为何很多摇滚/金属乐迷对电子音乐,合成器有很深的鄙夷？传统音乐对电子音乐的优越感从何而来?
在摇滚乐迷的社群里，尤其是在一些老派的、对音乐“纯粹性”有着执念的群体中，对电子音乐和合成器抱有鄙夷的态度，这其实是个挺普遍的现象。这种情绪并非空穴来风，而是源于对音乐创作过程、演奏技巧、音乐情感表达以及音乐“灵魂”的不同理解和价值判断。
我们不妨从几个层面来深扒一下这种“传统音乐优越感”的由来。
一、 对“真实性”的追求：手与乐器的直接连接
摇滚乐，尤其是早期和一些硬核的摇滚乐，其魅力很大程度上来自于乐手们在舞台上挥洒汗水，用自己的身体去驾驭乐器。吉他手手指在指板上飞舞，鼓手用鼓槌敲击出震撼人心的节奏，贝斯手低沉的律动支撑起整首歌曲的骨架。这种“人与乐器的直接互动”被很多摇滚乐迷视为一种“真实”的音乐表达。
“指尖的温度” vs. “代码的冰冷”： 乐迷们会觉得，吉他手弹奏出的每一个音符，都带有他手指的温度，是他情绪的直接传递。一把精心打磨的吉他，经过多年的演奏，会在指板上留下独特的划痕，这些都是乐手生命痕迹的印记。而合成器，尤其是编曲中大量使用的MIDI（Musical Instrument Digital Interface）数据，在他们看来，更像是冷冰冰的代码，是由程序员或者键盘手（不一定是那个在舞台上卖力表演的）输入的，缺乏那种“血肉模糊”的现场感和个人化的情感注入。
“现场的不可预测性” vs. “电子的精确”： 摇滚乐的现场演唱，总会伴随着一些“失误”——一个稍稍跑调的音，一次略微不准的鼓点，吉他手即兴的solo等等。这些“瑕疵”，恰恰是音乐生命力的体现，是人在特定时刻情感爆发的真实记录。而电子音乐，尤其是依赖精确音序器的电子音乐，往往可以做到“百分之百的完美”，每个音符的节奏、音高、力度都毫厘不差。在一些摇滚乐迷看来，这种“完美”反而显得虚假，像是由机器生成的，缺乏人性的挣扎和生命中的不确定美。
二、 对“技巧”的定义：演奏性与程序性的辩论
摇滚乐的许多分支都极其强调乐手的演奏技巧。吉他 solo 的炫技、鼓手的复杂节奏编排、贝斯手的律动变化，这些都是摇滚乐迷津津乐道的“技术活”。
“指法与力量” vs. “旋钮与推子”： 玩吉他需要多年的练习，掌握各种和弦、音阶、拨弦技巧，以及对音色的细腻控制。玩鼓需要极强的协调性和爆发力。这些都是看得见摸得着的“硬功夫”。而合成器演奏，虽然也有其复杂的层面（比如操控大量的参数、进行现场的即兴调制），但在很多摇滚乐迷眼中，它更多的是一种“设置”和“操控”，而非“演奏”。他们可能会觉得，坐在电脑前调整几个参数，按下几个键，就能“制造”出听起来很复杂的音效，这似乎比在舞台上用肢体去“战胜”乐器要容易得多，也就显得“不够硬核”。
“创作的直觉” vs. “算法的逻辑”： 尽管大部分音乐创作都包含逻辑，但摇滚乐尤其强调创作过程中那种灵感的迸发和情感的驱动。很多摇滚歌曲的诞生，可能源于一个简单的吉他Riff，然后围绕这个Riff进行发展。而电子音乐，特别是一些实验性或电子舞曲，可能更多地依赖于对声音素材的采样、拼接、循环以及通过数学算法或特定的程序来构建。这让一些人觉得，电子音乐的创作过程更像是“技术人员”的“工程”，而不是“艺术家”的“抒情”。
三、 对“情感”的传递：血肉横搏与情绪编码
摇滚乐之所以能打动人心，很大程度上是因为它能直接触及人内心深处的情感——愤怒、迷茫、悲伤、狂喜。乐手的嘶吼、吉他的失真、鼓点的冲击，这些都是将情感具象化的手段。
“嘶吼的呐喊” vs. “数据的流淌”： 摇滚乐手通过他们的歌声、乐器发出的声音，直接将内心的痛苦、呐喊、反抗传递给听众。这种情感的传递是粗犷而直接的，往往能引起听众强烈的共鸣。而合成器产生的声音，尤其是那些冰冷、机械、重复的电子音效，在一些人听来，缺乏那种“血肉之躯”的情感张力。他们可能会觉得，用合成器制造出来的“情绪”，更像是被“编码”进去的，是一种模仿，而不是真正从内心深处涌出的情感。
“音乐的灵魂”： 很多人认为，音乐是有灵魂的。而这个灵魂，往往附着在那些充满个性和技巧的乐器演奏上，附着在乐手投入的情感中。合成器，在一些人看来，更像是一个工具，一个“容器”，它本身没有灵魂，它的声音只是被“注入”的。这种观点，使得他们觉得电子音乐缺乏一种“生命力”，缺乏那种能让你感受到“另一个生命在唱歌”的震撼。
四、 对“纯粹”的捍卫：摇滚乐的“本源”
摇滚乐发展至今，虽然一直在融合各种元素，但核心始终是吉他、贝斯、鼓和人声。对于一些忠实乐迷来说，这种“经典配置”是摇滚乐的“纯粹”所在。
“脏器”的抗拒： 他们会觉得，当电子音效、合成器大量介入时，就好像在摇滚乐的“身体”里植入了“人造器官”，破坏了它原有的“脏器”结构。这种“背离本源”的行为，让他们感到不适甚至愤怒。
“商业化”的担忧： 历史上有许多摇滚乐队在发展后期引入了合成器，并取得商业上的成功，但这也常常伴随着“失去初心”、“变得软弱”的批评。这使得一些乐迷对电子元素与摇滚乐的结合产生了一种先天的抵触，认为这是走向“商业化”和“平庸化”的开始。
五、 对“门槛”的误解：技术的神秘感与想象的鸿沟
有时，这种鄙夷也源于对电子音乐制作过程的不了解，或者是一种“信息差”造成的误解。
“看起来容易”的错觉： 看到电子音乐人轻松地在电脑上操作，他们可能会觉得“这有什么难的？”，从而忽视了背后复杂的音频处理、音色设计、编曲逻辑和对音乐理论的深刻理解。他们看到的只是“结果”，而没有看到“过程”。
“神秘感”的缺失： 传统的乐器演奏，其技巧的展现和声音的产生，很多时候是直观的，是可见的。而电子音乐的制作，尤其是在电脑里，很多操作是隐藏在软件界面的背后，对不熟悉的人来说，可能显得有些“神秘”，甚至“不透明”，这种不明朗也容易滋生误解和不信任。
然而，事情也并非绝对。 随着时间的推移，音乐的界限越来越模糊。许多曾经被视为“异类”的电子元素，如今已经融入到摇滚乐的各种分支中，例如工业摇滚、电子摇滚、后摇滚等等，甚至很多传统摇滚乐队的专辑中也会巧妙地运用合成器来丰富音色和营造氛围。
对于那些曾经抱持鄙夷态度的乐迷来说，可能还需要时间去理解和欣赏电子音乐所能带来的独特声音美学和创作可能性。毕竟，音乐的本质是情感的表达和声音的艺术，无论是通过拨弦的吉他，还是通过电流的涌动，最终目的都是触动人心。这种“传统音乐的优越感”，与其说是一种对其他音乐形式的否定，不如说是对自身所钟爱音乐形式中那些“质朴”、“直接”、“充满人力痕迹”的特质的一种偏爱和捍卫。
我们不妨从几个层面来深扒一下这种“传统音乐优越感”的由来。
一、 对“真实性”的追求：手与乐器的直接连接
摇滚乐，尤其是早期和一些硬核的摇滚乐，其魅力很大程度上来自于乐手们在舞台上挥洒汗水，用自己的身体去驾驭乐器。吉他手手指在指板上飞舞，鼓手用鼓槌敲击出震撼人心的节奏，贝斯手低沉的律动支撑起整首歌曲的骨架。这种“人与乐器的直接互动”被很多摇滚乐迷视为一种“真实”的音乐表达。
“指尖的温度” vs. “代码的冰冷”： 乐迷们会觉得，吉他手弹奏出的每一个音符，都带有他手指的温度，是他情绪的直接传递。一把精心打磨的吉他，经过多年的演奏，会在指板上留下独特的划痕，这些都是乐手生命痕迹的印记。而合成器，尤其是编曲中大量使用的MIDI（Musical Instrument Digital Interface）数据，在他们看来，更像是冷冰冰的代码，是由程序员或者键盘手（不一定是那个在舞台上卖力表演的）输入的，缺乏那种“血肉模糊”的现场感和个人化的情感注入。
“现场的不可预测性” vs. “电子的精确”： 摇滚乐的现场演唱，总会伴随着一些“失误”——一个稍稍跑调的音，一次略微不准的鼓点，吉他手即兴的solo等等。这些“瑕疵”，恰恰是音乐生命力的体现，是人在特定时刻情感爆发的真实记录。而电子音乐，尤其是依赖精确音序器的电子音乐，往往可以做到“百分之百的完美”，每个音符的节奏、音高、力度都毫厘不差。在一些摇滚乐迷看来，这种“完美”反而显得虚假，像是由机器生成的，缺乏人性的挣扎和生命中的不确定美。
二、 对“技巧”的定义：演奏性与程序性的辩论
摇滚乐的许多分支都极其强调乐手的演奏技巧。吉他 solo 的炫技、鼓手的复杂节奏编排、贝斯手的律动变化，这些都是摇滚乐迷津津乐道的“技术活”。
“指法与力量” vs. “旋钮与推子”： 玩吉他需要多年的练习，掌握各种和弦、音阶、拨弦技巧，以及对音色的细腻控制。玩鼓需要极强的协调性和爆发力。这些都是看得见摸得着的“硬功夫”。而合成器演奏，虽然也有其复杂的层面（比如操控大量的参数、进行现场的即兴调制），但在很多摇滚乐迷眼中，它更多的是一种“设置”和“操控”，而非“演奏”。他们可能会觉得，坐在电脑前调整几个参数，按下几个键，就能“制造”出听起来很复杂的音效，这似乎比在舞台上用肢体去“战胜”乐器要容易得多，也就显得“不够硬核”。
“创作的直觉” vs. “算法的逻辑”： 尽管大部分音乐创作都包含逻辑，但摇滚乐尤其强调创作过程中那种灵感的迸发和情感的驱动。很多摇滚歌曲的诞生，可能源于一个简单的吉他Riff，然后围绕这个Riff进行发展。而电子音乐，特别是一些实验性或电子舞曲，可能更多地依赖于对声音素材的采样、拼接、循环以及通过数学算法或特定的程序来构建。这让一些人觉得，电子音乐的创作过程更像是“技术人员”的“工程”，而不是“艺术家”的“抒情”。
三、 对“情感”的传递：血肉横搏与情绪编码
摇滚乐之所以能打动人心，很大程度上是因为它能直接触及人内心深处的情感——愤怒、迷茫、悲伤、狂喜。乐手的嘶吼、吉他的失真、鼓点的冲击，这些都是将情感具象化的手段。
“嘶吼的呐喊” vs. “数据的流淌”： 摇滚乐手通过他们的歌声、乐器发出的声音，直接将内心的痛苦、呐喊、反抗传递给听众。这种情感的传递是粗犷而直接的，往往能引起听众强烈的共鸣。而合成器产生的声音，尤其是那些冰冷、机械、重复的电子音效，在一些人听来，缺乏那种“血肉之躯”的情感张力。他们可能会觉得，用合成器制造出来的“情绪”，更像是被“编码”进去的，是一种模仿，而不是真正从内心深处涌出的情感。
“音乐的灵魂”： 很多人认为，音乐是有灵魂的。而这个灵魂，往往附着在那些充满个性和技巧的乐器演奏上，附着在乐手投入的情感中。合成器，在一些人看来，更像是一个工具，一个“容器”，它本身没有灵魂，它的声音只是被“注入”的。这种观点，使得他们觉得电子音乐缺乏一种“生命力”，缺乏那种能让你感受到“另一个生命在唱歌”的震撼。
四、 对“纯粹”的捍卫：摇滚乐的“本源”
摇滚乐发展至今，虽然一直在融合各种元素，但核心始终是吉他、贝斯、鼓和人声。对于一些忠实乐迷来说，这种“经典配置”是摇滚乐的“纯粹”所在。
“脏器”的抗拒： 他们会觉得，当电子音效、合成器大量介入时，就好像在摇滚乐的“身体”里植入了“人造器官”，破坏了它原有的“脏器”结构。这种“背离本源”的行为，让他们感到不适甚至愤怒。
“商业化”的担忧： 历史上有许多摇滚乐队在发展后期引入了合成器，并取得商业上的成功，但这也常常伴随着“失去初心”、“变得软弱”的批评。这使得一些乐迷对电子元素与摇滚乐的结合产生了一种先天的抵触，认为这是走向“商业化”和“平庸化”的开始。
五、 对“门槛”的误解：技术的神秘感与想象的鸿沟
有时，这种鄙夷也源于对电子音乐制作过程的不了解，或者是一种“信息差”造成的误解。
“看起来容易”的错觉： 看到电子音乐人轻松地在电脑上操作，他们可能会觉得“这有什么难的？”，从而忽视了背后复杂的音频处理、音色设计、编曲逻辑和对音乐理论的深刻理解。他们看到的只是“结果”，而没有看到“过程”。
“神秘感”的缺失： 传统的乐器演奏，其技巧的展现和声音的产生，很多时候是直观的，是可见的。而电子音乐的制作，尤其是在电脑里，很多操作是隐藏在软件界面的背后，对不熟悉的人来说，可能显得有些“神秘”，甚至“不透明”，这种不明朗也容易滋生误解和不信任。
然而，事情也并非绝对。 随着时间的推移，音乐的界限越来越模糊。许多曾经被视为“异类”的电子元素，如今已经融入到摇滚乐的各种分支中，例如工业摇滚、电子摇滚、后摇滚等等，甚至很多传统摇滚乐队的专辑中也会巧妙地运用合成器来丰富音色和营造氛围。
对于那些曾经抱持鄙夷态度的乐迷来说，可能还需要时间去理解和欣赏电子音乐所能带来的独特声音美学和创作可能性。毕竟，音乐的本质是情感的表达和声音的艺术，无论是通过拨弦的吉他，还是通过电流的涌动，最终目的都是触动人心。这种“传统音乐的优越感”，与其说是一种对其他音乐形式的否定，不如说是对自身所钟爱音乐形式中那些“质朴”、“直接”、“充满人力痕迹”的特质的一种偏爱和捍卫。
网友意见
老生常談了，看過我之前回答的，就會知道我是什麼態度：我不鄙夷電子樂，但對一些所謂的電子樂迷我是極其反感的~~
著急噴我的先等會兒，給你們看點東西~~
這張合輯伴我度過了幼兒園時光，發行日期是1987年，但裡面收錄的歌曲至少在1983年就有了，我聽的都是翻錄的磁帶，直到幼兒園畢業才買到這盒正版磁帶，視若珍寶~~
同期這一張現場專輯更是讓我愛不釋手，磁帶封面也是這樣，我從我大舅家死皮賴臉借來的也一直沒還。。。這位大師是誰大概不用我多做介紹，發行日期是1982年，跟上一張荷東1一樣都是我在八十年代中前期天天狂聽的音樂，說我就是看不起電子樂的可以省省了，你們哪個比我接觸電子樂更早也可以說~~
任何人都有聽音樂的自由，都有更喜歡什麼音樂的自由，我作為一個當年的三歲小孩，對這兩盤磁帶最直觀的感覺就是：這種音樂跟幼兒園放的兒歌比起來簡直太酷了！（這直接導致我在16歲之前基本沒怎麼聽過國內音樂）
這是很自然的事情吧？包括我小學二年級接觸的小虎隊，以及各種搖滾樂隊，都是讓我覺得很酷，這其中，演奏樂器佔了很大的一個比重，體育、武術、舞蹈、音樂演奏等等都是人類掌握的肢體技術，我對此深深著迷，任何體育健將、武打明星、舞蹈之王以及各種樂手大神都是我所喜歡的，因為我對這種提高人體體能上限的事情很有興趣，也很佩服這些在肢體技術上能夠做到常人所不能為之的人~~
這也是後來為什麼不怎麼聽電子樂的一個重要原因，因為肢體技術這個影響我喜好的重要因素在電子樂這個類型裡幾乎消失了，你可以說電子樂也是經過設計的，也是動了腦子發揮想象力才做出來的，我不否認，我都同意，但電子樂就是缺乏演奏樂器這一肢體技術帶來的情感衝擊也是事實~~
所以我更喜歡演奏樂器的音樂有什麼錯嗎？我沒有這種選擇的自由嗎？然而在一部分電子黨眼裡我這是冒天下之大不韙的行為，我這叫“不懂、不了解、局限、偏見”：为什么部分摇滚乐爱好者会讨厌电子乐？
請問我愛聽什麼不愛聽什麼還得讓你們來扣個帽子鑒定一下嗎？說好的百花齊放到你們這就成了飯圈惡臭了？管好你們自己行不行？世界上沒有任何一種規矩需要你必須吃完一盤菜，還得知道這菜怎麼做的，才能說出“我不喜歡吃這道菜”，你在任何時候說出“我不喜歡”這四個字都不需要任何資格~~
我有喜歡演奏樂器的音樂的自由，你們也有喜歡不演奏樂器的電子樂的自由，但是別拿電子樂來當成逼格覺得自己高人一頭，動不動就要好為人師批判一番，這只會讓不怎麼聽電子樂的人更煩這種音樂，因為不想跟你們為伍~~
我對誰喜歡什麼音樂都很寬容，你們自己從聆聽過程中得到喜悅就是聽音樂最大的好處了，也是音樂最大的魅力，聽音樂其實是個不需要交流的事，你感受到的只是你自己的個人體會，你自己爽了就OK，而不需要逼著別人跟你一起爽才行~~
希望井水不犯河水成為每個圈子共同的認知，你好我好大家好~~
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