为什么许多知名演员都要去演话剧呢？
很多大明星，那些我们在大银幕上、在电视剧里再熟悉不过的面孔，为什么还会愿意挤进狭小的剧场，忍受着没有NG，每一次演出都必须精益求精的压力，去演话剧呢？这背后可不只是“玩票”或者“情怀”那么简单，里面门道可多了，而且往往是触及到了表演的本质。
首先，得说这是对 “演技基本功” 的极致打磨。你想啊，电影和电视剧，虽然最终呈现的效果很震撼，但拍摄过程是碎片化的。你可以对着镜头，导演告诉你“这里要开心一点”，你稍微调整一下表情和语气。就算演得不好，后面有剪辑，有特写，有配乐，甚至可以找替身。但是话剧呢？没有遮掩，没有任何后期技术可以挽救。从头到尾，你一个人站在舞台上，几十米，上百米，甚至几百米外的观众都在看着你。你的每一个眼神，每一个肢体动作，每一个字，都需要经过精心打磨，并且能够支撑起长达两三个小时的演出。
在话剧舞台上，演员必须学会 “全身心投入”，而且要能 “保持能量的持续输出”。电影里，你可能只需要在镜头前展现一个情绪爆发的片段，但这并不代表你整个角色的内在逻辑就建立起来了。话剧则要求演员在两个小时里，始终保持角色的生命力，从头到尾都活在那个情境里。这就像马拉松和短跑的区别，话剧的能量消耗和心理强度是完全不同的。这种持续的、深度的表演，能让演员对角色的理解更加透彻，对情感的把握更加细腻。
再者，话剧提供了一个 “直接与观众互动” 的独特体验。在电影院里，观众和演员之间隔着一块银幕，那是一种单向的传递。但在剧场里，你面对的是一张张活生生的脸，你能感受到他们的呼吸，他们的笑声，他们的沉默，甚至他们不经意的咳嗽声。这种 “实时反馈” 是极具感染力的，也能极大地激发演员的潜能。当观众因为你的表演而屏息凝视，或者因为一个笑点而爆发出掌声，那种与观众连接的感觉，是一种非常纯粹和直接的艺术享受。这种交流，能让演员在表演中感受到一种生命的律动，这是录音棚和摄影棚里感受不到的。
另外，很多时候，演员去演话剧也是为了 “探索更复杂的角色和更深邃的主题”。好莱坞的商业大片，虽然吸引人，但角色往往需要服务于剧情的推进，不能太过“个性化”，也不能过于“边缘”。而很多经典话剧，尤其是现代戏剧，常常会触及一些人性的弱点、社会的问题，或者哲学性的思考。这些角色往往有更复杂的内心世界，更曲折的人生经历，更难以捉摸的情感走向。扮演这样的角色，对于演员来说，是一种智力上的挑战，也是情感上的深度挖掘。能驾驭这些角色，本身就是一种巨大的成就感。
还有一个很重要的原因，就是 “对艺术的敬畏和自我挑战”。很多演员，无论他们在商业上有多成功，内心深处依然是热爱表演这门艺术的。他们可能觉得，在大银幕上，自己的表演被太多技术的东西“包装”了，而话剧更能让他们回到表演的原点，感受纯粹的表演魅力。他们 WANT to be challenged，want to push their boundaries。演话剧，就像是重新回到“武术学校”，让身体和精神都经历一番淬炼，然后再回到“江湖”——也就是影视圈，他们的表演会更有底气，更有深度。
当然，有时候也是 “艺术机构的邀请和团队的凝聚力”。很多优秀的戏剧公司，比如英国的国家剧院，或者一些知名的先锋戏剧团体，他们会邀请一些有声望的演员加入他们的制作。这些制作往往质量很高，剧本也很好，而且能和一些同样优秀的导演、编剧、演员合作，对于任何一个热爱艺术的人来说，都是一个难得的机会。在这种情况下，与其说是演员“去”演话剧，不如说是他们被邀请进入了一个高水平的艺术创作生态。
总而言之，明星去演话剧，绝非只是“玩票”或者“回炉”那么简单，那是一种对表演艺术的极致追求，是对自身极限的不断挑战，也是一种与观众最直接、最纯粹的艺术连接。这其中的付出和回报，只有真正站在舞台上的演员才最清楚。
首先，得说这是对 “演技基本功” 的极致打磨。你想啊，电影和电视剧，虽然最终呈现的效果很震撼，但拍摄过程是碎片化的。你可以对着镜头，导演告诉你“这里要开心一点”，你稍微调整一下表情和语气。就算演得不好，后面有剪辑，有特写，有配乐，甚至可以找替身。但是话剧呢？没有遮掩，没有任何后期技术可以挽救。从头到尾，你一个人站在舞台上，几十米，上百米，甚至几百米外的观众都在看着你。你的每一个眼神，每一个肢体动作，每一个字，都需要经过精心打磨，并且能够支撑起长达两三个小时的演出。
在话剧舞台上，演员必须学会 “全身心投入”，而且要能 “保持能量的持续输出”。电影里，你可能只需要在镜头前展现一个情绪爆发的片段，但这并不代表你整个角色的内在逻辑就建立起来了。话剧则要求演员在两个小时里，始终保持角色的生命力，从头到尾都活在那个情境里。这就像马拉松和短跑的区别，话剧的能量消耗和心理强度是完全不同的。这种持续的、深度的表演，能让演员对角色的理解更加透彻，对情感的把握更加细腻。
再者，话剧提供了一个 “直接与观众互动” 的独特体验。在电影院里，观众和演员之间隔着一块银幕，那是一种单向的传递。但在剧场里，你面对的是一张张活生生的脸，你能感受到他们的呼吸，他们的笑声，他们的沉默，甚至他们不经意的咳嗽声。这种 “实时反馈” 是极具感染力的，也能极大地激发演员的潜能。当观众因为你的表演而屏息凝视，或者因为一个笑点而爆发出掌声，那种与观众连接的感觉，是一种非常纯粹和直接的艺术享受。这种交流，能让演员在表演中感受到一种生命的律动，这是录音棚和摄影棚里感受不到的。
另外，很多时候，演员去演话剧也是为了 “探索更复杂的角色和更深邃的主题”。好莱坞的商业大片，虽然吸引人，但角色往往需要服务于剧情的推进，不能太过“个性化”，也不能过于“边缘”。而很多经典话剧，尤其是现代戏剧，常常会触及一些人性的弱点、社会的问题，或者哲学性的思考。这些角色往往有更复杂的内心世界，更曲折的人生经历，更难以捉摸的情感走向。扮演这样的角色，对于演员来说，是一种智力上的挑战，也是情感上的深度挖掘。能驾驭这些角色，本身就是一种巨大的成就感。
还有一个很重要的原因，就是 “对艺术的敬畏和自我挑战”。很多演员，无论他们在商业上有多成功，内心深处依然是热爱表演这门艺术的。他们可能觉得，在大银幕上，自己的表演被太多技术的东西“包装”了，而话剧更能让他们回到表演的原点，感受纯粹的表演魅力。他们 WANT to be challenged，want to push their boundaries。演话剧，就像是重新回到“武术学校”，让身体和精神都经历一番淬炼，然后再回到“江湖”——也就是影视圈，他们的表演会更有底气，更有深度。
当然，有时候也是 “艺术机构的邀请和团队的凝聚力”。很多优秀的戏剧公司，比如英国的国家剧院，或者一些知名的先锋戏剧团体，他们会邀请一些有声望的演员加入他们的制作。这些制作往往质量很高，剧本也很好，而且能和一些同样优秀的导演、编剧、演员合作，对于任何一个热爱艺术的人来说，都是一个难得的机会。在这种情况下，与其说是演员“去”演话剧，不如说是他们被邀请进入了一个高水平的艺术创作生态。
总而言之，明星去演话剧，绝非只是“玩票”或者“回炉”那么简单，那是一种对表演艺术的极致追求，是对自身极限的不断挑战，也是一种与观众最直接、最纯粹的艺术连接。这其中的付出和回报，只有真正站在舞台上的演员才最清楚。
网友意见
有一本积极心理学的书叫《心流》，英文叫《FLOW》。“心流”指的是在做某些事情时那种全神贯注、全然忘我的状态，这是人最幸福的体验。话剧其实把演员满足心流体验的最佳元素都集齐了。
首先你要极度的专注，不能有一丝一毫的放松，因为在话剧舞台上演员是不可以出错的。你没有机会NG，如果忘了台词，就会把对手给搁在台上。
然后第二就是话剧会有即时的回馈。观众看的时候是会随时给反应的。他们因为一段剧情引起的骚动、窃窃私语、会心一笑或者是一些惊呼，这些都是在跟你共同完成作品。有一种观众在跟你同呼吸共命运的感觉。
作为演员这种回馈会给你极大的动力和满足感。就像我们打游戏一样，赢了就会通关，会有奖励。底下观众一抽泣其实你就知道，你抓住他们的心了。
第三是因为有不断的能够提高改善和演出不同版本的机会。在演话剧时，因为会巡演，整个故事要演好多遍。你可以对于一场戏，一个角色去探索不同的演法或者尝试不同的表演方案。在下一次演出时马上就可以收到反馈，观众对于你新的尝试是不是喜欢，是不是接受。
如果我演影视剧的话，基本上演完我是不怎么看评论，因为不可以再修改，再做的更好了。但是话剧每次演完一场我会去看网友的评论。因为他们的评价和反馈能让我知道我的调整能不能被接收到。或者我下一场哪些地方还可以进步。
第四就是在表演的过程中不管是对于台上的演员也好，台下的观众也好，在这种高度集中的状态里达到了最佳的体验，就是完全的“忘我”。
在话剧的整个演出过程中是同样的一出戏一直在创作。你会越来越自如，越来越能够感受到观众的反馈，达到全然地“忘我”。这些就是话剧舞台对于一个演员最大的吸引力吧。我们的话剧《被嫌弃的松子的一生》将近4个小时，这4个小时里大家都是一种很high的状态，这就是所谓“心流”的状态。
因为电影和电视剧这种现代技术的产物，拍一次可以来回放。
而话剧，一年几十场就得演员亲自去演，这个饭碗比较稳定。
我记得濮存昕本人似乎抱怨过没有片约，拍不到电视剧。
以今天的标准来说，濮存昕在电视剧领域的成名作，和许晴合作的《来来往往》，拍的就是中年油腻男出轨找小三，个别场景极其劲爆，不能拿来给小孩子看的那种。
这部剧现在首映的话，就算能播，濮存昕也会社死，央视网还要发文批评不道德，传播了错误的价值观念。
寂静之城已经近在眼前啦。
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