画师画稿动作全是靠自己想吗？
画师画稿的动作并非完全靠“自己想”，这是一个需要细致拆解和理解的过程。如果简单地说“完全靠自己想”，那会大大简化这项工作的复杂性，也低估了画师们背后付出的努力和积累的技巧。
我们可以从以下几个方面来详细阐述画师如何获取和创作画稿中的动作：
1. 对人体结构的深刻理解是基础：
任何生动逼真的动作都离不开对人体骨骼、肌肉和关节的了解。画师不是凭空臆想一个动作，而是基于对解剖学的基本认知。
骨骼结构： 知道肩膀如何转动，脊椎如何弯曲，膝盖和肘部是如何屈伸的，这些都决定了动作的可能性和范围。例如，一个奔跑的动作，画师需要知道大腿骨、小腿骨、股骨的相对位置和运动轨迹。
肌肉动态： 了解主要肌肉群在不同动作下的收缩和舒展状态，能够帮助画师表现出动作的力量感、体积感和流畅性。例如，一个挥拳的动作，肱二头肌的收缩、肩部肌肉的拉伸都会影响到画面的表现。
关节的限制： 人体关节并非可以随意扭曲，它们有自身的活动范围。画师需要知道哪些动作是自然且可能的，哪些则会显得僵硬或违反人体工学。
2. 参考是不可或缺的工具和灵感来源：
“靠自己想”并非意味着闭门造车，参考是画师重要的工作流程。
摄影参考： 这是最直接也最常用的方法。画师会寻找现实生活中人们进行相似动作的照片或视频。这可以是专业模特摆拍的，也可以是街拍的抓拍。通过观察照片，画师可以学习到动作的瞬间姿态、光影变化、衣物褶皱等细节。
动态捕捉和动画： 对于需要表现复杂或连续性动作的画师，例如动画师或者画动作场面的漫画家，他们会参考动态捕捉数据或已有的动画片段。这能帮助理解动作的连贯性和节奏感。
自身经验和观察： 画师本身也是一个活生生的人，他们会通过观察自己或他人的日常活动来积累对动作的感知。走路、跑步、坐下、跳跃，这些我们司空见惯的动作，在画师眼中都是珍贵的学习素材。他们可能会在脑海中模拟一遍，或者直接在现实中做一些简单的尝试来感受。
其他艺术作品： 学习和借鉴前人的优秀作品也是一种重要的参考方式。研究大师的绘画作品，分析他们是如何表现人物的动态的，可以获得启发。
3. 构思和表达的“想”体现在创造性上：
“靠自己想”的核心在于画师的创造力，他们并非简单地复制参考，而是在此基础上进行再加工和艺术化处理。
情绪和叙事的传达： 一个动作不仅仅是身体的摆放，更是角色情绪和故事发展的载体。画师需要“想”这个动作要表达什么？是愤怒的爆发，还是悲伤的沉沦？是紧张的戒备，还是轻松的惬意？通过动作的设计来强化画面的叙事性。
风格化的处理： 不同画师有不同的绘画风格。写实风格的画师会更注重解剖的准确性，而卡通或二次元风格的画师则会为了强调某些特点或视觉效果，对人体比例和动作进行夸张或简化。这种风格化的“想”，是画师个人艺术追求的体现。
动态的提炼和概括： 画师并非要把所有肌肉的细节都画出来，而是要提炼出动作中最具代表性的线条和姿态，用最简洁有效的方式来表现。比如，一个跑动的动作，可能只需要捕捉到身体的倾斜角度、手臂的摆动幅度和腿部的高抬，就能让观者感受到速度。
动态线和节奏感： 优秀的画师会运用“动态线”（Action Lines）来引导观者的视线，创造画面的动感和节奏。这需要画师对画面的整体构图和线条运用有深入的理解和“想法”。
4. 经验的积累和肌肉记忆的形成：
长期以来，画师在不断地练习和创作中，会形成一种“肌肉记忆”式的能力。他们对如何表现某些常见动作的模式烂熟于心，这让他们在一定程度上可以“凭空”画出大致准确的动作，然后再进行细致的调整。这种能力并非一开始就有，而是通过海量练习和反思得来的。
总结来说，画师画稿中的动作是如何产生的？
它是一个基于扎实的人体结构知识，通过大量参考（照片、视频、自身观察等）获取素材和灵感，然后运用自身的创造力，将对情绪、叙事和风格的理解融入其中，最终提炼出具有表现力的姿态和动态线的过程。
“自己想”并非是纯粹的灵光乍现，而是建立在知识、经验和创造力之上的“思考”和“设计”。它是一个既有科学依据又有艺术表达的综合过程。如果画师完全不思考，只是机械地复制参考，那他也就失去了作为艺术家的价值。
我们可以从以下几个方面来详细阐述画师如何获取和创作画稿中的动作：
1. 对人体结构的深刻理解是基础：
任何生动逼真的动作都离不开对人体骨骼、肌肉和关节的了解。画师不是凭空臆想一个动作，而是基于对解剖学的基本认知。
骨骼结构： 知道肩膀如何转动，脊椎如何弯曲，膝盖和肘部是如何屈伸的，这些都决定了动作的可能性和范围。例如，一个奔跑的动作，画师需要知道大腿骨、小腿骨、股骨的相对位置和运动轨迹。
肌肉动态： 了解主要肌肉群在不同动作下的收缩和舒展状态，能够帮助画师表现出动作的力量感、体积感和流畅性。例如，一个挥拳的动作，肱二头肌的收缩、肩部肌肉的拉伸都会影响到画面的表现。
关节的限制： 人体关节并非可以随意扭曲，它们有自身的活动范围。画师需要知道哪些动作是自然且可能的，哪些则会显得僵硬或违反人体工学。
2. 参考是不可或缺的工具和灵感来源：
“靠自己想”并非意味着闭门造车，参考是画师重要的工作流程。
摄影参考： 这是最直接也最常用的方法。画师会寻找现实生活中人们进行相似动作的照片或视频。这可以是专业模特摆拍的，也可以是街拍的抓拍。通过观察照片，画师可以学习到动作的瞬间姿态、光影变化、衣物褶皱等细节。
动态捕捉和动画： 对于需要表现复杂或连续性动作的画师，例如动画师或者画动作场面的漫画家，他们会参考动态捕捉数据或已有的动画片段。这能帮助理解动作的连贯性和节奏感。
自身经验和观察： 画师本身也是一个活生生的人，他们会通过观察自己或他人的日常活动来积累对动作的感知。走路、跑步、坐下、跳跃，这些我们司空见惯的动作，在画师眼中都是珍贵的学习素材。他们可能会在脑海中模拟一遍，或者直接在现实中做一些简单的尝试来感受。
其他艺术作品： 学习和借鉴前人的优秀作品也是一种重要的参考方式。研究大师的绘画作品，分析他们是如何表现人物的动态的，可以获得启发。
3. 构思和表达的“想”体现在创造性上：
“靠自己想”的核心在于画师的创造力，他们并非简单地复制参考，而是在此基础上进行再加工和艺术化处理。
情绪和叙事的传达： 一个动作不仅仅是身体的摆放，更是角色情绪和故事发展的载体。画师需要“想”这个动作要表达什么？是愤怒的爆发，还是悲伤的沉沦？是紧张的戒备，还是轻松的惬意？通过动作的设计来强化画面的叙事性。
风格化的处理： 不同画师有不同的绘画风格。写实风格的画师会更注重解剖的准确性，而卡通或二次元风格的画师则会为了强调某些特点或视觉效果，对人体比例和动作进行夸张或简化。这种风格化的“想”，是画师个人艺术追求的体现。
动态的提炼和概括： 画师并非要把所有肌肉的细节都画出来，而是要提炼出动作中最具代表性的线条和姿态，用最简洁有效的方式来表现。比如，一个跑动的动作，可能只需要捕捉到身体的倾斜角度、手臂的摆动幅度和腿部的高抬，就能让观者感受到速度。
动态线和节奏感： 优秀的画师会运用“动态线”（Action Lines）来引导观者的视线，创造画面的动感和节奏。这需要画师对画面的整体构图和线条运用有深入的理解和“想法”。
4. 经验的积累和肌肉记忆的形成：
长期以来，画师在不断地练习和创作中，会形成一种“肌肉记忆”式的能力。他们对如何表现某些常见动作的模式烂熟于心，这让他们在一定程度上可以“凭空”画出大致准确的动作，然后再进行细致的调整。这种能力并非一开始就有，而是通过海量练习和反思得来的。
总结来说，画师画稿中的动作是如何产生的？
它是一个基于扎实的人体结构知识，通过大量参考（照片、视频、自身观察等）获取素材和灵感，然后运用自身的创造力，将对情绪、叙事和风格的理解融入其中，最终提炼出具有表现力的姿态和动态线的过程。
“自己想”并非是纯粹的灵光乍现，而是建立在知识、经验和创造力之上的“思考”和“设计”。它是一个既有科学依据又有艺术表达的综合过程。如果画师完全不思考，只是机械地复制参考，那他也就失去了作为艺术家的价值。
网友意见
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我也不废话了，教你点实际的。
搞点钱，大概600-1000之间。去闲鱼或者淘宝买个这个。记得一定要原版的。
关键词【东亚重工】【千值练】
买大号，1/6，大概30厘米高，关节活动非常完善。
然后自己摆姿势，看参考图片和电影，再修改动作，再看再改。达到很舒服的时候再拍照参考。可以解决大部分问题。
这个模型关节活动非常好，虽然是男性身材，但是摆女性姿势参考也是可以的。
这个东西很精细，脸部可以拿下来。
眼睛视线都可以调整，换脸就是另外一个人。下颌还能开关。如果动手能力强，可以买1/6的头模，按上去。比如买个郭达·斯坦森的，很好玩。
其他便宜人偶不推荐，关节不够灵活。比如这个
或者这个
只能凑合当玩具玩。比例小拍出来畸变也大。
因为关节和身形的原因，很难做出来真实人类那种很自然的效果。
而东亚重工的就可以。
有钱买几个1/6兵人衣服，小道具，那效果就很不错了。
还有另外几个系列，有细微差异。比如白幽灵和蛇眼。
灰眩（老爷子）
黑疾
当然，动作参考的话还是普通白色素体最好。
搜了搜，B站有个视频，感兴趣可以看看。
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