音乐人有多少学了四声体用于作曲呢？
音乐人学习和运用四声体（或称为“四部和声”）进行作曲，这是一个在西方古典音乐体系中非常普遍且基础的训练。可以说，绝大多数受过学院派音乐教育的作曲家，无论他们最终的风格如何，都必定深入学习过四声体。
四声体的基本概念与重要性
首先，我们得明白什么是四声体。简单来说，四声体是指由四个独立的声部（通常是女高音 Soprano、女中音 Alto、男高音 Tenor、男低音 Bass）按照一定的和声规则和旋律线条进行组合的音乐写作。它不仅仅是简单地将和弦叠起来，更强调每个声部自身的旋律性和独立性，同时又相互配合，形成丰富的和声色彩和织体。
为什么四声体如此重要？
1. 和声语汇的基础： 四声体是理解和构建复杂和声的基石。通过四声体的练习，作曲家能够系统地学习各种基本和弦（如三和弦、七和弦）、它们的转位、以及如何进行平稳的声部进行。这些基本功是后续学习更复杂的和声、配器、对位法等技法的前提。
2. 旋律与和声的统一： 四声体训练教会作曲家如何让旋律线条与和声背景相辅相成。一个好的四声体写作，不仅和弦听起来悦耳，每个声部的旋律也应该有自己的生命力，避免生硬的跳进或不自然的连接。这种对旋律和和声关系的深刻理解，对任何风格的作曲都至关重要。
3. 织体训练的起点： 四声体是学习各种音乐织体（texture）的入门。无论是纯粹的旋律与伴奏（homophonic），还是更复杂的对位（polyphonic）织体，四声体都能提供一个清晰的框架来理解声部之间的关系。
4. 西方音乐的“语法”： 在很长一段时间里，尤其是在巴洛克、古典主义时期，四声体写作是音乐创作的标准语言。学习它，就像学习一门新的语言需要学习其语法和词汇一样，是进入音乐创作世界的重要一步。
谁学习四声体？
几乎所有认真学习作曲的人都会学习四声体，这包括：
古典音乐作曲家： 像巴赫、莫扎特、贝多芬、勃拉姆斯等伟大的作曲家，他们的作品无论多么宏大复杂，其根基都离不开对四声体原则的深刻掌握。他们的许多创作技巧，例如声部进行、和弦连接、 cadences（终止式）的运用，都源于四声体的训练。
现代古典作曲家： 即使是20世纪和21世纪的作曲家，许多人在早期也接受了四声体的严格训练。虽然他们可能不一定严格遵循传统四声体的规则，甚至会突破或颠覆这些规则，但对这些规则的了解，让他们能够更自觉地选择“不遵循”或“如何创新”。例如，一些作曲家可能会故意使用不和谐音，但他们知道这些不和谐音在传统四声体语境下是如何被处理和解决的。
电影、游戏配乐作曲家： 许多为影视、游戏创作音乐的作曲家，也具备扎实的和声学基础，其中四声体是必不可少的一部分。他们需要为管弦乐队、合唱团或其他ensemble编写声部，而四声体提供了基础的声部配置和和声逻辑。
流行音乐制作人/编曲家（一定程度上）： 虽然流行音乐的创作流程和对和声的要求可能与古典音乐有所不同，但很多优秀的流行音乐制作人和编曲家，也会学习和声学原理，其中也包含了四声体的概念。他们可能会将简单的四声体结构发展成更丰富的和声色彩，或者将四声体的概念应用到吉他、键盘等乐器的编排中。例如，为歌曲编写和声部分（backing vocals）时，就需要考虑不同声部的连接和整体的音响效果。
学习的深度和应用方式
学习四声体的深度因人而异，其应用方式也多种多样：
基础训练： 在音乐学院，四声体写作通常是基础课程，学生需要完成大量的练习，包括从给定的低音写出上部声部，或从给定的旋律写出伴奏声部，以及写出完整的四部和声。
作为创作工具： 对于一些作曲家来说，四声体是一种直接的创作工具。他们会像写论文一样，一行一行地构思和声与旋律。
理解和弦进行： 即使作曲家不直接写四声体，四声体训练也能帮助他们理解各种和弦进行背后的逻辑，从而更精准地选择和弦来表达情绪或构建音乐结构。
配器法的基础： 掌握了四声体，作曲家在为不同乐器配器时，能更好地分配声部，确保音响的平衡和色彩的丰富。例如，了解男低音和女高音的音域，以及它们在四声体中的作用，有助于选择合适的乐器来演奏这些声部。
对比与创新： 很多现代作曲家对四声体的“突破”正是在理解其规则的基础上进行的。他们知道为什么某种进行是“传统”的，然后可以选择性地打破它，以达到特殊的艺术效果。例如，在爵士乐中，和弦的延伸和色彩非常丰富，但其基础的和声逻辑，很多也能追溯到四声体。
总结
可以毫不夸张地说，四声体是西方音乐作曲体系中最核心、最基础的训练之一。尽管音乐风格在不断演变，但对和声、旋律线性以及声部之间关系的理解，始终是作曲家创作的基石。所以，绝大多数受过系统音乐教育的作曲家，无论他们最终的作品风格多么“不传统”或“前卫”，都必然在某个阶段深入学习过四声体，并且这种学习对其音乐思维和创作技巧产生了深远的影响。它就像一个作曲家的“内功”，即使不直接展现，也支撑着他所有外在的技法和风格。
四声体的基本概念与重要性
首先，我们得明白什么是四声体。简单来说，四声体是指由四个独立的声部（通常是女高音 Soprano、女中音 Alto、男高音 Tenor、男低音 Bass）按照一定的和声规则和旋律线条进行组合的音乐写作。它不仅仅是简单地将和弦叠起来，更强调每个声部自身的旋律性和独立性，同时又相互配合，形成丰富的和声色彩和织体。
为什么四声体如此重要？
1. 和声语汇的基础： 四声体是理解和构建复杂和声的基石。通过四声体的练习，作曲家能够系统地学习各种基本和弦（如三和弦、七和弦）、它们的转位、以及如何进行平稳的声部进行。这些基本功是后续学习更复杂的和声、配器、对位法等技法的前提。
2. 旋律与和声的统一： 四声体训练教会作曲家如何让旋律线条与和声背景相辅相成。一个好的四声体写作，不仅和弦听起来悦耳，每个声部的旋律也应该有自己的生命力，避免生硬的跳进或不自然的连接。这种对旋律和和声关系的深刻理解，对任何风格的作曲都至关重要。
3. 织体训练的起点： 四声体是学习各种音乐织体（texture）的入门。无论是纯粹的旋律与伴奏（homophonic），还是更复杂的对位（polyphonic）织体，四声体都能提供一个清晰的框架来理解声部之间的关系。
4. 西方音乐的“语法”： 在很长一段时间里，尤其是在巴洛克、古典主义时期，四声体写作是音乐创作的标准语言。学习它，就像学习一门新的语言需要学习其语法和词汇一样，是进入音乐创作世界的重要一步。
谁学习四声体？
几乎所有认真学习作曲的人都会学习四声体，这包括：
古典音乐作曲家： 像巴赫、莫扎特、贝多芬、勃拉姆斯等伟大的作曲家，他们的作品无论多么宏大复杂，其根基都离不开对四声体原则的深刻掌握。他们的许多创作技巧，例如声部进行、和弦连接、 cadences（终止式）的运用，都源于四声体的训练。
现代古典作曲家： 即使是20世纪和21世纪的作曲家，许多人在早期也接受了四声体的严格训练。虽然他们可能不一定严格遵循传统四声体的规则，甚至会突破或颠覆这些规则，但对这些规则的了解，让他们能够更自觉地选择“不遵循”或“如何创新”。例如，一些作曲家可能会故意使用不和谐音，但他们知道这些不和谐音在传统四声体语境下是如何被处理和解决的。
电影、游戏配乐作曲家： 许多为影视、游戏创作音乐的作曲家，也具备扎实的和声学基础，其中四声体是必不可少的一部分。他们需要为管弦乐队、合唱团或其他ensemble编写声部，而四声体提供了基础的声部配置和和声逻辑。
流行音乐制作人/编曲家（一定程度上）： 虽然流行音乐的创作流程和对和声的要求可能与古典音乐有所不同，但很多优秀的流行音乐制作人和编曲家，也会学习和声学原理，其中也包含了四声体的概念。他们可能会将简单的四声体结构发展成更丰富的和声色彩，或者将四声体的概念应用到吉他、键盘等乐器的编排中。例如，为歌曲编写和声部分（backing vocals）时，就需要考虑不同声部的连接和整体的音响效果。
学习的深度和应用方式
学习四声体的深度因人而异，其应用方式也多种多样：
基础训练： 在音乐学院，四声体写作通常是基础课程，学生需要完成大量的练习，包括从给定的低音写出上部声部，或从给定的旋律写出伴奏声部，以及写出完整的四部和声。
作为创作工具： 对于一些作曲家来说，四声体是一种直接的创作工具。他们会像写论文一样，一行一行地构思和声与旋律。
理解和弦进行： 即使作曲家不直接写四声体，四声体训练也能帮助他们理解各种和弦进行背后的逻辑，从而更精准地选择和弦来表达情绪或构建音乐结构。
配器法的基础： 掌握了四声体，作曲家在为不同乐器配器时，能更好地分配声部，确保音响的平衡和色彩的丰富。例如，了解男低音和女高音的音域，以及它们在四声体中的作用，有助于选择合适的乐器来演奏这些声部。
对比与创新： 很多现代作曲家对四声体的“突破”正是在理解其规则的基础上进行的。他们知道为什么某种进行是“传统”的，然后可以选择性地打破它，以达到特殊的艺术效果。例如，在爵士乐中，和弦的延伸和色彩非常丰富，但其基础的和声逻辑，很多也能追溯到四声体。
总结
可以毫不夸张地说，四声体是西方音乐作曲体系中最核心、最基础的训练之一。尽管音乐风格在不断演变，但对和声、旋律线性以及声部之间关系的理解，始终是作曲家创作的基石。所以，绝大多数受过系统音乐教育的作曲家，无论他们最终的作品风格多么“不传统”或“前卫”，都必然在某个阶段深入学习过四声体，并且这种学习对其音乐思维和创作技巧产生了深远的影响。它就像一个作曲家的“内功”，即使不直接展现，也支撑着他所有外在的技法和风格。
网友意见
最近我教人的时候，常提一个建议：不要试图用理论规范你的作品，但是要用理论验证你的作品。
展开说就是：
- 不要在创作之初就给自己框架限制，强行设定自己的作品要用到什么理论，如何展现这个理论，你可以设定它的情绪、故事或干脆设定纯粹的音符上的主题，但只要不是考试，你设置了理论框架限制，便是对你作品最大的限制
- 你所学的理论也有一大部分来自于经验学，是通过大量实践积累得来的规律，因此你的作品也可以被验证，而如果反复论证都和现有理论有一定的出入，最大的可能性，是有你完全不知道的理论，而不是你开宗立派了，因为你需要让你的反常的作品积累到市场不可忽略的程度并可以有自洽的系统理论解释它时，你才有可能触及开宗立派
- 无论是斯波索宾还是史蒂夫莱茨或者马克列文，他们的理论书籍，我的建议是，都没必要按照文史或理工类理论书籍来学习，而我建议像查字典一样使用，它是工具书，就和你写作文很可能需要查字典来控制自己组词一样
总结就是，没必要为了用这个理论而去写作，你需要学习理论，但那是基本路线指导，路怎么走，是看你自己，如果你迷路了，理论可以指引，如果你走完了，要复盘，可以用理论验证，下次再走就可以更轻松。
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