没学过乐理的也可以创作，是基于什么？
没学过乐理，也能写出动人的旋律，创作出触动人心的音乐，这并非奇迹，而是源于音乐创作过程中一些更加普世、更具生命力的驱动力。与其说“没学过乐理”，不如说“没有接受过系统、理论化的乐理训练”，但这些创作者依然能够调动内心深处的音乐感知和情感，通过直觉、模仿、实践，甚至是一种近乎本能的方式来构建音乐。
那么，这种创作能力到底根植于什么呢？我们可以从以下几个方面来深入探讨：
1. 与生俱来的听觉和情感连接：
音乐最核心的魅力在于它能够直接触达我们的情感。我们每个人，无论是否受过乐理训练，都拥有聆听和感受音乐的能力。从小时候接触的摇篮曲、儿歌，到长大后听到的流行歌曲、电影配乐，我们都在潜移默化地积累着对音乐的认知和喜好。
情感的自然表达： 当一个人感到快乐时，可能会哼出轻快、上扬的旋律；当悲伤时，则可能发出低沉、舒缓的声音。这种情感驱动下的“发声”本身就是一种原始的音乐创作。创作者没有经过理论束缚，反而能更自由地将内心的情绪转化为音符的组合。
旋律的直觉捕捉： 我们的大脑天生就对具有模式和规律的声音感兴趣。即使不懂调式、和弦进行，很多人也能凭感觉哼出一段“好听”的旋律。这种旋律可能是某个生活场景中的片段，一个梦境中的回响，或是纯粹的内心涌动。它可能不是“学院派”的完美，但却充满了生命力。
节奏的内在律动： 走路的步伐、心跳的节拍，这些都是我们与生俱来的节奏感。音乐的节奏感也同样是如此。即使没有学过复杂的切分音或多重节奏，很多人也能跟着节拍起舞，或者在创作时自然地赋予音乐一个有力的、让人摇摆的节奏。
2. 模仿与学习：从“像”到“创造”
音乐的传播和发展很大程度上依赖于模仿。没学过乐理的创作者，很多时候是通过大量的聆听和模仿来学习的。
“耳濡目染”的音乐吸收： 他们会反复聆听自己喜欢的音乐，仔细体会其中的旋律走向、节奏特点、和声色彩（即使不知道这些术语）。他们会尝试去“扒”出自己喜欢的片段，然后在模仿中进行微小的改动和组合。
“感觉”的转移和再创造： 模仿不仅仅是复制，更重要的是理解和内化。创作者会尝试理解为什么这段旋律听起来悲伤，为什么那个节奏听起来有力。这种对“感觉”的理解，即使没有用理论语言解释，也已经是在进行一种非正式的乐理学习。然后，他们会将这种“感觉”转移到自己的创作中，用自己的方式重新组合和表达。
“借鉴”而非“抄袭”的智慧： 很多伟大的音乐家早期也经历过模仿的阶段。没学过乐理的人，可能更侧重于捕捉音乐的“灵魂”，而不是拘泥于音程关系是否“标准”。他们懂得从海量的音乐信息中提取自己想要的元素，然后巧妙地融进自己的作品，形成一种独特的风格。
3. 直觉、尝试与“错误”中的发现：
音乐创作是一个不断尝试和探索的过程，乐理知识可以指导方向，但直觉和偶然性同样重要。
“碰巧的好听”的力量： 在键盘上随意地敲击，在吉他上随手拨弄，有时候会意外地出现一段令人惊喜的旋律或和弦组合。没学过乐理的人，可能不会去分析这个组合是否符合某种和声规则，但他们会知道“这个好听”，然后围绕它继续发展。
从“不好听”中学习： 相反，尝试一些组合，如果觉得“不好听”，他们也能凭感觉判断出来，并尝试其他组合。这个过程虽然没有理论指导，但却是在进行一种“试错”式的音乐探索，无形中也在积累经验。
“情绪”导向的结构： 一段情绪的起伏，自然会引导旋律和节奏的变化。比如，情绪高涨时，旋律可能变得更高亢、节奏更密集；情绪低落时，则可能变得舒缓、旋律更简单。这种以情感为导向的音乐结构，即使没有学习过乐曲的段落划分（如AABB、ABAB等），也能形成一种自然流畅的叙事感。
4. 工具的辅助与技术的解放：
现代音乐创作工具，尤其是数字音频工作站（DAW）和各种音源库，极大地降低了音乐创作的门槛，也为非乐理背景的创作者提供了强大的支持。
MIDI与音序器： 通过MIDI键盘输入音符，音序器能够精确地记录和排列。即使不知道某个音符的准确频率，只要听起来对，就可以输入。音序器还能轻松地复制、粘贴、修改音符，大大提高了创作效率。
预设音色与循环乐句： 各种采样音源、虚拟乐器提供了丰富的音色选择。而预设的循环乐句（loops）更是直接提供了一段完整的音乐素材，创作者可以在此基础上进行叠加、修改，甚至重新编排。
自动化与效果器： 对音量、声像、效果器参数进行自动化处理，可以为音乐增添层次感和动态。这些操作很多时候是基于直觉和听觉判断，而非严格的乐理计算。
和弦生成器与伴奏助手： 一些软件甚至能根据用户输入的旋律，自动生成合适的和弦或伴奏。这无疑为没有和声基础的创作者提供了极大的便利。
5. 对音乐的独特理解和视角：
有时候，缺乏理论束缚反而能带来更纯粹、更具个性的创作。
跳出框架的思维： 乐理训练可能会不自觉地让创作者在某个框架内思考。而没有这些框架的约束，创作者可以更自由地组合元素，创造出意想不到的“怪异”但又动听的效果。
关注“感觉”而非“规则”： 他们更关注音乐给人的整体感受，是温暖、是悲伤、是激动，而不是音程是否属于某个调式，和弦进行是否符合某个规范。这种对音乐本质的关注，有时更能打动人心。
个人经历与情感的直接投射： 很多打动人的音乐，来自于创作者最真实的个人经历和情感。这些情感的表达，有时候比任何精妙的乐理运用都来得直接和有力。
总而言之，没学过乐理却能创作音乐，是基于一种更深层的、更本能的音乐能力。它不是依赖于知识体系，而是依赖于：
对声音的情感敏感度。
对旋律和节奏的直觉感知力。
通过模仿和实践积累的经验。
敢于尝试和探索的勇气。
以及现代技术工具提供的支持。
这些人用自己的方式“听”懂了音乐，用自己的情感“表达”了音乐。他们的创作或许在某些技术细节上不够严谨，但往往因为其真诚、自然和独特的视角，而拥有着打动人心的强大力量。他们证明了，音乐的本质，最终还是在于它所传递的情感和它带给听众的体验。乐理，更像是一套帮助我们“理解”和“精进”音乐的工具，但它并非音乐创作的唯一入口。
那么，这种创作能力到底根植于什么呢？我们可以从以下几个方面来深入探讨：
1. 与生俱来的听觉和情感连接：
音乐最核心的魅力在于它能够直接触达我们的情感。我们每个人，无论是否受过乐理训练，都拥有聆听和感受音乐的能力。从小时候接触的摇篮曲、儿歌，到长大后听到的流行歌曲、电影配乐，我们都在潜移默化地积累着对音乐的认知和喜好。
情感的自然表达： 当一个人感到快乐时，可能会哼出轻快、上扬的旋律；当悲伤时，则可能发出低沉、舒缓的声音。这种情感驱动下的“发声”本身就是一种原始的音乐创作。创作者没有经过理论束缚，反而能更自由地将内心的情绪转化为音符的组合。
旋律的直觉捕捉： 我们的大脑天生就对具有模式和规律的声音感兴趣。即使不懂调式、和弦进行，很多人也能凭感觉哼出一段“好听”的旋律。这种旋律可能是某个生活场景中的片段，一个梦境中的回响，或是纯粹的内心涌动。它可能不是“学院派”的完美，但却充满了生命力。
节奏的内在律动： 走路的步伐、心跳的节拍，这些都是我们与生俱来的节奏感。音乐的节奏感也同样是如此。即使没有学过复杂的切分音或多重节奏，很多人也能跟着节拍起舞，或者在创作时自然地赋予音乐一个有力的、让人摇摆的节奏。
2. 模仿与学习：从“像”到“创造”
音乐的传播和发展很大程度上依赖于模仿。没学过乐理的创作者，很多时候是通过大量的聆听和模仿来学习的。
“耳濡目染”的音乐吸收： 他们会反复聆听自己喜欢的音乐，仔细体会其中的旋律走向、节奏特点、和声色彩（即使不知道这些术语）。他们会尝试去“扒”出自己喜欢的片段，然后在模仿中进行微小的改动和组合。
“感觉”的转移和再创造： 模仿不仅仅是复制，更重要的是理解和内化。创作者会尝试理解为什么这段旋律听起来悲伤，为什么那个节奏听起来有力。这种对“感觉”的理解，即使没有用理论语言解释，也已经是在进行一种非正式的乐理学习。然后，他们会将这种“感觉”转移到自己的创作中，用自己的方式重新组合和表达。
“借鉴”而非“抄袭”的智慧： 很多伟大的音乐家早期也经历过模仿的阶段。没学过乐理的人，可能更侧重于捕捉音乐的“灵魂”，而不是拘泥于音程关系是否“标准”。他们懂得从海量的音乐信息中提取自己想要的元素，然后巧妙地融进自己的作品，形成一种独特的风格。
3. 直觉、尝试与“错误”中的发现：
音乐创作是一个不断尝试和探索的过程，乐理知识可以指导方向，但直觉和偶然性同样重要。
“碰巧的好听”的力量： 在键盘上随意地敲击，在吉他上随手拨弄，有时候会意外地出现一段令人惊喜的旋律或和弦组合。没学过乐理的人，可能不会去分析这个组合是否符合某种和声规则，但他们会知道“这个好听”，然后围绕它继续发展。
从“不好听”中学习： 相反，尝试一些组合，如果觉得“不好听”，他们也能凭感觉判断出来，并尝试其他组合。这个过程虽然没有理论指导，但却是在进行一种“试错”式的音乐探索，无形中也在积累经验。
“情绪”导向的结构： 一段情绪的起伏，自然会引导旋律和节奏的变化。比如，情绪高涨时，旋律可能变得更高亢、节奏更密集；情绪低落时，则可能变得舒缓、旋律更简单。这种以情感为导向的音乐结构，即使没有学习过乐曲的段落划分（如AABB、ABAB等），也能形成一种自然流畅的叙事感。
4. 工具的辅助与技术的解放：
现代音乐创作工具，尤其是数字音频工作站（DAW）和各种音源库，极大地降低了音乐创作的门槛，也为非乐理背景的创作者提供了强大的支持。
MIDI与音序器： 通过MIDI键盘输入音符，音序器能够精确地记录和排列。即使不知道某个音符的准确频率，只要听起来对，就可以输入。音序器还能轻松地复制、粘贴、修改音符，大大提高了创作效率。
预设音色与循环乐句： 各种采样音源、虚拟乐器提供了丰富的音色选择。而预设的循环乐句（loops）更是直接提供了一段完整的音乐素材，创作者可以在此基础上进行叠加、修改，甚至重新编排。
自动化与效果器： 对音量、声像、效果器参数进行自动化处理，可以为音乐增添层次感和动态。这些操作很多时候是基于直觉和听觉判断，而非严格的乐理计算。
和弦生成器与伴奏助手： 一些软件甚至能根据用户输入的旋律，自动生成合适的和弦或伴奏。这无疑为没有和声基础的创作者提供了极大的便利。
5. 对音乐的独特理解和视角：
有时候，缺乏理论束缚反而能带来更纯粹、更具个性的创作。
跳出框架的思维： 乐理训练可能会不自觉地让创作者在某个框架内思考。而没有这些框架的约束，创作者可以更自由地组合元素，创造出意想不到的“怪异”但又动听的效果。
关注“感觉”而非“规则”： 他们更关注音乐给人的整体感受，是温暖、是悲伤、是激动，而不是音程是否属于某个调式，和弦进行是否符合某个规范。这种对音乐本质的关注，有时更能打动人心。
个人经历与情感的直接投射： 很多打动人的音乐，来自于创作者最真实的个人经历和情感。这些情感的表达，有时候比任何精妙的乐理运用都来得直接和有力。
总而言之，没学过乐理却能创作音乐，是基于一种更深层的、更本能的音乐能力。它不是依赖于知识体系，而是依赖于：
对声音的情感敏感度。
对旋律和节奏的直觉感知力。
通过模仿和实践积累的经验。
敢于尝试和探索的勇气。
以及现代技术工具提供的支持。
这些人用自己的方式“听”懂了音乐，用自己的情感“表达”了音乐。他们的创作或许在某些技术细节上不够严谨，但往往因为其真诚、自然和独特的视角，而拥有着打动人心的强大力量。他们证明了，音乐的本质，最终还是在于它所传递的情感和它带给听众的体验。乐理，更像是一套帮助我们“理解”和“精进”音乐的工具，但它并非音乐创作的唯一入口。
网友意见
乐理和创作没关系。最早写音乐的那帮人，都没有什么理论，不也写了嘛。没有音乐，哪来的理论呀。
说得难听点，把一条狗放到钢琴键盘上，它也能踩出一段旋律来，我们是否可以说狗也能创作音乐作品？
创作是没有门槛的，人只要发声器官没有问题，都能哼唱出音乐来，无非就是12个音高的排列组合嘛，你会不会乐器、懂不懂乐理都没关系，但你哼出来的旋律好不好听、有没有韵律、能不能打动听众被人传唱那就是另一回事了。
有不少经典的音乐都是出自普罗大众之口，甚至如今都不知道原创者是谁，他们可能是农民、手艺人、商人、士兵，或许连字都不识，更加不会懂什么乐理。西方的乐理至今不过几百年历史，职业音乐家也是近现代才诞生的职业，音乐的历史远比这悠久。
任何理论都是对人类已有的知识经验的总结与提炼，先有艺术，尔后才有理论，不能本末倒置。
音乐本就是人类自发的艺术形式，哼唱是人的本能，无须刻意地学习，而唱本身就是一种创作。
但话又说回来，虽然人人能唱，但大多数人唱出来的东西根本算不上作品，例外的情况少之又少，即便有那也是可遇而不可求的。
刨去天赋的因素——有人生来就是天才，乐感好耳朵灵，随便唱唱都能唱得你心潮澎湃，这种人有也是凤毛麟角——也可能是他突然来了灵感，或者肾上腺素爆发，瞬间开启结界，从而进入某种前所未有的状态，rp大爆发。但这种情况往往只有一次，无法复制，就像做梦一样，精彩的梦只能做一次，过期不候，一个道理。
如果不靠音乐吃饭，偶尔灵感爆发蹦出一首还不错的创作并不稀奇，哪怕你不懂乐理。
如果是吃音乐这碗饭的，除非是那种不出世的天才，靠灵感创作就等着饿死吧。为什么要学习专业知识？就是掌握其中的规律和窍门，在没有灵感的时候也能靠经验和技巧写出水准之上的东西交差挣钱，不然靠什么填饱肚子呢？
所以说创作是没什么大不了的，学不学乐理都一样——不搞这一行的人大可这么想；但如果想做这一行，还是态度端正一点，挣钱没那么容易的。
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