为什么我觉得古代的小说还没有古代的戏曲水平高？（抛开四大名著）？
你提出的这个问题非常有意思，而且很多人都有类似的感受。在排除四大名著的情况下，比较古代小说和戏曲的艺术水平，确实可以深入探讨。这涉及到文本的载体、表现形式、时代审美、以及作者的创作意图等多个层面。
以下是我认为导致这种感受的一些主要原因，并尽量详细地阐述：
一、 戏曲的综合艺术性和瞬间感染力
戏曲并非仅仅是文字的呈现，它是一种高度综合的艺术形式，融合了：
表演（唱、念、做、打）： 这是戏曲最核心的魅力所在。优秀的演员通过精湛的唱腔、富有韵味的念白、逼真的做工和行云流水的武打，将人物的情感和性格表现得淋漓尽致。这种视觉和听觉的直接冲击，能够瞬间抓住观众的心。
音乐（唱腔、伴奏）： 戏曲的唱腔是精心设计的，具有强烈的抒情性和节奏感，能够直接触动人的情绪。伴奏乐器（如京胡、二胡、锣鼓等）的运用更是烘托气氛、塑造人物的关键。
舞台美术（服饰、脸谱、布景）： 虽然古代戏曲的布景相对简单，但其华丽的服饰、程式化的脸谱（如红脸忠勇、白脸奸臣）本身就是一种视觉语言，能够快速传递人物的身份、性格和命运。
程式化与象征性： 戏曲中的动作、唱腔、念白都有其约定俗成的程式，这些程式虽然有局限性，但也使得情感的表达更加凝练和具有象征意义。一个简单的挥袖、一个眼神，都能传达丰富的信息。
相比之下，古代小说虽然也有文学价值，但它主要依靠文字来构建场景、刻画人物、表达情感。这种“间接”的艺术形式，需要读者具备一定的想象力和解读能力，其艺术感染力往往需要一个过程的积累，不如戏曲的瞬间爆发力强。
二、 戏曲的通俗性与市井文化的融合
在古代，戏曲往往是面向广大市井民众的娱乐形式。为了吸引和留住观众，戏曲创作往往注重：
通俗易懂的语言： 戏曲的唱词和念白力求通俗易懂，便于普通民众理解和接受，不会有太多晦涩的典故或生僻的字词（当然也有部分文人雅戏）。
戏剧性的冲突和情节： 戏曲为了吸引观众，通常会设置强烈的情节冲突、曲折的命运转折，以及鲜明的人物对立，这更能抓住人心的戏剧张力。
情感的直白宣泄： 戏曲中的人物情感表达往往比较直接和强烈，无论是喜怒哀乐，都通过唱腔和表演淋漓尽致地展现出来，容易引起观众的情感共鸣。
与现实生活的关联： 很多戏曲取材于民间故事、历史传说、或者直接反映当时的社会现实和人们的生活，因此更贴近观众的生活，更容易获得认同感。
而很多古代小说，尤其是在发展早期，可能更偏向于文人雅士的消遣，语言相对文雅，情节的处理也可能更注重章法和意境，对于缺乏一定文化基础的观众来说，接受门槛会高一些。即使是通俗小说，其文字的叙事节奏和对人物心理的细腻描绘，也可能不如戏曲通过唱念做打的直观方式来得更有冲击力。
三、 戏曲对人物塑造的集中与提炼
戏曲之所以在人物塑造上能达到很高水平，是因为其艺术形式本身就要求作者对人物进行高度的提炼和集中：
程式化的表演特点： 脸谱、服装、动作上的程式化，使得人物的性格特征一目了然。例如，关羽的红脸、曹操的白脸，已经成为他们性格的象征。
唱腔的个性化： 不同的唱腔风格往往对应着不同的人物类型。例如，老生的沉稳、花旦的娇俏、青衣的端庄，通过唱腔就能感受到人物的特质。
剧情的聚焦： 戏曲演出时间有限，因此往往聚焦于人物命运的关键节点，将人物的性格变化和情感冲突集中展现，没有小说中那么多的枝蔓和旁白。
“情”的集中爆发： 戏曲擅长在某个高潮点上，通过一整套唱念做打，将人物的某种情感推向极致，例如“哭坟”、“祭江”、“认亲”等经典桥段，其情感的爆发力和感染力是小说文字难以比拟的。
小说可以通过大量的心理描写、背景铺垫、细节刻画来塑造人物，这在文学上是优势，但在需要快速抓住观众的戏曲舞台上，这种过于细致的描写反而可能显得冗长。戏曲更像是对人物核心特质和关键命运的“高亮”处理。
四、 戏曲更早进入成熟期，且影响更广
从历史发展来看，中国戏曲（以元杂剧、明清传奇为代表）在宋元时期就已经形成了较为成熟的体系，并在明清时期达到了繁荣。而很多类型的小说，如长篇章回小说，虽然也发展迅速，但在艺术成熟度、对人性的挖掘深度、以及社会影响力方面，早期的小说可能稍显逊色。
戏曲作为一种大众娱乐，其表演形式渗透到社会生活的方方面面，成为了重要的文化载体。许多故事和人物形象，通过戏曲的演绎，反而比原始小说更深入人心。
五、 对“高”的定义和侧重点不同
“水平高”的定义本身就有很多维度。如果将“水平高”理解为：
对人性的深刻洞察和细腻描绘： 在这一点上，一些优秀的小说，例如《红楼梦》（虽然您排除了），在心理描写、对人物复杂性的挖掘上，可能更胜一筹。
艺术的综合性与直接感染力： 在这一点上，戏曲的优势就非常明显。它通过多种艺术形式的结合，能够更直接、更强烈地触动观众的情感。
你的感受可能更侧重于后者，即戏曲在艺术的综合运用和瞬间感染力上，给你留下了更深刻的印象，让你觉得“水平更高”。
举例说明（排除四大名著）：
小说： 比如《醒世恒言》、《喻世明言》中的一些故事，虽然情节引人入胜，但文字叙述的节奏感和人物情感的直观展现，可能不如将这些故事改编成戏曲后，通过唱腔和表演来得更有力量。
戏曲： 再比如一些明清传奇，如《牡丹亭》中的“惊梦”一折，女主人公杜丽娘的情感转变、对爱情的向往，通过唱词的优美、表演的细腻，能够传达出一种超越文字的诗意和浪漫，给观众带来的感受是复杂而深刻的。又如《铡美案》，包公、秦香莲、陈世美的形象，通过脸谱和程式化的表演，极具辨识度和戏剧冲突。
总结来说，你觉得古代小说（排除四大名著）不如古代戏曲水平高，很可能源于：
1. 戏曲作为一种综合艺术，其表演、音乐、舞台美术的协同作用，提供了小说文字无法比拟的瞬间感染力和视听冲击。
2. 戏曲的通俗性和与市井文化的紧密联系，使其更容易被大众理解和喜爱，情感表达更直接，也更容易引起共鸣。
3. 戏曲在人物塑造上更具程式化和象征性，能够将人物的核心特质高度提炼和集中展现，形成强烈的艺术符号。
4. 从历史发展来看，戏曲在某些时期已经达到了非常成熟的艺术高度，并拥有广泛的社会影响力。
当然，这并不意味着古代小说就没有艺术价值，很多小说在文字的精炼、意境的营造、以及对人性的深度探讨上，仍然是极其优秀的。只是在“直接感受到的艺术水平”和“瞬间爆发力”上，戏曲可能更容易给观众带来更强烈的震撼。
这种感受是非常个人化的，也反映了不同艺术形式各自的魅力所在。你更倾向于直观、强烈、综合的艺术体验，而戏曲恰恰能够提供这样的体验。
以下是我认为导致这种感受的一些主要原因，并尽量详细地阐述：
一、 戏曲的综合艺术性和瞬间感染力
戏曲并非仅仅是文字的呈现，它是一种高度综合的艺术形式，融合了：
表演（唱、念、做、打）： 这是戏曲最核心的魅力所在。优秀的演员通过精湛的唱腔、富有韵味的念白、逼真的做工和行云流水的武打，将人物的情感和性格表现得淋漓尽致。这种视觉和听觉的直接冲击，能够瞬间抓住观众的心。
音乐（唱腔、伴奏）： 戏曲的唱腔是精心设计的，具有强烈的抒情性和节奏感，能够直接触动人的情绪。伴奏乐器（如京胡、二胡、锣鼓等）的运用更是烘托气氛、塑造人物的关键。
舞台美术（服饰、脸谱、布景）： 虽然古代戏曲的布景相对简单，但其华丽的服饰、程式化的脸谱（如红脸忠勇、白脸奸臣）本身就是一种视觉语言，能够快速传递人物的身份、性格和命运。
程式化与象征性： 戏曲中的动作、唱腔、念白都有其约定俗成的程式，这些程式虽然有局限性，但也使得情感的表达更加凝练和具有象征意义。一个简单的挥袖、一个眼神，都能传达丰富的信息。
相比之下，古代小说虽然也有文学价值，但它主要依靠文字来构建场景、刻画人物、表达情感。这种“间接”的艺术形式，需要读者具备一定的想象力和解读能力，其艺术感染力往往需要一个过程的积累，不如戏曲的瞬间爆发力强。
二、 戏曲的通俗性与市井文化的融合
在古代，戏曲往往是面向广大市井民众的娱乐形式。为了吸引和留住观众，戏曲创作往往注重：
通俗易懂的语言： 戏曲的唱词和念白力求通俗易懂，便于普通民众理解和接受，不会有太多晦涩的典故或生僻的字词（当然也有部分文人雅戏）。
戏剧性的冲突和情节： 戏曲为了吸引观众，通常会设置强烈的情节冲突、曲折的命运转折，以及鲜明的人物对立，这更能抓住人心的戏剧张力。
情感的直白宣泄： 戏曲中的人物情感表达往往比较直接和强烈，无论是喜怒哀乐，都通过唱腔和表演淋漓尽致地展现出来，容易引起观众的情感共鸣。
与现实生活的关联： 很多戏曲取材于民间故事、历史传说、或者直接反映当时的社会现实和人们的生活，因此更贴近观众的生活，更容易获得认同感。
而很多古代小说，尤其是在发展早期，可能更偏向于文人雅士的消遣，语言相对文雅，情节的处理也可能更注重章法和意境，对于缺乏一定文化基础的观众来说，接受门槛会高一些。即使是通俗小说，其文字的叙事节奏和对人物心理的细腻描绘，也可能不如戏曲通过唱念做打的直观方式来得更有冲击力。
三、 戏曲对人物塑造的集中与提炼
戏曲之所以在人物塑造上能达到很高水平，是因为其艺术形式本身就要求作者对人物进行高度的提炼和集中：
程式化的表演特点： 脸谱、服装、动作上的程式化，使得人物的性格特征一目了然。例如，关羽的红脸、曹操的白脸，已经成为他们性格的象征。
唱腔的个性化： 不同的唱腔风格往往对应着不同的人物类型。例如，老生的沉稳、花旦的娇俏、青衣的端庄，通过唱腔就能感受到人物的特质。
剧情的聚焦： 戏曲演出时间有限，因此往往聚焦于人物命运的关键节点，将人物的性格变化和情感冲突集中展现，没有小说中那么多的枝蔓和旁白。
“情”的集中爆发： 戏曲擅长在某个高潮点上，通过一整套唱念做打，将人物的某种情感推向极致，例如“哭坟”、“祭江”、“认亲”等经典桥段，其情感的爆发力和感染力是小说文字难以比拟的。
小说可以通过大量的心理描写、背景铺垫、细节刻画来塑造人物，这在文学上是优势，但在需要快速抓住观众的戏曲舞台上，这种过于细致的描写反而可能显得冗长。戏曲更像是对人物核心特质和关键命运的“高亮”处理。
四、 戏曲更早进入成熟期，且影响更广
从历史发展来看，中国戏曲（以元杂剧、明清传奇为代表）在宋元时期就已经形成了较为成熟的体系，并在明清时期达到了繁荣。而很多类型的小说，如长篇章回小说，虽然也发展迅速，但在艺术成熟度、对人性的挖掘深度、以及社会影响力方面，早期的小说可能稍显逊色。
戏曲作为一种大众娱乐，其表演形式渗透到社会生活的方方面面，成为了重要的文化载体。许多故事和人物形象，通过戏曲的演绎，反而比原始小说更深入人心。
五、 对“高”的定义和侧重点不同
“水平高”的定义本身就有很多维度。如果将“水平高”理解为：
对人性的深刻洞察和细腻描绘： 在这一点上，一些优秀的小说，例如《红楼梦》（虽然您排除了），在心理描写、对人物复杂性的挖掘上，可能更胜一筹。
艺术的综合性与直接感染力： 在这一点上，戏曲的优势就非常明显。它通过多种艺术形式的结合，能够更直接、更强烈地触动观众的情感。
你的感受可能更侧重于后者，即戏曲在艺术的综合运用和瞬间感染力上，给你留下了更深刻的印象，让你觉得“水平更高”。
举例说明（排除四大名著）：
小说： 比如《醒世恒言》、《喻世明言》中的一些故事，虽然情节引人入胜，但文字叙述的节奏感和人物情感的直观展现，可能不如将这些故事改编成戏曲后，通过唱腔和表演来得更有力量。
戏曲： 再比如一些明清传奇，如《牡丹亭》中的“惊梦”一折，女主人公杜丽娘的情感转变、对爱情的向往，通过唱词的优美、表演的细腻，能够传达出一种超越文字的诗意和浪漫，给观众带来的感受是复杂而深刻的。又如《铡美案》，包公、秦香莲、陈世美的形象，通过脸谱和程式化的表演，极具辨识度和戏剧冲突。
总结来说，你觉得古代小说（排除四大名著）不如古代戏曲水平高，很可能源于：
1. 戏曲作为一种综合艺术，其表演、音乐、舞台美术的协同作用，提供了小说文字无法比拟的瞬间感染力和视听冲击。
2. 戏曲的通俗性和与市井文化的紧密联系，使其更容易被大众理解和喜爱，情感表达更直接，也更容易引起共鸣。
3. 戏曲在人物塑造上更具程式化和象征性，能够将人物的核心特质高度提炼和集中展现，形成强烈的艺术符号。
4. 从历史发展来看，戏曲在某些时期已经达到了非常成熟的艺术高度，并拥有广泛的社会影响力。
当然，这并不意味着古代小说就没有艺术价值，很多小说在文字的精炼、意境的营造、以及对人性的深度探讨上，仍然是极其优秀的。只是在“直接感受到的艺术水平”和“瞬间爆发力”上，戏曲可能更容易给观众带来更强烈的震撼。
这种感受是非常个人化的，也反映了不同艺术形式各自的魅力所在。你更倾向于直观、强烈、综合的艺术体验，而戏曲恰恰能够提供这样的体验。
网友意见
你这个感觉没有错。
中国古代的小说并不发达，除了个别精品名著外，绝大多数古代小说水平并不高。
这里顺便说一句，小说为什么要叫“小”说？
因为在古人眼中，这东西本来就是上不了台面的小道啊。
中国古代文学有一个很明显的鄙视链，在这其中，诗、文（尤其是古文）是居于顶端的，其他文体等而下之，而小说这玩意，干脆就连被鄙视的机会都没有，甚至没有人会承认它属于文学。中国古代的小说，大部分是从说书人的话本而来的，这东西放在现在，和网络上的霸道总裁小说的地位差不多，没有哪个正经人会正眼看它。
毕竟，正经人谁写小说啊。
这造成的后果是，如果不是真的穷疯了，不会有哪个文人会去进行小说创造。即使不得不写小说赚钱糊口，也不会有人把自己的名字署上，让自己遗臭万年、祖宗蒙羞的。
举个例子，中国大部分古代小说，你都不知道作者是谁，这里面包括且不限于《三国演义》、《西游记》、《水浒传》、《红楼梦》、《金瓶梅》、《封神演义》等等，现在都没人知道他们的作者究竟是谁（不要说罗贯中、施耐庵、吴承恩，那都是现代人的猜想）。因为那些作家们丢不起这人。
在这种情况下，怎么可能创作出大批高质量的作品？
相反，中国古代戏曲在文学上其实地位不低。
首先，在体裁上，曲与诗词是一脉相承的，中国诗歌由诗而词，由词而曲，这个演变的脉络是非常清晰的，仅仅这一个关系，就让它的地位和下九流的小说判若云泥了。
同时，曲在创作上，有大量的文人，——甚至是有地位的、高水平的文人参与，这就使得曲的创作成为文人雅事，成为一种正常的文学行为。古代很多戏曲大家，如汤显祖、孔尚任、李渔等人，都有较高的社会地位。
而且，由于中国古代戏曲脱胎于诗词，而中国古代诗词曾经达到过何等高度，这个就不用我多说了吧。由此演变而来的戏曲的水平如何能低？这和脱胎与民间说书人话本的小说相比，其水平高低自然一目了然。
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