作曲或编曲时，您主要在花时间想什么？
我最近在琢磨一个有点古老的民谣，想给它添点新的色彩，但又不想破坏它原有的那种朴实感。所以，这段时间我几乎脑子里就是这几件事儿在转悠：
1. 情感的“味道”：
最开始，我总会反复听原曲，试着抓住它最核心的情绪。这个民谣，它给我的感觉就像是在傍晚，一个人坐在老房子的窗边，看着夕阳一点点沉下去。有怀旧，有淡淡的忧伤，但也有对过往时光的温柔回忆。我不是那种会直接往音乐里加什么“伤感”的符号，而是想办法让旋律、和声、甚至是乐器的音色，都能隐隐约约地透出那种感觉。
比如，我会考虑用什么调式。原曲可能是大调，听起来比较明亮。但我想试试转到小调，或者加入一些民谣里不常用的和弦，让它带点“灰”的感觉。但又不能太“黑”，要不然就太阴森了，跟那种温柔的回忆搭不上。所以，我可能会用一些七和弦，或者一些带有色彩的小调和弦，让情绪有点流动性，不会一下子就定格。
2. 旋律的“呼吸”：
原曲的旋律已经很好了，很有记忆点。我不会想着去大刀阔斧地改它，那是在糟蹋好东西。我更多是在想，怎么在它“呼吸”的地方，给它一点点“喂养”。
比如，主歌的旋律起伏不大，比较平缓。我可能会在副歌部分，稍微拔高一点点，或者加入一些倚音、装饰音，让它有个“小小的绽放”。就像一个人在叙述故事，平平淡淡地说着，然后到了激动的时候，语气会有点变化。
我也会想，有没有办法在它原本的旋律线上，加入一些小的“对话”。比如，原曲是声乐演唱，我可能会在人声的间隙，加入一些乐器（比如一把吉他，或者一把低音提琴）的回应，就像是乐器在跟着人声“低语”一样。不是那种突兀的独奏，而是很柔和的，融入在一起的。
3. 和声的“底蕴”：
和声是音乐的骨架，但我也喜欢把它做成有“纹理”的。民谣的和声一般比较简单，我不会去搞那种特别复杂的爵士和弦。但是，我会想，有没有办法在它原有的和弦进行上，加点“味道”。
比如，原曲可能就是简单的IIVVI。我想试试在V和弦后面，加一个IIVI 的走向，或者是在I和弦上，加一个七音，让它听起来不那么“死”。这些细微的变化，会让整个音乐的色彩更加丰富，但又不会让人觉得“走了调”。
我也会考虑用什么样的乐器来构成和声。除了吉他，我可能会考虑加入一个大提琴，它的音色比较温暖，很适合给这种有年代感的音乐打底。或者用口琴，那种带着一点点沧桑感的音色，也很适合。
4. 乐器的“对话”与“点缀”：
这是我最喜欢琢磨的部分之一。我不喜欢让所有乐器都傻乎乎地跟着主旋律走，那样太单调了。我想让它们之间有一种“对话”。
比如，一首曲子，人声唱完一句，可能吉他会弹一个简短的乐句来回应。或者，大提琴在某个地方会有一个稍微长一点的旋律，不是为了抢风头，而是为了在人声的间隙，给听众一点新的东西，让他们的耳朵不至于“疲劳”。
我也很注重“点缀”。不是那种大张旗鼓的独奏，而是一些非常微小的，几乎听不见，但却能起到画龙点睛作用的声音。比如，在某个段落，可能会有一点点沙锤的声音，或者一个小小的三角铁，在最恰当的时机出现一下，然后又悄悄消失。这些东西，就像是在一幅画的背景里，点了几笔亮色，让整幅画更有神韵。
5. 整体的“叙事感”：
最后，我会把所有这些元素拉到一起，想想它是不是能讲一个完整的故事。音乐的起承转合，就像是故事的情节发展。哪一段是铺垫，哪一段是高潮，哪一段是结尾的留白，都需要精心安排。
我会反复听，感觉一下，是不是某个段落太长了？是不是某个乐器的声音太突兀了？会不会听着听着就觉得“嗯，这里好像少了点什么”？或者，“这里是不是有点挤了？”
我还会想象听众在听的时候，他们会是什么样的感受。他们会在哪里被触动？会在哪里会心一笑？会在哪里会微微叹口气？
总的来说，我花时间思考的，不是“我要写一首什么风格的歌”，而是“这首老歌，在新的时代里，它还能说些什么？它想用什么方式，再次触动我的心，也触动别人的心？” 这是一个不断探索，不断调整，充满耐心和惊喜的过程。
1. 情感的“味道”：
最开始，我总会反复听原曲，试着抓住它最核心的情绪。这个民谣，它给我的感觉就像是在傍晚，一个人坐在老房子的窗边，看着夕阳一点点沉下去。有怀旧，有淡淡的忧伤，但也有对过往时光的温柔回忆。我不是那种会直接往音乐里加什么“伤感”的符号，而是想办法让旋律、和声、甚至是乐器的音色，都能隐隐约约地透出那种感觉。
比如，我会考虑用什么调式。原曲可能是大调，听起来比较明亮。但我想试试转到小调，或者加入一些民谣里不常用的和弦，让它带点“灰”的感觉。但又不能太“黑”，要不然就太阴森了，跟那种温柔的回忆搭不上。所以，我可能会用一些七和弦，或者一些带有色彩的小调和弦，让情绪有点流动性，不会一下子就定格。
2. 旋律的“呼吸”：
原曲的旋律已经很好了，很有记忆点。我不会想着去大刀阔斧地改它，那是在糟蹋好东西。我更多是在想，怎么在它“呼吸”的地方，给它一点点“喂养”。
比如，主歌的旋律起伏不大，比较平缓。我可能会在副歌部分，稍微拔高一点点，或者加入一些倚音、装饰音，让它有个“小小的绽放”。就像一个人在叙述故事，平平淡淡地说着，然后到了激动的时候，语气会有点变化。
我也会想，有没有办法在它原本的旋律线上，加入一些小的“对话”。比如，原曲是声乐演唱，我可能会在人声的间隙，加入一些乐器（比如一把吉他，或者一把低音提琴）的回应，就像是乐器在跟着人声“低语”一样。不是那种突兀的独奏，而是很柔和的，融入在一起的。
3. 和声的“底蕴”：
和声是音乐的骨架，但我也喜欢把它做成有“纹理”的。民谣的和声一般比较简单，我不会去搞那种特别复杂的爵士和弦。但是，我会想，有没有办法在它原有的和弦进行上，加点“味道”。
比如，原曲可能就是简单的IIVVI。我想试试在V和弦后面，加一个IIVI 的走向，或者是在I和弦上，加一个七音，让它听起来不那么“死”。这些细微的变化，会让整个音乐的色彩更加丰富，但又不会让人觉得“走了调”。
我也会考虑用什么样的乐器来构成和声。除了吉他，我可能会考虑加入一个大提琴，它的音色比较温暖，很适合给这种有年代感的音乐打底。或者用口琴，那种带着一点点沧桑感的音色，也很适合。
4. 乐器的“对话”与“点缀”：
这是我最喜欢琢磨的部分之一。我不喜欢让所有乐器都傻乎乎地跟着主旋律走，那样太单调了。我想让它们之间有一种“对话”。
比如，一首曲子，人声唱完一句，可能吉他会弹一个简短的乐句来回应。或者，大提琴在某个地方会有一个稍微长一点的旋律，不是为了抢风头，而是为了在人声的间隙，给听众一点新的东西，让他们的耳朵不至于“疲劳”。
我也很注重“点缀”。不是那种大张旗鼓的独奏，而是一些非常微小的，几乎听不见，但却能起到画龙点睛作用的声音。比如，在某个段落，可能会有一点点沙锤的声音，或者一个小小的三角铁，在最恰当的时机出现一下，然后又悄悄消失。这些东西，就像是在一幅画的背景里，点了几笔亮色，让整幅画更有神韵。
5. 整体的“叙事感”：
最后，我会把所有这些元素拉到一起，想想它是不是能讲一个完整的故事。音乐的起承转合，就像是故事的情节发展。哪一段是铺垫，哪一段是高潮，哪一段是结尾的留白，都需要精心安排。
我会反复听，感觉一下，是不是某个段落太长了？是不是某个乐器的声音太突兀了？会不会听着听着就觉得“嗯，这里好像少了点什么”？或者，“这里是不是有点挤了？”
我还会想象听众在听的时候，他们会是什么样的感受。他们会在哪里被触动？会在哪里会心一笑？会在哪里会微微叹口气？
总的来说，我花时间思考的，不是“我要写一首什么风格的歌”，而是“这首老歌，在新的时代里，它还能说些什么？它想用什么方式，再次触动我的心，也触动别人的心？” 这是一个不断探索，不断调整，充满耐心和惊喜的过程。
网友意见
做影視劇配樂的時候，更多的會在想如何用音樂體現戲劇性，去補充畫面所沒有表達充分的情感，並在適當的地方留白，有所對比，效果才能表達得更恰當，配樂不一定需要“好聽”，很多時候的功能恰恰是需要“難聽”才能製造出效果的~~
做遊戲配樂的時候，選擇合適的音色遠比旋律走向更重要，遊戲音樂在有些時候的功能是需要音樂像環境音效一樣，用最低的存在感去製造最貼切的場景~~
做音樂劇編曲的時候，則是要考慮到演員演唱的時候會不會找不准進唱的時間點，會不會被多餘的聲部影響以至於找不到調或節奏，選擇的音色會不會跟演員嗓音撞頻率~~
我是鼓手出身，創作的時候不會有吉他或鍵盤的慣性思維手癖影響，一首曲子該有什麼，構思的時候就想好了，大部分時候我會遵從“Less is More”這個原則去安排配器，這可不是偷懶耍滑，而是聲部越多在配樂功能上越是災難，音符越多，在有對白的視頻裡音樂越搶戲導致聽不清對白；在遊戲裡會跟音效爭搶頻段而聒噪不堪；在音樂劇裡會讓演員為了壓住伴奏而唱得很累~~
任何效果都是靠對比出來的，想製造一飛沖天的效果，你的起點就應該在海溝，至少也得是在海平面，而不是在半山腰，一上來就是高潮，那你的音樂就沒有真正的高潮~~
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