音乐审美的「上限」与「下限」在哪？

音乐审美的“上限”与“下限”？这问题就像在问天有多高，地有多厚，很难给出一个绝对的数字或范围。但我们可以从几个层面去理解它，试着剥开它层层叠叠的含义。

下限：什么是“听不了”？

审美的下限，我理解就是那种让你觉得“听了就浑身不舒服”、“完全没法接受”、“甚至对耳朵是一种折磨”的声音。这往往不是因为音乐本身“不好”，而是因为它触碰了我们最基本的生理和心理防线。

噪音污染的极致： 想象一下那种尖锐刺耳、毫无规律的金属摩擦声，或者工业生产线上永无休止的轰鸣。它们缺乏旋律、节奏甚至基本的声学逻辑，纯粹是干扰和破坏性的声响。这种声音，即便在艺术化的处理下，也极难被视为音乐，因为它剥夺了音乐最基本的愉悦性。
不适的音高与节奏： 某些非常规的音程组合，比如极度不协和的半音阶堆叠，或者毫无逻辑、混乱不堪的鼓点，可能会让我们的听觉系统感到混乱和不适。我们的耳朵习惯了某种程度的和谐与规律，当这些被完全打破，并且没有合理的理由（比如情绪表达的需要），就很容易退化成纯粹的噪音。
生理的排斥： 有些人可能对特定频率的声音特别敏感，比如高频的啸叫，这可能会引起生理上的不适，比如头痛或眩晕。这时候，音乐的“下限”就非常个体化了。
缺乏基本的组织性： 即使是实验性的音乐，也需要某种程度的组织和意图。如果一首曲子听起来像是随机按键或者随意丢弃的录音片段，没有任何结构，没有叙事，没有情感的递进，那它很难被纳入审美的范畴，更像是“无声胜有声”的反面——“有声却无意义”。

简单来说，音乐审美的下限，就是那些最基本地违背了人类听觉生理的和谐性、规律性，以及缺乏基本的艺术组织意图的声音。它不是让你觉得“不喜欢”，而是让你觉得“无法忍受”，甚至是一种生理上的“拒绝”。

上限：无限的可能性与挑战

审美的上限，则是一个更广阔、更令人着迷的领域。它不是一个固定的点，而是一个不断被拓展、被挑战、被重塑的边界。它关乎音乐所能达到的深度、广度以及它能触动我们心灵的极限。

极致的复杂与精妙： 我们可以想象一下巴赫赋格曲那种严谨的逻辑结构和精妙的对位技法，或者当代一些前卫作曲家通过复杂的数学模型和算法创作出的音乐。这种“上限”在于音乐内部的结构性完美，在于它所蕴含的智慧和对音乐语言的极致运用。它可能需要听者付出极大的耐心和智力去理解和欣赏，但一旦领会，那种精神上的愉悦和震撼是难以言表的。
深邃的情感共鸣： 音乐的上限，更在于它能够引发我们内心深处最复杂、最细腻的情感。那可能是马勒交响乐中对生命终极意义的追问，是肖邦夜曲中那种极致的忧伤与温柔，是电影配乐中精准捕捉并放大人物内心世界的某个瞬间。这种“上限”在于情感的深度、感染力和普适性。它能够触及我们内心最柔软的部分，引发强烈的共鸣，甚至改变我们对生活、对世界的看法。
突破性的创新与探索： 音乐的上限也体现在那些敢于打破陈规、探索未知音乐领域的艺术家身上。无论是早期爵士乐的自由即兴，还是电子音乐的合成器实验，亦或是后现代主义对传统音乐形式的解构，这些都是在不断拓展音乐的边界。这种“上限”在于创造力、想象力和对艺术边界的挑战。它可能在当下并不被所有人理解，但它为后来的音乐发展开辟了新的道路。
跨越文化的理解与连接： 音乐的上限也可以体现在它跨越文化、语言和时代，依然能被不同背景的人所理解和喜爱。比如一些古老的民歌，或者一些具有普世价值的旋律，它们拥有穿越时空的生命力。这是一种精神层面的连接和共通性。
难以言喻的精神体验： 有时候，音乐的上限可能是一种超越语言和理性的体验。就像某些宗教音乐、冥想音乐，或者纯粹的氛围音乐，它们的目的不是叙事或炫技，而是创造一种特定的精神状态，一种宁静、空灵或者神圣的感受。这种“上限”在于音乐所能达到的精神维度和对个体意识的影响。

所以，音乐审美的“上限”是开放性的，它是指音乐所能触及的最深沉、最广阔、最复杂、最创新、最深刻的情感和精神体验。它是一个邀请，邀请我们去探索、去思考、去感受，去挑战我们已有的认知和审美习惯。

上下限之间的广阔地带

大多数我们听到的音乐，都游走在这“上限”和“下限”之间的广阔地带。在这里，有我们喜爱的流行歌曲，有能让我们放松的背景音乐，有让我们热血沸腾的摇滚乐，有让我们沉思的古典乐。这个区域是音乐的主战场，也是我们日常生活中最常接触到的部分。

审美的“上下限”不是死的界限，而是动态的、相互影响的。我们对“下限”的认知会随着我们对音乐的理解和接触而拓宽，我们对“上限”的追求也会不断推高。而正是这种对“上限”的不断探索，才让音乐的世界如此丰富多彩，充满生机。

用更个人的角度来说，你的“上限”和“下限”可能和我的不一样。这正是音乐的魅力所在——它提供了一种个性化的体验，允许我们以自己的方式去理解和感受声音的世界。所以，与其去定义一个绝对的上下限，不如去享受在这个广阔空间里，每一次的聆听，每一次的发现。

网友意见

看了题主的问题，我觉得如果用“上限”和“下限”可能不是特别合适，我更认为题主想讨论的应该是音乐审美的“边界问题”。

1.音乐审美是如何形成的。

我认为，音乐审美的形成在于“熟悉”。举一个例子。

昆曲是明清时期具有代表性的戏曲品种之一，其题材大多使用文学经典，在音乐上也有其独特的风格，人们普遍认为昆曲是特别的“雅”的艺术，而在当昆曲流行的历史时期，“雅”就是当时音乐的主流审美标准。在昆曲之后，京剧将其颠覆了，京剧题材内容比昆曲更加丰富，而且在音乐上的变化也更加多样，音乐不在只限于“雅”，可以有很多不同的风格，这就使得京剧相比于昆曲，欣赏起来更加通俗，京剧成为明清时期更具代表性的戏曲品种。而在京剧流行了之后，京剧艺术的审美标准便成为了主流的审美标准，昆曲成为了“过去式”。

那我们可以来思考一个问题，历史中如果有两个小孩，第一个小孩出生成长在昆曲流行的时期，第二个小孩出生成长在京剧流行的时期，那他们的音乐审美会有差别吗？我相信，这两个小孩的审美标准会有不同。

我们回到当代，还是说说京剧。京剧在当代的发展情况，一定是没有清代发展的好了，但还是有一些票友十分喜欢去听京剧的。大家可以思考一下，你身边大多是什么样的人喜欢去听京剧？其他人不知道，至少我能接触到的，更喜欢听京剧的是一些有岁月积累的人。相对于京剧，我理解的当代主流音乐是流行音乐，我们同样可以思考一下，更爱听流行音乐演唱会的是哪些人？我觉得应该是以年轻人为主。我们对照后可以发现，这些爱听京剧的人，就是第一个“小孩”，而年轻这一代人，就是第二个“小孩”。

所以，如果一个人，没有刻意的接受音乐的学习和训练，那他的音乐审美标准一定会受到他最“熟悉“的社会主流音乐审美的而影响，从结合其个人对不同音乐的了解，最终形成其自己的音乐审美标准。

2.音乐审美的差异问题。

所处的时代与社会的审美标准，会影响绝大多数人的审美方向，但从其内部来讲，是一定存在差异的。我觉得这种差异主要源于每个人的所在地区、教育背景、生活经历等等方面。就以我音乐学院上下界的这些同学们为例，我们这一批人大多从小学习乐器，听着周杰伦、王力宏、S.H.E.的磁带长大，在音乐学院系统学习了中外音乐理论，观看过大大小小的音乐会和演出，在这样的教育与训练下，我们形成了相对“学院派”的审美标准。而相比于我们这一代没有受过专业音乐训练的人，我们更了解不同种类音乐的“合理性”，也更加“熟悉”不同的音乐风格，所以即便是听到有一些不是特别了解的音乐，我们可以认为这个音乐“不好听”，但不会觉得它“一文不值”。如果再进一步，我们结合到不同专业来讲，一定是钢琴系的同学更爱听钢琴作品，管弦系的同学更爱听管弦乐，声歌系的同学更爱听艺术歌曲，等等。我不知道大家有没有发现一个有趣的现象，那就是在流行音乐圈，很少有我们音乐学院出来的学生特别厉害的，我个人认为这是一个有趣且复杂的问题，我觉得这和音乐审美标准是有关系的，概括起来说的话，就是学院派的音乐审美限制了我们去参与流行音乐。我们再反过来想，如果我们这些音乐学院的同学们没有经过这么多年的音乐教育，很大的可能是，我们与其他人在音乐审美上也没什么区别。

我们结合日常生活来看，我们这一代人，几乎是每一个人都爱听周杰伦，都喜欢流行音乐，这是一个事实。但在此基础上，有些可能人会更喜欢爵士、有些人可能更喜欢摇滚、有些人可能更喜欢说唱，等等。这些不同的审美倾向一定是受到个人成长过程中的方方面面影响的，这种影响可以是很多元的。我们可以进行一个有趣的设想：还是有一个小孩，从小学习二胡、爸爸是一名MC喊麦主播、妈妈是一名歌剧演员。小孩中学开始去美国读书，寄宿在爱听音乐剧的小姨家，大学通过努力进入到伯克利音乐学院学习爵士作曲。我们可以去猜测一下，这个小孩的音乐审美是倾向于哪种音乐？我觉得，不管是哪种，一定是在他成长过程中接触过的，他才能去喜欢。结合这个小孩的经历来讲，他绝对不可能喜欢上新疆的十二木卡姆，因为他都不知道，这是个啥。

综上所述，同时结合题主的问题来说，音乐的审美可能无法用特别准确的“界限”去划分它，可能也很难去弄清楚到底一个人到底为什么喜欢一种音乐。这种审美问题不限于音乐，同样出现于对衣服的审美、对长相的审美等等，是一个相对复杂的问题。但不可否认的是，个人音乐审美一定是受到了所处时代、环境、生活、教育等方面的影响而形成的。

由此，题主问，在理论上世上是否可能存在“全能欣赏者”。我认为，从理论上是存在的，如果一个人的一生可以有机会接触到历史中和当代的一切音乐，并且对未来的音乐有一定期待，在此基础上还能能够有充分的时间和经历去学习这些音乐，那他是可以成为一个“全能欣赏者”的。

以上。

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