当代国画技艺是否逊色于古画？
我们不妨从几个维度来掰扯掰扯：
一、 古画的辉煌：技艺的巅峰与时代的烙印
首先，我们必须承认，在中国绘画漫长的历史长河中，涌现了无数技艺登峰造极的大师，他们的作品至今仍是我们仰望的丰碑。古画的“辉煌”主要体现在以下几个方面：
精湛的线条与皴法： 古代画家对线条的运用达到了极致。无论是工笔的细腻勾勒，还是写意的奔放泼洒，每一笔都蕴含着深厚的功力。像顾恺之的“曹娥碑”，线条如行云流水，传神至极；吴道子的“吴带当风”，衣纹飘逸，气势磅礴。而皴法更是中国画的灵魂之一，黄公望的披麻皴、范宽的雨点皴、倪瓒的折带皴，各自独具风格，不仅表现了山石的质感，更融入了画家的情感与思考。这些技法都是经过几代人反复锤炼、总结出来的精粹，是古画之所以“古”且“画”的根基。
严谨的构图与造型： 古代中国画强调“气韵生动”和“意境”。在有限的宣纸上，画家需要巧妙地安排景物，做到虚实相生、疏密有致。人物画在比例、神态、衣纹上都有严格的要求，以求“传神写照”。山水画更是讲究“三远法”（高远、深远、平远），营造出宏伟壮丽或幽深静谧的空间感。这种对构图和造型的严谨追求，往往需要画家扎实的造型功底和对空间感的深刻理解。
深厚的笔墨功底： “笔墨是中国画的骨骼和血脉”。古画的笔墨语言极其丰富，浓淡干湿、枯湿浓淡，变化万千。墨色可以在宣纸上晕染出丰富的层次感，如同水墨的舞蹈。书法与绘画的紧密结合，使得古画的笔触本身就具有音乐般的美感和生命力。例如，文徵明的书法用笔和山水画的用笔相互呼应，构成统一的艺术风格。
明确的时代精神与文化内涵： 古画不仅仅是技艺的展示，更是特定时代文化、哲学思想、士大夫阶层生活情趣的载体。仕女画反映了宫廷贵族的审美；山水画寄托了文人隐逸避世的情怀；花鸟画则承载了吉祥寓意和人格品格。这些深厚的文化内涵，使得古画具有穿越时空的生命力。
二、 当代国画的探索：技艺的延续与时代的创新
然而，用“逊色”来概括当代国画，是过于简单化的。当代国画在继承传统技艺的基础上，也在进行着自身的探索和发展：
传统技法的传承与演变： 并非所有当代国画家都放弃了传统技法。事实上，许多优秀的当代画家仍然是传统功底深厚的，他们通过自己的实践，将古人的技法融入到新的创作中。比如，某些画家在写意山水上，对传统皴法的理解和运用更加灵活和个人化；在人物画上，也尝试将西方绘画的解剖学和透视学知识与中国画的线条相结合，但依然保持着中国画的韵味。
材料与媒介的拓展： 当代国画不仅仅局限于传统的宣纸、毛笔、墨、颜料。画家们也在尝试使用新的材料和媒介，例如在画布上绘制国画，使用丙烯颜料，或者将水墨与摄影、装置艺术等相结合。这虽然会改变国画的“表象”，但核心仍然在于对水墨语言和中国画精神的探索。
观念与题材的革新： 最显著的差异在于创作观念和题材的选择。当代社会节奏快，信息多元，画家们不再局限于描绘山水、花鸟、人物的传统题材，而是将目光投向了都市风光、现代生活、社会问题、个人情感等。这要求画家们用中国画的语言来表现新的内容，这本身就是一种挑战和创新。例如，一些画家通过水墨来表现现代都市的钢筋水泥和灯火阑珊，这与古代文人画的山林野趣截然不同。
个人风格的张扬： 与古代画家中相对统一的时代风格不同，当代国画呈现出更加多元和个性化的面貌。每个画家都有自己的想法和表达方式，风格差异很大。这种“百花齐放”的局面，既是艺术繁荣的表现，也可能让一些人觉得缺乏统一的“古法”参照系。
技法上的“妥协”或“简化”？ 也不能完全否认，在一些市场化导向的作品中，确实存在对传统技法的简化、甚至牺牲。一些作品过于追求表面的“像”或“好看”，而忽视了笔墨内在的修养和精神。但这更多的是市场环境和部分画家个人选择的问题，不能代表整个当代国画界。
三、 如何看待这种“差异”？
所以，与其说当代国画“逊色”于古画，不如说它们处于不同的时代语境下，侧重点不同：
古画是技艺的极致追求和文化传承的典范。 它们代表了中国传统艺术的最高成就，是前人留给我们的宝贵遗产。
当代国画是在坚守与创新之间的探索。 它既要继承和发扬传统，又要回应时代的挑战和变化，用中国画的语言表达现代人的思想和情感。
我们不能用古代的标准去苛求当代。 想象一下，如果齐白石生活在唐朝，他的风格可能也不会是今天我们看到的样子。时代在变，观众的审美也在变。
一些更深层的原因可能在于：
教育体系的变化： 古代绘画更多是师徒传承，强调日复一日的临摹和笔墨训练。当代美术教育虽然也包含传统教学，但更加多元和注重个人创造力，导致部分学生在笔墨功底上可能不如传统学徒。
时代节奏与浮躁心态： 当代社会信息爆炸，节奏加快，很多人难以沉下心来，进行数十年如一日的笔墨修炼。
市场的影响： 一些画家为了迎合市场需求，可能会选择速成的、迎合大众审美的风格，而忽略了对技艺的深耕。
总而言之，我更倾向于认为当代国画是在变化中发展，其“不足”更多是由于时代发展带来的必然变化以及一些客观存在的问题，而不是因为当代画家整体技艺“不如”古人。 事实上，也有许多当代国画家在技艺和创新上都取得了令人瞩目的成就。我们应该抱有更开放的心态，去理解和欣赏不同时代的作品所展现出的独特魅力。
我们应该学习古画的精湛技艺和严谨态度，但也应该给予当代国画探索和创新的空间。毕竟，艺术的生命力在于其不断发展和自我超越。如果一味地用古人的标准去要求当代的画家，那艺术本身也就失去了前进的动力。
网友意见
单纯讲技艺么
那显然不是啊，有什么疑问么？
说一个你未必知道的事实额
你所见的什么张择端也好黄公望也罢
这些人的绘画啊，事实上都是两岸故宫等各大博物院修补技工笔笔细描点点上色修复出来的
早就不是张择端黄公望画笔的原始痕迹了
当然，这些技工的描画效果和原始痕迹差距很小，甚至可以说全无区别
并且
这些大博物馆的技工，修补古字画的技工大多向来都是中小学即辍学跟随师父学手艺的学徒逐渐成长起来的大师傅
他们从小拿着画笔练习学艺，跟着师父观摩学习，少则一年半载，多则两三年就可以上手。先是做一些不太重要的破碎古画上不太重要位置上的不需要复杂技艺的大面积染色部分的复原，手熟后会从事线型简单单调的线描（比如铁线描那种）部分的复原，再熟练些可以从事线型较复杂有提按顿挫粗细变化的线描部分的复原，再熟练了就可以参酌经验判断整体性地补足缺失部分的多样化内容了。拿来一张破烂古画，泡水里，揭裱，拼合，晾干，哪里缺了就找同样的纸，染色配合，然后接笔勾描点染，把破烂缺损虫蛀鼠咬的地方都填满，让一副烂画看起来完整恢复原状，故宫的修补工匠们一辈子干的就是这种事情。
你所以为的那些千年古画数百年绢帛纸卷就是这等东西！真以为《清明上河图》从张择端到现在你看到的都是一副模样呢，真以为《富春山居》烧成两截还干干净净连个火痕都没有么。
那么在你眼里古画出神入化玄之又玄的技艺，在这些修复技工眼里咋样呢？简单得很！送你进去，三个月学不会宋画那些点线染色，师傅八成就要撵你滚蛋了，无他，太笨了，没那么多干粮养这种废物！当代的古画修复技师主要来自职业学校大学专业的毕业生，70年前的古画修补技师那都是靠手艺吃饭的，养个徒弟是要给师傅赚钱的。一般学徒三年，这三年里徒弟若不是有两年半能帮师傅干活，这个师傅就要赔死，谁会白养一个笨蛋。一个正常人几个月半年就能熟练掌握的技艺，你觉着能有多难？
举个例子，赵子固的水仙图是美院国画系学生必临科目，尤其是学习工笔花鸟的。你不妨找美院学生打听一下，有谁会临第二遍！为什么？技艺简单，虽说，你一辈子未必画到赵子固那么匀净有弹性的线，但是，这一中锋长划的铁线描没有更多复杂的技巧，简单易学，临一遍，根本不必临全本，你就知道窍门了，你就从第一眼的着迷佩服变成不过尔尔，剩下的就是自己愿不愿意花费几十上百小时去重复这个简单无聊的动作而已。
古画的地位和价值，从艺术角度说，在于其首创性，在于其是某个艺术形式的起点，而不在于技艺的绝对高明。一项技艺在某张画之前从来没有出现过，这个画家发明了这项技艺，留下了这个作品，就是这张画在技艺方面最大的价值，因而值得被大书特书。之后任何人使用这项技艺都不可能有这个人这张画的艺术史地位，因为只有艺术史的首创才会享有艺术史的地位，而不是技艺本身的绝对高度。艺术史和科学史一样，第一重要的是原创。而艺术外行却着眼于技艺的绝对高度，这是一个误读。
很显然，就技艺本身，当代国画没有什么技艺不是远远超越古人的。更进一步，就技艺本身而言，当代国画家整体上不但远远超越古人，而且发明创造了古人不可想象的规模的新技艺。就技艺本身而言厚古薄今非但没有必要，而且是一种极度反智的态度。
毫无疑问，火箭卫星上天，全民普及义务教育，00后大学入学率40%，网络让知识普及和廉价的当下，讨论当代任何技艺不如古人都是一种可笑的愚蠢。
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