演奏员可能会下意识的把低音弦的演奏力度减轻，甚至随手帮你改成一个高把位和弦，就把频率空间让出来了，这样的情况也是有可能的。
2，音源的采样它必须兼顾很多种用途、很多种情况，所以它就必须保留非常足够的信息，比如能立体声就不单声道、能录厚一点就不能录的薄，不然就会影响它的使用范围，转而就会影响它的销量；而你为了这首歌来录一轨乐器，你就可以很针对性的去选择录音的设备、方法，录宽录窄录薄录厚录近录远都随便你，即使是经验不那么够丰富的人去录音，他直觉上也会选用相对适合的方式去录（除非他真的听都不听，闷着头就录）
3，音源采样完后，厂商往往会预处理（或者在采样过程中），简单说就是先帮你稍微混过了，处理的幅度每个厂牌的理念不一样，有些会保留相对接近直接录下来的样子，有些则会处理的很夸张，以鼓为例，前者比如BFD，后者比如steven slate drums。预处理的目的有些时候是为了减少使用者的负担（比如编曲人未必每一个都很会混真鼓，所以BFD很多编曲人都不爱用，嫌麻烦还调不好）有些时候是为了提高卖相（演示曲一听，哇牛B，好真实好好听，买，买下来一用，诶没有可调空间了什么都固化了……适用面很窄，后悔……以上场景常出现在钢琴和弦乐音源）总之这个也是可能的因素之一。
总结一下就是音源为了更好的曲风兼容性或更好的卖相，所以往往不会完美适合某个单一作品，而你录真乐器却绝对可以完美匹配这个作品，融合度方面当然会有差别。
but！！！这一切都建立在：乐手够好、录音师合格的前提下。
乐手很糟糕的时候你可以体会一下，真录绝对绝对比音源难混，你见过每一声军鼓音色都不同的鼓录音吗？除了trigger换采样之外还有什么辙？……根本就没法做任何的压缩和EQ……那鼓之外的其他乐器没法换采样如果没录好就更悲剧了，有些automation画出花都弥补不了……录音师技术不行的情况下也是，比如录个鼓、录个钢琴、录个弦乐群，几个话筒之间相位乱七八糟，根本没法往一起放，一放就梳状滤波，混音你就头痛去吧……
最后，其实编曲时候如果多花点心思花点时间去选音色、调音色、并且尽量合理的分配好乐器之间的频率，画好每个乐器的表情、检查好每一个音的力度，往往也可以一定程度的避免这个问题的出现，当你音色选的超级无敌合适、并且编曲时候midi做的很细、每个轨道都很完美的时候，融合度应该不会是个问题。
不知道以上分析是否和题主问的情况一致，有理解错误的话欢迎评论区继续探讨ww
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