古典油画里的技法和cg绘画的技法有什么关联吗。?
在探讨古典油画与CG绘画的技法关联时，我们不能简单地将它们视为两个孤立的世界。事实上，尽管媒介和工具截然不同，它们之间存在着深刻的、常常是基于共通的艺术原理的联系。这种联系并非现代CG绘画对古典油画的简单模仿，而是一种基于对光影、色彩、体积、质感以及视觉叙事理解的传承与演变。
共同的基石：对视觉本质的探索
无论是在画布上还是在屏幕上，艺术创作的本质都是对我们所见世界的理解和再现，并在此基础上注入创作者的情感和想法。古典油画大师们通过对颜料、笔触、光影的精妙运用，捕捉了物质世界的微妙变化，例如：
对光影的理解（Chiaroscuro & Sfumato）： 卡拉瓦乔（Caravaggio）戏剧性的明暗对比（Chiaroscuro）和达芬奇（Leonardo da Vinci）柔和晕染的过渡（Sfumato）是古典油画技法的典范。这些技法旨在通过对光线照射下物体明暗关系的刻画，塑造体积感、营造空间感和情绪氛围。CG绘画中，我们通过灯光设置、阴影贴图、全局光照（Global Illumination）等技术来模拟物理光照，其目的与古典油画异曲同工，都是为了让画面中的物体看起来“真实”且有立体感。甚至在CG中，也会有意借鉴Sfumato那种模糊边缘、柔化过渡的效果，以避免画面过于生硬。
色彩的运用与理论（Color Theory）： 古典油画的颜料本身就蕴含着复杂的色彩混合和叠加的物理过程。画家们通过对色彩的冷暖、明暗、纯度等关系的把握，创造出丰富微妙的色彩变化，影响着观众的情绪和感知。CG绘画同样建立在色彩理论的基础上。尽管数字色彩是基于RGB或CMYK等模型，但其背后的调色原理、色彩搭配的和谐性、色彩在不同光照下的变化，都与油画的实践有着共通之处。比如，在CG中模拟油画的厚涂（Impasto）或薄涂（Glazing）效果时，我们就会考虑颜料的透明度、叠加方式等，这背后是对色彩“堆叠”和“渗透”物理过程的理解。
笔触的表达（Brushwork）： 梵高（Vincent van Gogh）充满力量的笔触，或是莫奈（Claude Monet）点彩式的笔触，都在画布上留下了艺术家独特的“痕迹”，这些笔触本身就带有情感和动感。在CG绘画中，虽然我们使用的不是物理的画笔，但笔刷（Brushes）的设计和使用，正是对古典油画笔触的一种数字化模拟。优秀的CG艺术家会精细地调整笔刷的硬度、流量、纹理、倾斜度等参数，以模仿不同油画笔的特性，创造出具有生命力的笔触感，从而赋予画面独特的质感和表现力。
CG绘画如何“传承”与“转化”古典油画技法？
CG绘画并非简单复制，而是在理解了古典油画的底层逻辑后，用数字化的方式进行“传承”和“转化”。
1. 模拟与再现：
材质模拟： CG艺术家会通过纹理贴图（Texture Mapping）、法线贴图（Normal Mapping）、置换贴图（Displacement Mapping）等技术，来模拟油画颜料的质感，如画布的纹理、颜料的厚重感、甚至笔触的凹凸感。例如，通过Subsurface Scattering（次表面散射）来模拟皮肤或某些半透明材质，这在古典油画中是通过油画颜料的层层叠加和透明度来达到的。
光照与反射： 金属的反射、丝绸的光泽、木头的纹理，这些在油画中需要依靠艺术家对光线与材质交互的经验来表现。CG通过PBR（Physically Based Rendering）等渲染管线，将物理世界的反射、折射、粗糙度等属性参数化，从而更精确地模拟出各种材质在光照下的真实反应，这某种程度上是对油画大师们对光影感知能力的数字化量化。
2. 创新与扩展：
不受物理限制的创作： CG可以轻易地实现油画难以达到的效果，例如无限的颜色混合、平滑无痕的渐变、或者在瞬间改变画面的光照条件。艺术家可以利用图层（Layers）功能反复修改和叠加，而不必担心颜料干涸或混色不当。
数字化的“笔触”： CG笔刷不仅可以模拟油画笔触，还可以创造出油画无法实现的笔触效果，比如动态变化的笔刷，或者具有程序化生成纹理的笔刷。这些笔刷的使用，已经发展出了一套属于CG绘画自身的语言。
参数化的控制： 艺术家可以精确地控制画面的每一个细节，从光照强度到色彩饱和度，从景深到运动模糊，都可以通过参数进行调整。这种精细的控制，在一定程度上是对古典油画中“运气”和“偶然性”的取代，但同时也将创作的主导权交给了艺术家对这些参数的理解和运用。
3. 概念与流程的共通：
素描与结构： 无论油画还是CG，扎实的素描基础和对物体结构的理解都是不可或缺的。古典油画中的“打底稿”（Underpainting）和“罩染”（Glazing）等步骤，都强调了在色彩叠加之前，对画面整体构图、明暗关系和形体结构的预设。CG绘画中的草图、线稿、模型建立，本质上也是在数字空间中完成类似的结构搭建工作。
信息与情感的传递： 最终，技法的核心目的是服务于艺术家的创作意图，传递信息和情感。古典油画大师们通过对技法的纯熟运用，营造出能够打动人心的画面。CG绘画也一样，先进的渲染技术、逼真的材质模拟，最终都是为了更好地讲述一个故事，表达一种情绪，或者引发观众的思考。
一些例子来具体说明：
“薄涂罩染法”（Glazing）： 古典油画中，艺术家会用透明度极高的油画颜料薄层层叠加，以创造出深邃、丰富的色彩层次和微妙的光泽。在CG绘画中，可以通过调整图层的混合模式（如“叠加”、“柔光”）以及降低图层不透明度，来模拟这种效果。例如，在绘制皮肤时，可以通过多层半透明的颜色来表现皮肤的通透感和血色。
“厚涂法”（Impasto）： 梵高等画家通过直接用厚重的颜料堆砌，来创造出充满触感的表面肌理和生命力。在CG中，可以通过使用纹理感强的笔刷，并在笔刷设置中增加“纹理”或“高度”属性，来模拟颜料的厚度和笔触的立体感。甚至一些高级的渲染技术（如视差贴图）也可以模拟出表面凸起的效果。
“湿画法”（Wetonwet）： 在油画中，这种技法允许颜料在湿润的状态下相互融合，产生柔和自然的过渡。在CG中，一些笔刷工具会带有“湿润”或“混合”的选项，可以通过调整笔刷的“混合度”来模拟这种效果，例如在绘制云彩或水面时。
总结：
古典油画的技法与CG绘画的技法之间，并非割裂，而是一种在不同媒介下的“精神”传承和“形式”转化。CG绘画继承了古典油画对于光影、色彩、材质、构图等基本视觉原理的深刻理解，并在此基础上，利用数字化的工具和技术，对其进行了创新和扩展。CG艺术家在创作时，常常会研究古典油画大师们的作品，从中汲取灵感，学习他们如何运用技法来解决艺术问题。可以说，CG绘画是建立在对人类视觉经验的长期探索和理解之上的一种现代艺术形式，而古典油画正是这段探索历程中最宝贵的财富之一。理解了古典油画的技法，也就更容易理解CG绘画中许多“为什么”和“怎么做”的背后逻辑，从而创作出更具深度和感染力的作品。
共同的基石：对视觉本质的探索
无论是在画布上还是在屏幕上，艺术创作的本质都是对我们所见世界的理解和再现，并在此基础上注入创作者的情感和想法。古典油画大师们通过对颜料、笔触、光影的精妙运用，捕捉了物质世界的微妙变化，例如：
对光影的理解（Chiaroscuro & Sfumato）： 卡拉瓦乔（Caravaggio）戏剧性的明暗对比（Chiaroscuro）和达芬奇（Leonardo da Vinci）柔和晕染的过渡（Sfumato）是古典油画技法的典范。这些技法旨在通过对光线照射下物体明暗关系的刻画，塑造体积感、营造空间感和情绪氛围。CG绘画中，我们通过灯光设置、阴影贴图、全局光照（Global Illumination）等技术来模拟物理光照，其目的与古典油画异曲同工，都是为了让画面中的物体看起来“真实”且有立体感。甚至在CG中，也会有意借鉴Sfumato那种模糊边缘、柔化过渡的效果，以避免画面过于生硬。
色彩的运用与理论（Color Theory）： 古典油画的颜料本身就蕴含着复杂的色彩混合和叠加的物理过程。画家们通过对色彩的冷暖、明暗、纯度等关系的把握，创造出丰富微妙的色彩变化，影响着观众的情绪和感知。CG绘画同样建立在色彩理论的基础上。尽管数字色彩是基于RGB或CMYK等模型，但其背后的调色原理、色彩搭配的和谐性、色彩在不同光照下的变化，都与油画的实践有着共通之处。比如，在CG中模拟油画的厚涂（Impasto）或薄涂（Glazing）效果时，我们就会考虑颜料的透明度、叠加方式等，这背后是对色彩“堆叠”和“渗透”物理过程的理解。
笔触的表达（Brushwork）： 梵高（Vincent van Gogh）充满力量的笔触，或是莫奈（Claude Monet）点彩式的笔触，都在画布上留下了艺术家独特的“痕迹”，这些笔触本身就带有情感和动感。在CG绘画中，虽然我们使用的不是物理的画笔，但笔刷（Brushes）的设计和使用，正是对古典油画笔触的一种数字化模拟。优秀的CG艺术家会精细地调整笔刷的硬度、流量、纹理、倾斜度等参数，以模仿不同油画笔的特性，创造出具有生命力的笔触感，从而赋予画面独特的质感和表现力。
CG绘画如何“传承”与“转化”古典油画技法？
CG绘画并非简单复制，而是在理解了古典油画的底层逻辑后，用数字化的方式进行“传承”和“转化”。
1. 模拟与再现：
材质模拟： CG艺术家会通过纹理贴图（Texture Mapping）、法线贴图（Normal Mapping）、置换贴图（Displacement Mapping）等技术，来模拟油画颜料的质感，如画布的纹理、颜料的厚重感、甚至笔触的凹凸感。例如，通过Subsurface Scattering（次表面散射）来模拟皮肤或某些半透明材质，这在古典油画中是通过油画颜料的层层叠加和透明度来达到的。
光照与反射： 金属的反射、丝绸的光泽、木头的纹理，这些在油画中需要依靠艺术家对光线与材质交互的经验来表现。CG通过PBR（Physically Based Rendering）等渲染管线，将物理世界的反射、折射、粗糙度等属性参数化，从而更精确地模拟出各种材质在光照下的真实反应，这某种程度上是对油画大师们对光影感知能力的数字化量化。
2. 创新与扩展：
不受物理限制的创作： CG可以轻易地实现油画难以达到的效果，例如无限的颜色混合、平滑无痕的渐变、或者在瞬间改变画面的光照条件。艺术家可以利用图层（Layers）功能反复修改和叠加，而不必担心颜料干涸或混色不当。
数字化的“笔触”： CG笔刷不仅可以模拟油画笔触，还可以创造出油画无法实现的笔触效果，比如动态变化的笔刷，或者具有程序化生成纹理的笔刷。这些笔刷的使用，已经发展出了一套属于CG绘画自身的语言。
参数化的控制： 艺术家可以精确地控制画面的每一个细节，从光照强度到色彩饱和度，从景深到运动模糊，都可以通过参数进行调整。这种精细的控制，在一定程度上是对古典油画中“运气”和“偶然性”的取代，但同时也将创作的主导权交给了艺术家对这些参数的理解和运用。
3. 概念与流程的共通：
素描与结构： 无论油画还是CG，扎实的素描基础和对物体结构的理解都是不可或缺的。古典油画中的“打底稿”（Underpainting）和“罩染”（Glazing）等步骤，都强调了在色彩叠加之前，对画面整体构图、明暗关系和形体结构的预设。CG绘画中的草图、线稿、模型建立，本质上也是在数字空间中完成类似的结构搭建工作。
信息与情感的传递： 最终，技法的核心目的是服务于艺术家的创作意图，传递信息和情感。古典油画大师们通过对技法的纯熟运用，营造出能够打动人心的画面。CG绘画也一样，先进的渲染技术、逼真的材质模拟，最终都是为了更好地讲述一个故事，表达一种情绪，或者引发观众的思考。
一些例子来具体说明：
“薄涂罩染法”（Glazing）： 古典油画中，艺术家会用透明度极高的油画颜料薄层层叠加，以创造出深邃、丰富的色彩层次和微妙的光泽。在CG绘画中，可以通过调整图层的混合模式（如“叠加”、“柔光”）以及降低图层不透明度，来模拟这种效果。例如，在绘制皮肤时，可以通过多层半透明的颜色来表现皮肤的通透感和血色。
“厚涂法”（Impasto）： 梵高等画家通过直接用厚重的颜料堆砌，来创造出充满触感的表面肌理和生命力。在CG中，可以通过使用纹理感强的笔刷，并在笔刷设置中增加“纹理”或“高度”属性，来模拟颜料的厚度和笔触的立体感。甚至一些高级的渲染技术（如视差贴图）也可以模拟出表面凸起的效果。
“湿画法”（Wetonwet）： 在油画中，这种技法允许颜料在湿润的状态下相互融合，产生柔和自然的过渡。在CG中，一些笔刷工具会带有“湿润”或“混合”的选项，可以通过调整笔刷的“混合度”来模拟这种效果，例如在绘制云彩或水面时。
总结：
古典油画的技法与CG绘画的技法之间，并非割裂，而是一种在不同媒介下的“精神”传承和“形式”转化。CG绘画继承了古典油画对于光影、色彩、材质、构图等基本视觉原理的深刻理解，并在此基础上，利用数字化的工具和技术，对其进行了创新和扩展。CG艺术家在创作时，常常会研究古典油画大师们的作品，从中汲取灵感，学习他们如何运用技法来解决艺术问题。可以说，CG绘画是建立在对人类视觉经验的长期探索和理解之上的一种现代艺术形式，而古典油画正是这段探索历程中最宝贵的财富之一。理解了古典油画的技法，也就更容易理解CG绘画中许多“为什么”和“怎么做”的背后逻辑，从而创作出更具深度和感染力的作品。
网友意见
异同就是油画其实只能调图层透明度，而且基本只能加不能减。cg妥妥黑科技。
全称是：基于素描稿的罩染上色法，属于古典派的技术.也有叫间接画法的。
与之相对应的是直接画法-不刷底，不打素描稿，直接用色块起手，常见于印象派时期。
古典油画如果强行和cg关联的话，那么推崇素描至上是共通的，因为现在也有很多cg画手也是通过软件功能实现黑白转为彩色画面，这样的好处就是素描稳定，崩坏的几率较小，当然素描至上带来的结果就是一般来说颜色不会太活泼。
以上理论不适合抽象画谢谢
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