老师说我素描画的太紧了，要怎么办才能过松下来啊？
哈哈，老师这么说，说明你画得挺扎实！“太紧”其实是一个很常见的问题，尤其是在初学者阶段。不过别担心，这完全是可以解决的。要让素描“松”下来，不是说要你潦草，而是要让画面更有呼吸感，线条和色块之间有更多层次和变化，而不是一味地死板。
来，咱们一步一步捋捋，怎么才能把你的素描“拧松”：
第一步：理解“紧”和“松”到底是什么意思
“紧”的表现：
线条过于密集、重复、纤细： 感觉每一根线都在挤占空间，没有留白，没有“气”。
明暗层次变化不大： 画面整体灰蒙蒙的，或者对比非常强烈但中间过度不自然，没有丰富的灰调。
形体过于刻板： 物体感觉像是被“框”起来的，没有体积感和穿插感，转折生硬。
画面整体感觉“死”： 缺乏动感和生命力，观者看了会觉得压抑。
“松”的表现：
线条有粗细、虚实、疏密的变化： 既有描绘细节的实线，也有表现体积和氛围的虚线、擦线。
明暗层次丰富： 从最亮的高光到最深的暗部，中间过渡自然、细腻，有丰富的灰调。
形体有体积感和穿插： 利用光影和线条的巧妙运用，让物体在二维平面上“立”起来，感觉有厚度和空间。
画面有呼吸感和节奏感： 视线能在画面中自然地游走，不会觉得拥挤或疲惫。
第二步：从根源上解决“紧”——审视你的观察方式
这就像你吃饭吃得太急，总得慢下来品品味。
1. 放慢速度，多看少画：
“看”才是最重要的： 在落笔之前，花足够的时间去“读”你的对象。仔细观察物体的整体轮廓，它在大致的空间里是什么样的？它和周围的环境有什么关系？
整体观察： 不要一开始就钻进细节里。先用眼睛“扫描”整个物体，感受它的轮廓、体块和主要光影关系。想象一下，你是从一个远处的位置在打量它，而不是贴在上面。
找准大的明暗关系： 确定光源方向，找出受光面、背光面、反光和投影。这些大的明暗关系是构成物体体积的基础。
2. 理解形体，而不是“描”形：
把物体想象成立体： 哪怕你画一个苹果，也要把它想象成一个球体，而不是一个扁平的圆。观察它的体积是如何随着光影变化的。
多用“概括”和“简化”： 面对复杂的事物，学会抓住它最本质的结构和体块。不要试图把所有细节都画出来，这样只会让画面“堵”得慌。
第三步：用“手法”来“拧松”你的画面
有了正确的观察方式，我们就可以用一些具体的方法来让画面“松”起来。
1. 大胆运用“虚”和“实”的线条：
轮廓线的处理：
关键轮廓用实线： 那些能明确区分物体形体的外轮廓，可以画得清晰一些，但也要注意线条的粗细变化。
背光面、被遮挡的部分用虚线或擦线： 在物体背光面，或者被其他物体遮挡的部分，线条可以画得模糊、虚弱，甚至用轻柔的擦拭来表现。这样可以让画面“透”出来，不会显得死板。
利用形体转折： 有些地方物体形体发生了转折，但并没有明确的轮廓线，这时候可以通过线条的方向、轻重来表现转折，而不是画一道死死的线。
内部结构线的处理： 画面中的一些辅助线、结构线，可以画得更灵活，利用笔触的节奏来表现。
2. 丰富明暗层次，尤其要注重“灰调”：
不要怕“留白”： 高光部分要敢于留白，或者用非常轻的笔触，让它显得亮。
加强暗部： 暗部是可以深入的，但也不是一股脑儿地涂黑。暗部内部也有层次，有反光，有被遮挡的细节。用排线、擦拭等多种手法去丰富暗部，让它有厚度和深度。
“灰调”是关键： 很多时候，“太紧”是因为画面缺乏中间调。大胆地去画那些“不黑不白”的灰色区域，用轻柔的笔触，或者不同的排线方式去表现。这些灰调能让画面过渡更自然，更有空气感。
利用“擦”和“揉”： 软铅笔（如4B、6B）和纸巾、布、橡皮擦等工具，可以帮你制造出非常柔和的过渡和丰富的灰调。用橡皮擦“擦”出高光，或者用它轻轻“擦”掉多余的炭粉，都能让画面瞬间“松”下来。
排线方向和疏密： 尝试不同的排线方向，比如顺着形体走向排线，或者用交叉排线来增强体积感。排线的疏密也能产生不同的灰度。
3. 让形体“动”起来：
找准体块的穿插： 观察物体各个部分的体积是如何相互穿插、连接的。你的线条和明暗关系要能表现出这种穿插关系，而不是把每个部分都孤立地画出来。
利用“结构线”辅助： 即使是写实的素描，也可以适当地运用一些结构线来辅助表达形体。但要注意这些结构线的“力度”和“走向”，它们应该是服务于形体的，而不是阻碍形体。
4. 营造“空气感”和“氛围”：
背景的处理： 背景不是可有可无的。它可以用来衬托主体，也可以用虚化的处理来营造空间感。如果你的主体画得很“实”，背景稍微虚化一下，就能让主体更突出，画面也更“松”。
环境色和反光： 观察物体受到的环境影响，比如周围物体的颜色可能会反射到物体上，产生一些微妙的色彩变化（即使是黑白素描，也能通过不同灰度来表现）。这些细微的变化能让画面更生动。
第四步：练习方法和心态调整
多画写生，少临摹： 写生能让你更直接地观察对象，发现形体和光影的真实关系。临摹虽然能学习技巧，但容易养成“照猫画虎”的习惯，忽略了对真实的观察。
尝试不同工具： 换用不同软硬度的铅笔、炭笔、钢笔，或者使用不同的纸张，都能给你带来新的体验和感受。
多看优秀作品： 观摩大师的作品，注意他们是如何处理线条、光影和构图的，从中汲取灵感。
耐心，耐心，再耐心： 改变一个根深蒂固的绘画习惯需要时间。不要因为一两次没有达到效果就灰心。每次画完都总结一下，下次注意。
和老师多沟通： 把老师的建议具体化，可以请老师在你正在画的画上示范一下，这样你会理解得更透彻。
举个例子：
假设你在画一个苹果。
“紧”的表现： 你可能把苹果的轮廓线画得又粗又实，中间用了大量的平行排线，每一层都排得密密麻麻，明暗关系就那么三两个，高光和暗部界限分明。
“松”的处理：
轮廓： 苹果最受光的部分轮廓线可以画得非常轻、甚至模糊，甚至省略；背光面可以运用一些柔和的擦线，或者用比整体暗部更亮的笔触来表现形体转折。
形体： 用顺着苹果圆润形体的排线，或者轻轻的擦拭来表现球体的体积感。在高光和暗部之间，要用大量的灰调来过渡，可以用纸巾轻轻擦出柔和的明暗变化。
细节： 比如苹果上的一个斑点，不用画得像一个小黑点，而是用深浅不一的笔触，或者和周围的灰调融为一体，只是稍微深一点点。
总之，“松”不是让你偷懒，而是让你更聪明、更细腻地去表现。它是一种对物体的深刻理解，并通过灵活的笔触和丰富的层次来表达出来。慢慢来，你会发现绘画的乐趣越来越大！加油！
来，咱们一步一步捋捋，怎么才能把你的素描“拧松”：
第一步：理解“紧”和“松”到底是什么意思
“紧”的表现：
线条过于密集、重复、纤细： 感觉每一根线都在挤占空间，没有留白，没有“气”。
明暗层次变化不大： 画面整体灰蒙蒙的，或者对比非常强烈但中间过度不自然，没有丰富的灰调。
形体过于刻板： 物体感觉像是被“框”起来的，没有体积感和穿插感，转折生硬。
画面整体感觉“死”： 缺乏动感和生命力，观者看了会觉得压抑。
“松”的表现：
线条有粗细、虚实、疏密的变化： 既有描绘细节的实线，也有表现体积和氛围的虚线、擦线。
明暗层次丰富： 从最亮的高光到最深的暗部，中间过渡自然、细腻，有丰富的灰调。
形体有体积感和穿插： 利用光影和线条的巧妙运用，让物体在二维平面上“立”起来，感觉有厚度和空间。
画面有呼吸感和节奏感： 视线能在画面中自然地游走，不会觉得拥挤或疲惫。
第二步：从根源上解决“紧”——审视你的观察方式
这就像你吃饭吃得太急，总得慢下来品品味。
1. 放慢速度，多看少画：
“看”才是最重要的： 在落笔之前，花足够的时间去“读”你的对象。仔细观察物体的整体轮廓，它在大致的空间里是什么样的？它和周围的环境有什么关系？
整体观察： 不要一开始就钻进细节里。先用眼睛“扫描”整个物体，感受它的轮廓、体块和主要光影关系。想象一下，你是从一个远处的位置在打量它，而不是贴在上面。
找准大的明暗关系： 确定光源方向，找出受光面、背光面、反光和投影。这些大的明暗关系是构成物体体积的基础。
2. 理解形体，而不是“描”形：
把物体想象成立体： 哪怕你画一个苹果，也要把它想象成一个球体，而不是一个扁平的圆。观察它的体积是如何随着光影变化的。
多用“概括”和“简化”： 面对复杂的事物，学会抓住它最本质的结构和体块。不要试图把所有细节都画出来，这样只会让画面“堵”得慌。
第三步：用“手法”来“拧松”你的画面
有了正确的观察方式，我们就可以用一些具体的方法来让画面“松”起来。
1. 大胆运用“虚”和“实”的线条：
轮廓线的处理：
关键轮廓用实线： 那些能明确区分物体形体的外轮廓，可以画得清晰一些，但也要注意线条的粗细变化。
背光面、被遮挡的部分用虚线或擦线： 在物体背光面，或者被其他物体遮挡的部分，线条可以画得模糊、虚弱，甚至用轻柔的擦拭来表现。这样可以让画面“透”出来，不会显得死板。
利用形体转折： 有些地方物体形体发生了转折，但并没有明确的轮廓线，这时候可以通过线条的方向、轻重来表现转折，而不是画一道死死的线。
内部结构线的处理： 画面中的一些辅助线、结构线，可以画得更灵活，利用笔触的节奏来表现。
2. 丰富明暗层次，尤其要注重“灰调”：
不要怕“留白”： 高光部分要敢于留白，或者用非常轻的笔触，让它显得亮。
加强暗部： 暗部是可以深入的，但也不是一股脑儿地涂黑。暗部内部也有层次，有反光，有被遮挡的细节。用排线、擦拭等多种手法去丰富暗部，让它有厚度和深度。
“灰调”是关键： 很多时候，“太紧”是因为画面缺乏中间调。大胆地去画那些“不黑不白”的灰色区域，用轻柔的笔触，或者不同的排线方式去表现。这些灰调能让画面过渡更自然，更有空气感。
利用“擦”和“揉”： 软铅笔（如4B、6B）和纸巾、布、橡皮擦等工具，可以帮你制造出非常柔和的过渡和丰富的灰调。用橡皮擦“擦”出高光，或者用它轻轻“擦”掉多余的炭粉，都能让画面瞬间“松”下来。
排线方向和疏密： 尝试不同的排线方向，比如顺着形体走向排线，或者用交叉排线来增强体积感。排线的疏密也能产生不同的灰度。
3. 让形体“动”起来：
找准体块的穿插： 观察物体各个部分的体积是如何相互穿插、连接的。你的线条和明暗关系要能表现出这种穿插关系，而不是把每个部分都孤立地画出来。
利用“结构线”辅助： 即使是写实的素描，也可以适当地运用一些结构线来辅助表达形体。但要注意这些结构线的“力度”和“走向”，它们应该是服务于形体的，而不是阻碍形体。
4. 营造“空气感”和“氛围”：
背景的处理： 背景不是可有可无的。它可以用来衬托主体，也可以用虚化的处理来营造空间感。如果你的主体画得很“实”，背景稍微虚化一下，就能让主体更突出，画面也更“松”。
环境色和反光： 观察物体受到的环境影响，比如周围物体的颜色可能会反射到物体上，产生一些微妙的色彩变化（即使是黑白素描，也能通过不同灰度来表现）。这些细微的变化能让画面更生动。
第四步：练习方法和心态调整
多画写生，少临摹： 写生能让你更直接地观察对象，发现形体和光影的真实关系。临摹虽然能学习技巧，但容易养成“照猫画虎”的习惯，忽略了对真实的观察。
尝试不同工具： 换用不同软硬度的铅笔、炭笔、钢笔，或者使用不同的纸张，都能给你带来新的体验和感受。
多看优秀作品： 观摩大师的作品，注意他们是如何处理线条、光影和构图的，从中汲取灵感。
耐心，耐心，再耐心： 改变一个根深蒂固的绘画习惯需要时间。不要因为一两次没有达到效果就灰心。每次画完都总结一下，下次注意。
和老师多沟通： 把老师的建议具体化，可以请老师在你正在画的画上示范一下，这样你会理解得更透彻。
举个例子：
假设你在画一个苹果。
“紧”的表现： 你可能把苹果的轮廓线画得又粗又实，中间用了大量的平行排线，每一层都排得密密麻麻，明暗关系就那么三两个，高光和暗部界限分明。
“松”的处理：
轮廓： 苹果最受光的部分轮廓线可以画得非常轻、甚至模糊，甚至省略；背光面可以运用一些柔和的擦线，或者用比整体暗部更亮的笔触来表现形体转折。
形体： 用顺着苹果圆润形体的排线，或者轻轻的擦拭来表现球体的体积感。在高光和暗部之间，要用大量的灰调来过渡，可以用纸巾轻轻擦出柔和的明暗变化。
细节： 比如苹果上的一个斑点，不用画得像一个小黑点，而是用深浅不一的笔触，或者和周围的灰调融为一体，只是稍微深一点点。
总之，“松”不是让你偷懒，而是让你更聪明、更细腻地去表现。它是一种对物体的深刻理解，并通过灵活的笔触和丰富的层次来表达出来。慢慢来，你会发现绘画的乐趣越来越大！加油！
网友意见
就是你整个人要放松一些，不要死盯着你的明暗交界线，要多从整体上观察你的画。你现在的明暗交界线就像贴在绘画对象上的一条黑纸，和明部和暗部都是完全分离的，而且死黑没有变化，要把你的注意力从一个点抽出来，平均的放到画面的每一个部分，每一次推进都要做到雨露均沾。
我个人的理解大致就是这样。
·
我最不喜欢的一点就是国内画室老师总喜欢直接用不经解释的『黑话』。
什么叫『紧』啊？明明一句话就说清楚了，他不解释，还让你猜半年，悟半天，这不捣乱的嘛？
你问这个问题说白了很简单，
其实就是你在画很多地方的时候，深色块的边缘形状过于『锐利』，缺少『过渡』。比如上图头发，眉毛等等，边缘太清晰，给人感觉像裂开个口子，或者纸片折叠而成的。就显得『紧』了。
拿个很粗糙的安格尔的图片看看吧。这个虽然印刷一般，但是你很明显能看到，他的脸部、眼睛、鼻梁、眉弓，几乎全部的地方，边缘都是很讲究的。
比如这里，鼻翼的地方，就算是深色，它外面也不是死黑一个边界过去。它是考虑了法令纹那个位置，所以鼻翼也得稍微有一丁点粗糙模糊。
另一个问题就是，你这样画得很硬，很清晰，不带过渡的边界，色调上面还和其他部分有脱节。显得很『突兀』。
比如这个眉毛，尤其右边的，它就不像一个明暗交界线，而像画了眉毛一样。
再比如这个，鼻头抹煤渣一样。
暗部整体上还得是一块色调，只是里面明暗交界线部分更加重一点而已。
而不是：交界线自己一块，暗部再另外一块。这就是脱节。
总结一下问题就是：边缘处理没有形体过渡的圆滑效果，体积感很弱，色调和旁边的脱节，黑色跳出来了。
其他造型不准的问题和主题关系不大，不赘述。
（最近开的有一对一教基础画画，感兴趣的私信我）
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