为什么古代演个剧就不能好好讲话非要唱出来歌词听的多累啊像中国的戏曲意大利的歌剧难道是因为正常说话太久?
你这个问题很有意思，也触及到了戏曲和歌剧的核心魅力之一——为什么不能好好说话，非要唱出来？ 这背后其实有很多复杂的原因，远非“正常说话太久”这么简单。让我们来详细地分析一下：
1. 艺术的夸张与升华：让情感和意义更具感染力
非写实主义的艺术追求： 戏曲和歌剧从诞生之初就不是为了追求完全的写实模仿生活。它们是更高级、更艺术化的表达方式。就像一幅画不可能百分之百还原真实场景，但它可以通过色彩、构图来传递情感和意境一样，歌唱和程式化的表演也是为了将人物内心的情感、性格、思想进行升华和放大，从而触动观众的心灵。
戏曲： 唱腔本身就承载了丰富的情感信息。喜怒哀乐，通过不同的声腔、节奏、韵律来体现。比如，一段悲伤的唱词，可能通过低沉婉转的旋律、缓慢的节奏来表达，比单纯的语言更能让观众感受到人物的悲痛。
歌剧： 歌剧中的咏叹调（Aria）更是如此。它们往往是角色内心独白的高潮，将角色的情感推向极致，让观众深深地沉浸其中。
突破语言的界限： 音乐和旋律是一种超越语言的通用媒介。即使观众听不懂具体歌词的字面意思，也能通过音乐感受到角色的情绪。这在歌剧的跨文化传播中尤为重要。
仪式感与神圣感： 在古代，很多艺术形式都带有宗教或祭祀的色彩。歌唱和程式化的表演能营造一种庄重、肃穆、甚至神圣的氛围，与日常生活拉开距离，提升艺术的仪式感，让观众更容易进入一种沉浸式的体验。
2. 声音的特殊表现力与技巧的展示
声音的音域与表现力： 人声的音域比正常说话要宽广得多。歌唱能够利用高低起伏的旋律、不同的音色变化来表达更丰富的情感和更复杂的心理活动。正常的说话语调变化虽然也有，但远不如歌唱那样具有戏剧性和表现力。
戏曲： 京剧中的“唱念做打”四功，唱是其中最重要的一环。戏曲的唱腔讲究字正腔圆、声情并茂，通过不同的行当（生旦净丑）和唱腔（原板、二六、流水板等）来塑造人物。每个行当都有其独特的唱腔风格，这是其角色塑造的重要手段。
歌剧： 歌剧演唱更是对声音技巧的极致追求。花腔女高音的炫技、男高音的嘹亮高音、男中音的浑厚嗓音，这些都能够带来强烈的听觉冲击和艺术享受。
声乐技巧是艺术的一部分： 在那个时代，歌唱本身就是一种重要的技能和艺术。表演者通过多年的训练，掌握了各种歌唱技巧，这些技巧的展示本身就是一种艺术享受。观众欣赏歌剧或戏曲，一部分也是为了欣赏演唱者高超的技艺。
3. 历史与传承的因素
源于古老的传统： 戏曲和歌剧并非凭空产生。它们往往是从更古老的民间歌谣、说唱、吟诵等形式发展而来。这些古老的形式本身就带有歌唱的特征，随着时间的推移，这些歌唱的成分逐渐被加强，并与戏剧表演相结合，最终形成了完整的戏曲和歌剧体系。
中国的戏曲： 中国戏曲的起源可以追溯到先秦时期的歌舞百戏，唐代的歌舞大曲，宋代的诸宫调、杂剧等。这些形式都包含大量的歌唱元素。戏曲的唱腔系统也是在长期的历史演变中逐渐形成和完善的。
意大利的歌剧： 歌剧在16世纪末起源于意大利，是为了复兴古希腊戏剧而产生的。当时的复兴运动家们认为古希腊戏剧是以歌唱和诗歌来表演的，因此他们尝试将戏剧与音乐结合，创造出一种新的艺术形式。
时代的技术限制： 在古代，并没有现代的扩音设备。歌唱的声音比正常说话更容易传播到剧场的后排观众。而且，在嘈杂的环境中，歌唱的音量和穿透力也比说话更具优势。
4. 观众的审美习惯与期望
欣赏的焦点不同： 古代观众观看戏曲和歌剧，与现代观众的审美体验可能有所不同。他们更注重的是整体的艺术氛围、人物的情感表达、以及演唱者的技巧。歌唱和程式化的表演正是满足了这些需求。
一种独特的体验： 对于观众来说，听到熟悉的旋律、欣赏着演员精湛的唱功，本身就是一种独特的文化体验和精神享受。这种“听得多累”的感觉，更多的是现代人习惯了快节奏、直接的语言表达方式后产生的错位感。
总结一下，为什么古代演戏要唱？
艺术表现的需要： 用歌唱来放大、升华情感，使之更具感染力。
声音的优势： 利用更宽广的音域和更强的穿透力来表达，同时也是一种技艺展示。
历史的传承： 源于古老的歌唱和说唱传统，是历史演变的结果。
观众的审美： 满足了观众对艺术仪式感、情感深度和技艺欣赏的期望。
技术条件的限制： 在古代，歌唱更容易被听到和欣赏。
所以，与其说“正常说话太久”，不如说歌唱和程式化的表演是那个时代艺术家们选择的，能够将戏剧的魅力发挥到极致的艺术手段。当然，随着时代的发展，艺术形式也在不断演变，现代戏剧和音乐剧也更多地融入了日常化的对白和歌曲的结合，以适应不同时代的审美需求。但戏曲和歌剧之所以能够流传至今，正是因为它们在音乐、表演、情感表达上的独特魅力，而歌唱正是其核心的组成部分。
1. 艺术的夸张与升华：让情感和意义更具感染力
非写实主义的艺术追求： 戏曲和歌剧从诞生之初就不是为了追求完全的写实模仿生活。它们是更高级、更艺术化的表达方式。就像一幅画不可能百分之百还原真实场景，但它可以通过色彩、构图来传递情感和意境一样，歌唱和程式化的表演也是为了将人物内心的情感、性格、思想进行升华和放大，从而触动观众的心灵。
戏曲： 唱腔本身就承载了丰富的情感信息。喜怒哀乐，通过不同的声腔、节奏、韵律来体现。比如，一段悲伤的唱词，可能通过低沉婉转的旋律、缓慢的节奏来表达，比单纯的语言更能让观众感受到人物的悲痛。
歌剧： 歌剧中的咏叹调（Aria）更是如此。它们往往是角色内心独白的高潮，将角色的情感推向极致，让观众深深地沉浸其中。
突破语言的界限： 音乐和旋律是一种超越语言的通用媒介。即使观众听不懂具体歌词的字面意思，也能通过音乐感受到角色的情绪。这在歌剧的跨文化传播中尤为重要。
仪式感与神圣感： 在古代，很多艺术形式都带有宗教或祭祀的色彩。歌唱和程式化的表演能营造一种庄重、肃穆、甚至神圣的氛围，与日常生活拉开距离，提升艺术的仪式感，让观众更容易进入一种沉浸式的体验。
2. 声音的特殊表现力与技巧的展示
声音的音域与表现力： 人声的音域比正常说话要宽广得多。歌唱能够利用高低起伏的旋律、不同的音色变化来表达更丰富的情感和更复杂的心理活动。正常的说话语调变化虽然也有，但远不如歌唱那样具有戏剧性和表现力。
戏曲： 京剧中的“唱念做打”四功，唱是其中最重要的一环。戏曲的唱腔讲究字正腔圆、声情并茂，通过不同的行当（生旦净丑）和唱腔（原板、二六、流水板等）来塑造人物。每个行当都有其独特的唱腔风格，这是其角色塑造的重要手段。
歌剧： 歌剧演唱更是对声音技巧的极致追求。花腔女高音的炫技、男高音的嘹亮高音、男中音的浑厚嗓音，这些都能够带来强烈的听觉冲击和艺术享受。
声乐技巧是艺术的一部分： 在那个时代，歌唱本身就是一种重要的技能和艺术。表演者通过多年的训练，掌握了各种歌唱技巧，这些技巧的展示本身就是一种艺术享受。观众欣赏歌剧或戏曲，一部分也是为了欣赏演唱者高超的技艺。
3. 历史与传承的因素
源于古老的传统： 戏曲和歌剧并非凭空产生。它们往往是从更古老的民间歌谣、说唱、吟诵等形式发展而来。这些古老的形式本身就带有歌唱的特征，随着时间的推移，这些歌唱的成分逐渐被加强，并与戏剧表演相结合，最终形成了完整的戏曲和歌剧体系。
中国的戏曲： 中国戏曲的起源可以追溯到先秦时期的歌舞百戏，唐代的歌舞大曲，宋代的诸宫调、杂剧等。这些形式都包含大量的歌唱元素。戏曲的唱腔系统也是在长期的历史演变中逐渐形成和完善的。
意大利的歌剧： 歌剧在16世纪末起源于意大利，是为了复兴古希腊戏剧而产生的。当时的复兴运动家们认为古希腊戏剧是以歌唱和诗歌来表演的，因此他们尝试将戏剧与音乐结合，创造出一种新的艺术形式。
时代的技术限制： 在古代，并没有现代的扩音设备。歌唱的声音比正常说话更容易传播到剧场的后排观众。而且，在嘈杂的环境中，歌唱的音量和穿透力也比说话更具优势。
4. 观众的审美习惯与期望
欣赏的焦点不同： 古代观众观看戏曲和歌剧，与现代观众的审美体验可能有所不同。他们更注重的是整体的艺术氛围、人物的情感表达、以及演唱者的技巧。歌唱和程式化的表演正是满足了这些需求。
一种独特的体验： 对于观众来说，听到熟悉的旋律、欣赏着演员精湛的唱功，本身就是一种独特的文化体验和精神享受。这种“听得多累”的感觉，更多的是现代人习惯了快节奏、直接的语言表达方式后产生的错位感。
总结一下，为什么古代演戏要唱？
艺术表现的需要： 用歌唱来放大、升华情感，使之更具感染力。
声音的优势： 利用更宽广的音域和更强的穿透力来表达，同时也是一种技艺展示。
历史的传承： 源于古老的歌唱和说唱传统，是历史演变的结果。
观众的审美： 满足了观众对艺术仪式感、情感深度和技艺欣赏的期望。
技术条件的限制： 在古代，歌唱更容易被听到和欣赏。
所以，与其说“正常说话太久”，不如说歌唱和程式化的表演是那个时代艺术家们选择的，能够将戏剧的魅力发挥到极致的艺术手段。当然，随着时代的发展，艺术形式也在不断演变，现代戏剧和音乐剧也更多地融入了日常化的对白和歌曲的结合，以适应不同时代的审美需求。但戏曲和歌剧之所以能够流传至今，正是因为它们在音乐、表演、情感表达上的独特魅力，而歌唱正是其核心的组成部分。
网友意见
原始诗歌（诗经，风），叙事诗歌（诗经雅，颂），歌剧（京剧，黄梅戏等），话剧，电影，电视剧。
按照时间顺序发展路径是这样的。
歌剧最大的好处是，声调比说话要高，初中物理就说了，声调高传得远。所以天生适合在各种集会中演出。
这也是为什么歌剧比话剧出现得更早的原因。
因为话剧的出现，必须要有更加严谨的故事讲述形式，成熟的发声方法，以及专门的演出场地。
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